Муралы

МУРАЛЫ/СТРИТ-АРТ

Мурал (от испанского muro — «стена») —
это разновидность монументальной живописи на габаритных зданиях и других архитектурных сооружениях.
Мурал, обычно, представляет собой красочное выразительное изображение,
нанесенное на вертикальную поверхность глухих стен жилых домов, коммерческих объектов или заборов.
Гораздо реже объектом творчества для художников служит интерьер просторных помещений (вестибюль, зал или холл высотного здания).
Мурал в наши дни является востребованным видом уличного искусства в больших городах.
Власти крупных мегаполисов охотно предоставляют художникам габаритные вертикальные площадки для росписи.
Красивые картины эффектно смотрятся на фоне однообразной застройки и привлекают туристов из разных уголков Земли.

Классификация и особенности муралов

Мурал — это уникальный вид монументальной живописи, в котором присутствуют черты как традиционной фрески, так и современного стрит-арта. Созданные искусными художниками габаритные произведения искусства могут различаться по таким параметрам: Тематике. Технике исполнения. Типу красок. Жанру. Стилю.
Среди множества разнообразных муральных тематик наибольшей популярностью в большинстве стран мира пользуются:
Социальная.Затрагивает острые проблемы современного общества, вызывает у людей сочувствие и желание помочь героям произведения.
Патриотическая. Является частью официальной пропаганды государства, используется властями для возвеличивания страны и выдающихся исторических деятелей.
Философская. Служит средством выражения индивидуальных творческих идей художника, вызывает сильные эмоции у зрителя.
Эстетическая. Идеально подходит для улучшения визуального восприятия городского пространства, имеет нейтральную эмоциональную окраску.
Религиозная. Прославляет величие Бога и заставляет человека задуматься о вечных духовных ценностях.

Муралы, как и обычные городские граффити создают с помощью нескольких различных живописных техник. Основными инструментами для нанесения изображений на стену служат: аэрозольные баллончики с красками; валики; кисти; заранее подготовленные трафареты.
От других форм уличного искусства муралы отличаются не только большими габаритами, но и тремя другими важными особенностями:
Во-первых, создание масштабного произведения искусства требует значительных затрат сил и художественных материалов. Это приводит к необходимости поиска и привлечения к реализации проекта состоятельных меценатов.
Во-вторых, художник должен получить разрешение от городских властей и (или) владельца здания перед началом работы. Игнорирование этого правила чревато неприятными последствиями, в том числе денежным штрафом.
В-третьих, авторы муралов чаще всего выполняют заказы кураторов или спонсоров и получают за свою работу солидное денежное вознаграждение. Инициатива по созданию монументального произведения искусства происходит сверху.

История мурала

История мурала как самостоятельного вида монументального искусства насчитывает около 100 лет. Хотя художественной росписью вертикальных стен грандиозными сценами на тематику охоты и жертвоприношений люди увлекались еще в доисторическую эпоху. До наших дней сохранились многочисленные образцы такого творчества в пещерах разных уголков Земли.
Родиной современного мурала по праву считается Мексика. Именно в этой латиноамериканской стране возник новый вид монументального искусства в ходе революционных событий 20-х годов прошлого века. Местные художники буквально восприняли призыв авангардистов выйти за пределы мастерской на улицу, нести революционное искусство в массы и безжалостно ломать классические традиции.
Одним из первых к написанию муралов подключился выдающийся мексиканский живописец Хосе Клементе Ороско (José Clemente Orozco). В 1923 году он создал огромное художественное изображение на стене Национальной подготовительной школы в Мехико.
Новый подход к монументальному искусству был благосклонно воспринят властями Мексики. Министр просвещения даже заказал группе молодых революционных художников целый ряд росписей стен общественных зданий. К выполнению этой задачи подключились многие впоследствии широко известные мастера живописи:
Диего Ривера (Diego Rivera);
Давид Альфаро Сикейрос (David Alfaro Siqueiros);
Руфино Тамайо (Rufino Tamayo);
Мигель Коваррубиас (Miguel Covarrubias);
Жан Шарло (Jean Charlot).
Многие из перечисленных выше художников были коммунистами по убеждениям. Они привезли революционные творческие идеи в Советский Союз в 1930-х годах, где власти впоследствии широко использовали масштабные росписи стен для пропаганды социалистических идей.
В странах Западной Европы и США искусство мурала начало пользоваться популярностью гораздо позже — в середине 1980-х. В те времена настоящим бедствием больших городов было граффити. Уличные художники безжалостно разрисовывали стены домов, заборы и даже вагоны метро красками из аэрозольных баллончиков. Местные власти безуспешно боролись с художественным произволом на протяжении десятков лет.
Одним из способов решения острой проблемы стала компания по популяризации муралов, постепенно принятая в большинстве крупных мегаполисов. Ее реализация позволила не только заметно снизить количество граффити, но и предоставила широкие возможности для самореализации молодых художников.
Сегодня муралы занимают достойное место в мировой культуре. Они играют важную роль в формировании комфортного для проживания людей городского пространства, привлекают туристов и служат прекрасным средством для самовыражения талантливых живописцев.

В этой теме размещаем картинки и видео (как дополнение к картинкам) имеющие отношение к муралам/стрит - арту.
Под/над картинками размещаем письменные пояснения, которые имеют отношение к созданию
или другие интересные факты связанные с местом создания, авторами и (или) сюжетом изображенного.
Картинки: не имеющие отношения к данной теме, а также без какого-либо описания под/над ними -
являются пустыми (ничтожными) и не имеющими никакого смысла для их размещения.
Размер не более 700 пикселей по горизонтали.
В одном посте публикуется 2-10 изображений.
Количество постов с работами от одного участника (в том числе подряд) не ограничено.
Видео по созданию муралов, а также их местонахождению - очень даже приветствуются.

Ему под силу превратить любой серый кусок в цветное геометрическое кино - будь то заброшенная церковь, обычный грузовик или объекты городского пространства.
Приехавший из Мадрида Okuda,известен во всем мире благодаря своим геометрическим фигурам и разноцветным узорам.
Стиль художника можно классифицировать, как поп-сюрреализм под влиянием уличного искусства.
Update 8 собрал серий Работы автора украшают стены и пространства Мадрида, городов Испании, Марроко, Гонконга и других мест.

Фассад заброшенной церкви в г. Юуссуфиа, Марокко

Стена в Мадриде

Веселая фура.
Художник разрисовал обычный грузовик и сделал его в настоящей галереей на колёсах

Веселая графика

Геометрический медведь на торце одного из домов района Sham Shui Po в Гонконге.

Мурал украшает одну из стен на Ибице.

Gucci создали муралы в Нью-Йорке, Милане, Лондоне
Продолжая сюжет рекламной кампании сезона pre-fall 2019, которую Алессандро Микеле снял в археологическом парке Селинунт на острове Сицилия, бренд расписал несколько стен в разных городах в поддержку предосенней коллекции.
Микеле объединил на муралах античность и современность. В версии Gucci древнегреческий пир — это встреча друзей, во время которой они обсуждают философские и политические проблемы, читают стихи, занимаются спортом и танцуют. Разрисованные стены смогут увидеть жители и гости Мехико, Нью-Йорка, Милана, Лондона, Гонконга и Шанхая

.

Граффити на асфальте





Объёмные граффити Эдуардо Ролеро

Бушвик - Главный граффити и стрит-арт район Нью-Йорка

Коллекция современного уличного искусства в Нью-Йорке растет с каждым годом. В разных частях города есть отдельные объекты разрисованные граффити, но в мегаполисе только один центральный район, где можно увидеть сразу несколько улиц с работами известных стрит-арт художников.
Этот район называется Bushwick.

Бушвик

является частью Бруклина и занимает достаточно большую площадь, но только несколько кварталов вокруг пересечения улиц Troutman Street и St Nicholas Avenue наполнены стрит-артом. Усилиями общественной организации Bushwick Collective здесь ежегодно устраивается Block Party – стрит-арт фестиваль, привлекающий тысячи поклонников граффити и десятки художников со всего мира.

История появления Bushwick collective

Бушвик – это невероятно колоритный район в северной части Бруклина, где живут хипстеры и креативная Нью-Йоркская молодежь . Bushwick collective - это название организации и одновременно кварталов, где вы найдете лучшее уличное искусство в NYC. На стенах индустриальных зданий красуются мультяшные и реалистичные лица, изображения природы, животных, абстракции, фантастические растения, стилизованные надписи и социальные призывы.

На фото: Джо Фикалора, житель района Бушвик и главный идейный вдохновитель проекта Bushwick Collective

Фикалора вырос в Бушвике в 1980-х годах. Тогда район был совсем не радовал надеждой на светлое будущее. Когда Джо было 13, его отца убили у одной из станций местного метро, а еще через 20 лет, в 2011 году, его мать умерла от опухоли мозга. В этом же году, пытаясь собрать себя по кусочкам после потери, Фикалора решил возродить заодно и свой район. Его идея состояла в том, чтобы изменить криминальную обстановку и угнетающую атмосферу Бушвика силой уличного искусства.

Так родилась Bushwick Collective – организация, которая за последнее десятилетие превратила окрестности Бушвика из мрачного промышленного квартала в модный среди творческой молодежи район, эпицентр барной и клубной жизни Бруклина, оживленное туристическое место и необыкновенную галерею под открытым небом, доступную каждому в любой день и час.

Фестиваль уличного искусства Bushwick Collective Block Party

Художники со всего мира съезжаются в Бушвик в дни, предшествующие долгожданному фестивалю (он длится один день, но подготовка, а точнее, зарисовка, начинается заранее), чтобы продемонстрировать первоклассное уличное искусство. На стенах этого полуиндустриального района отметились такие всемирно известные художники, как отец трафаретного граффити Блек Ле Рат, Шепард Фейри, который в своих работах использует наклейки, популярный анонимный уличный художник Бэнкси и многие другие граффити-артеры со всего мира. Есть здесь огромные совместные стены таких всемирно известных художников, как Кейс МаКлайм и Пиксель Панчо.

Ежегодная “вечеринка на один день” превращает кварталы в районе улиц Траутман и Авеню Святого Николая в веселое общественное арт-пространство, открытое каждому. Публика общается с местными и приезжими художниками, и все это происходит в сопровождении живой музыки, в округе стоят вагончики с нью-йоркским стрит-фудом и временные лавки, в которых можно приобрести мини-версии работ граффити-артистов.

Самое интересное, что почти все граффити нарисованные во время фестиваля остаются на стенах района только на один год, до проведения следующего Block Party. Это придает уникальность и ценность каждому отдельному арт-произведению.

Роспись на асфальте



Фантастический мир иллюзий: 3d рисунки на асфальте



Джулиан Бивер художник

Пожалуй, The Bushwick Collective – это свидетельство не только необычайной стойкости и дальновидности Джо Фикалоры, но и силы искусства, способного преобразить мир. Благодаря стрит-арту, Бушвик привлек огромное количество творческой молодежи, вместо выстрелов на улицах стала звучать музыка, а заброшенные склады сменили модные хипстерские кафе, рестораны, бары и ночные клубы. Сейчас здесь кипит жизнь ― и это в очередной раз подтверждает простую истину: искусство всесильно!

История граффити в Нью-Йорке

Кажется, у человеческого рода есть глубинная потребность преображать пространство вокруг себя – первые изображения на стенах появились в пещерах тысячи лет назад. Поэтому истоки граффити можно датировать еще временами наскальной живописи.

В античные времена древние римляне писали свои имена и протесты к власти и обществу на зданиях и памятниках, а греки использовали надписи и рисунки в общественных местах для рекламы своих услуг (неудивительно – сам термин «граффити» происходит от греческого «graphein», что означает «царапать, рисовать, писать»).

ПЕРВЫЕ ГРАФФИТИ В НЬЮ-ЙОРКЕ

Один из самых значимых витков развития современного граффити произошел то ли в Филадельфии, то ли в Нью-Йорке в начале 1960-х. Если быть предельно точным, конкретное географическое происхождение современного граффити и первой работы определить сложно. Некоторые источники идентифицируют именно Нью-Йорк, как колыбель современного граффити.
В Большом Яблоке все началось с “тегов” подростка под псевдонимом TAKI 183. Он работал посыльным и, объединив «Таки», уменьшительную форму своего греческого имени, Деметриус, и «183», номер улицы, на которой он жил в районе Вашингтон-Хайтс, к северу от Гарлема, разъезжал по городу и оставлял свои «метки» практически на каждом столбе (в радиусе 40 кварталов). Их можно увидеть и сейчас. Пожалуй, Таки был первым, кто превратил тегинг в круглосуточную работу. 21 Июля 1972 газета The New York Times напечатала статью под заголовком “Таки 183 Расплодил друзей по переписке”. Сотни подростков в Нью-Йорке стали подражать примеру “Таки”, придумывать уникальные тэги и стремиться к анонимной популярности.

Другие историки отдают ветвь первенства Филадельфии с её 12-летним Дэррилом Маккреем, который исписал своим прозвищем «Кукурузный хлеб» (Cornbread) стены филадельфийского Центра развития молодежи, исправительного учреждения для несовершеннолетних, а выйдя через несколько лет на свободу, перенес свое творчество на улицы. Он использовал пустые стены в качестве холста, чтобы завоевать симпатию девочки из средней школы, написав «Кукурузный хлеб любит Синтию» по всему району и по маршруту автобуса, на котором Синтия ехала в школу.

Несмотря на всю историческую путаницу, сейчас можно бесспорно заявить, что Большое яблоко – это место силы для всех граффити-художников, и именно здесь эта культура созрела и расцвела в современной форме, отличной от всех предшествующих.

Считается, что нью-йоркское граффити получило большое развитие в афроамериканских и латиноамериканских районах Нью-Йорка наряду с хип-хоп музыкой и уличными субкультурами. Распространение аэрозольной краски в баллончиках позволило людям массово писать свои имена или другие опознавательные знаки на зданиях буквально по всему городу. Их цель заключалась в том, чтобы отметить «собой» как можно больше мест, и эта активность во многом носила соревновательный, азартный характер. Таких ранних художников-граффити обычно называли «теггерами». Действительно, фундаментальным, основополагающим принципом практики граффити в то время было стремление, чтобы твою работу увидело как можно больше людей в как можно большем количестве мест.

Оно сделало граффити уникальным динамичным видом искусства. Нью-йоркская «эпидемия» граффити была до того массовой, что поезда метро порой падали жертвой аэрозольной краски: в целях самовыражения теггеры закрашивали их полностью, вплоть до окон. Рисунки появлялись и появляются на стенах нью-йоркских зданий и в уборных, но именно вагоны метро стали основными жертвами ранних граффити-художников и теггеров Нью-Йорка, поскольку они преодолевали большие расстояния, позволяя всему городу увидеть имя художника-писателя.

ЭВОЛЮЦИЯ СТИЛЕЙ НЬЮ-ЙОРКСКОГО ГРАФФИТИ

1970-е годы - пусть граффити на вагонах метро начиналось в виде грубых, простых тегов, по мере того, как работы становились более популярными, теггерам приходилось искать все новые и новые способы выделиться. Уже в 70-х они разработали креативные каллиграфические стили – простые именные теги превратились в художественные, красочные, сложные рисунки, с различными эффектами и линиями разной ширины.

1980-е годы - уроженец Бронкса, Фэйз 2 (Лонни Вуд), создал ставший культовым стиль аэрозольного письма ― толстые, похожие на зефир буквы, также называемые «мягкими», которые использовались во многих граффити того времени. Неустанный новатор, он впервые применил и другие техники, которые можно было увидеть в граффити до 1980 года, в том числе переплетенный шрифт, буквы со стрелками и значки в виде шипов, глаз и звёзд.

1990-е годы - в компанию к аэрозольной краске добавились маркеры и трафареты. Эти разработки 1970-х годов подготовили почву для перехода от простых слов, нацарапанных на фонарных столбах, к эпическим произведениям искусства, которыми восхищаются во всем мире. Недаром некоторые произведения занимали длину целого вагона метро (их называли top-to-bottoms, то есть «сверху донизу»), снова подчёркивая роль поездов как движущихся гигантских произведений искусства. Эти и другие огромные полотна граффити позже получили названия masterpieces, или «шедевры».

конец 90-х - именно в этот период утвердились основные принципы граффити как искусства и направления культуры. Это стало возможным, в том числе, и потому, что тогда у властей Нью-Йорка недоставало средств, чтобы бороться с вездесущими рисунками, и граффити-художники были практически предоставлены сами себе. Кроме сложных «шедвров» и простейших тегов, в моду вошли «троу-апы» (throw-up) ― золотая середина по сложности исполнения. Все это время граффити-движение не теряло своего соревновательного характера.

РОЛЬ ХИП-ХОПА И РОК-Н-РОЛЛА

Развитие граффити в качестве жанра современного искусства сопровождало расцвет панк-рока и хип-хоп культуры. Еще в 1970-х годах граффити стало ассоциироваться с антиэстеблишментным движением панк-рока. Такие группы, как Black Flag и Crass и их фанаты, с помощью трафаретов приноровились наносить свои названия и логотипы на стены, памятники и вагоны. Ночные клубы и тусовки панков до сих пор известны своими самобытными граффити. В конце 1980-х годов перевернутый бокал для мартини, который был логотипом панк-группы Missing Foundation, приобрел репутацию самого вездесущего граффити в нижнем Манхэттене.

Что касается хип-хопа, то некоторые историки музыки и исполнители считают граффити одним из неизменяемых четырех элементов жанра, наряду с брейк-дансом, рэпом и диджеингом.

БОРЬБА ВЛАСТЕЙ С ГРАФФИТИ

Ближе к 1980-м годам власти города рассматривали вандализм, присущий граффити, как серьезную проблему, и вложили огромные ресурсы в её устранение. Справедливости ради, стоит сказать, что далеко не все граффити-художники вели себя легитимно: часто они доставляли неудобства другим жителям – вспомнить хотя бы полностью закрашенные окна вагонов метро.

Так, в 1984 году управление города запустило программу «Чистый вагон» – это был пятилетний план полного устранения граффити на вагонах метро.

Изрисованные граффити вагоны метро не запускали в эксплуатацию, пока вагон не будет очищен от рисунков полностью. Эта тактика оказалась крайне успешной, так как никто из стрит-арт художников того времени, не хотел тратить деньги и силы на произведение, которое никто так и не увидит. Сначала эта программа была в полной мере реализована на одной ветке метро, а к 1986 году некоторые линии были полностью очищены от граффити.

Однако граффити отнюдь не было уничтожено. В последние десятилетия оно распространилось по всему миру, сохраняя элементы американского дикого стиля, такие как сложное переплетение букв и необычные цветовые гаммы. В разных странах граффити преобразовывалось в соответствии с местными культурными особенностями. Например, уличное искусство в стиле манги в Японии.

ПРИЗНАНИЕ ГРАФФИТИ, КАК ТИПА ИСКУССТВА И ВХОЖДЕНИЕ В ПОП-КУЛЬТУРУ

С ростом популярности и легализации граффити пришел и уровень коммерциализации – крупные компании стали понимать, что уличное искусство может приносить прибыль. В 2001 году компьютерный гигант IBM запустил рекламную кампанию в Чикаго и Сан-Франциско, в ходе которой люди рисовали на улицах символ мира, сердце и пингвина (талисман Linux, операционной системы, созданной IBM). Это была своеобразная реклама мира, любви и, конечно же, Linux. За предоставление возможности сделать это, IBM выплатила Чикаго и Сан-Франциско в общей сложности 120 000 долларов.

В 2005 году аналогичная рекламная акция была запущена компанией Sony в Нью-Йорке, Чикаго, Атланте, Филадельфии, Лос-Анджелесе и Майами для продвижения портативной игровой системы PSP. Sony заплатила владельцам зданий за право рисовать на их стенах «изображения городских детей, играющих с PSP.

Важно отметить, что современное граффити развилось совершенно отдельно от традиционных форм искусства, не касаясь канонов или типологий. Оно уникально и по своей природе практически не подвластно цензуре. К этому гордому положению граффити привело широкое разнообразие стилей, техник и материалов: кроме аэрозольной краски, маркеров и трафаретов современные художники используют техники обратного граффити (это метод, с помощью которого художники создают изображения на стенах или других поверхностях, удаляя с них грязь), внедряют скульптурные интервенции в уличное искусство, создают изображения с помощью керамической плитки и многое другое. Искусствоведы сходятся во мнении, что это совершенно самобытный феномен, который зародился вовсе даже не как вид искусства, а скорее как уникальная форма коммуникации на основе текста.

Муралы, рисунки на асфальте, очень красивые , как реальные!

Самый большой мурал в мире был создан в Бразилии в честь Олимпиады 2016

Гигантский мурал от Эдуардо Кобра по случаю открытия Олимпиады в Рио-де-Жанейро

Муралы Эдуардо Кобра (Eduardo Kobra) хорошо известны не только в Бразилии, но и по всему миру. Талантливый стрит-арт-мастер создает гигантские красочные изображения на стенах домов, преображая серые будничные улицы. По случаю старта Олимпиады художник задался целью установить личный рекорд и написал серию из 5 портретов. Грандиозный мурал появился в Рио-де-Жанейро.

Известнейший муралист современности - Эдуардо Кобра

Название мурала - "Этносы" (Las Etnias) - указывает на главную идею арт-проекта. Художник создал портреты 5 представителей различных континентов, что соответствует пяти кольцам, изображенным на олимпийском флаге. Как известно, кольца не только символизируют единство континентов, но и переплетаются в виде буквы "W" (то есть World - мир).

Эдуардо Кобра за работой

Чтобы создать огромный мурал Кобра трудился ежедневно по 12 часов на протяжении двух недель. На все про все ушло более 400 литров белой и более 1600 литров цветной краски. Рисунки украсили стену в портовом районе.

Этносы - мурал от Эдуардо Кобра

На официальном сайте Олимпиады Rio 2016 Кобра рассказывает о своем проекте, уточняя, что эта работа - очередной вызов самому себе. О проекте такого масштаба муралист из Сан-Паулу давно мечтал, и наконец ему удалось реализовать задуманное. Рисунки из серии "Этносы" выполнены в присущей мастеру манере, Кобра - приверженец ярких красок и геометрических форм.

Африка

Океания

Мурал от Эдуардо Кобра

Мурал из пяти портретов в Рио-де-Жанейро

"Перед вами - портреты представителей коренных народностей из разных уголков мира. Я создавал их с тем, чтобы передать идею всеобщего единства, ведь мы живем в очень сложное время, когда на планете вспыхивает столько конфликтов. Я хочу показать, что каждый человек на планете связан друг с другом, все мы - едины", - такой пацифистский месседж заложил художник в серию портретов.

Мурал Эдуардо Кобра признан самым большим в мире

Гигантский портрет Оскара Нимейер в Сан-Пауло от Эдуарду Кобры (Eduardo Kobra)

В декабре 2012 года в возрасте 104 лет умер один из величайших гениев современности архитектор Оскар Нимейер (Oscar Niemeyer). И всего через месяц в память о нем бразильский художник граффити Эдуардо Кобра (Eduardo Kobra) создал гигантское изображение на стене дома в центре Сан-Паулу.

Гигантский портрет Оскара Нимейер в Сан-Пауло от Эдуарду Кобры (Eduardo Kobra)

Эдуардо Кобра – это, наверное, самый известный уличный художник Бразилии. При этом он создает работы и далеко за пределами своей страны, к примеру, в Лос-Анджелесе. Но, в основном, творческой площадкой для Эдуардо выступает его родной город Сан-Паулу.
Творчество Эдуардо Кобры в последние годы даже стало одной из визитных карточек этого бразильского города. Ведь во многих местах можно обнаружить произведения этого художника – его стиль ни с чем не спутаешь.

Но в конце января 2013 года в Сан-Паулу появилась самая масштабная из работ, когда-нибудь нарисованная Эдуардо Коброй, да и вообще за всю историю уличного изобразительного искусства. Речь идет о гигантском портрете архитектора Оскара Нимейера, появившемся на сплошной торцевой стене многоэтажного дома в центре города. Высота этой работы составляет 52 метра!

Оскар Нимейер слыл яркой, многосторонней личностью, чья длинная жизнь была полна самых разнообразных событий. Вот эту многогранность великого архитектора и постарался передать в своей работе Эдуардо Кобра.

В присущем себе стиле Кобра создал многоцветное, очень яркое и контрастное изображение великого бразильца, будто любующегося городом Сан-Паулу, к развитию которого он приложил немало усилий, частичку своей души.

Уличные 3d рисунки

Оптические иллюзии на асфальте

Великолепное граффити с изображением Майи Плисецкой на улице Москвы

Портрет Майи Плисецкой в Москве от Эдуардо Кобры (Eduardo Kobra)

Имя Майи Плисецкой – целая эпоха в мировом балете. Переоценить мастерство и талант этой замечательной танцовщицы просто невозможно. Ею можно лишь восторгаться: снимать фильмы о ее жизни, писать книги или – рисовать ее портреты на стенах домов. Именно так и поступил известный бразильский уличный художник Эдуардо Кобра (Eduardo Kobra). Теперь на одной из московских улиц красуется огромное граффити с изображением Майи Плисецкой.

Портрет Майи Плисецкой в Москве от Эдуардо Кобры (Eduardo Kobra)

Яркие, сочные и масштабные изображения, радужные цвета, точные геометрические формы – таков фирменный стиль художника.

Портрет Майи Плисецкой в Москве от Эдуардо Кобры (Eduardo Kobra)

В творческой биографии Эдуардо Кобры уже были эксперименты по созданию портретов знаменитостей. Одна из известнейших его работ – портрет в память архитектора Оскара Нимейеры. Теперь художник решил удивить россиян элегантным граффити, образ Майи Плисецкой стал воплощением грации, красоты и творчества.

Портрет Майи Плисецкой в Москве от Эдуардо Кобры (Eduardo Kobra)

Создание граффити было приурочено к 88-й годовщине со дня рождения Майи Плисецкой, одной из величайших балерин ХХ в. Именины она празднует 20 ноября 2013, так что рисунок Эдуардо Кобры стал своеобразным подарком не только для нее, но и для всех горожан. Художнику потребовалось несколько дней, чтобы нанести масштабное изображение высотой больше 12 метров и шириной больше 15 метров на стену. На рисунке можно увидеть идеальное сочетание грациозного балетного па и удивительной энергии, которую буквально излучает балерина.

Эдуардо Кобра (Eduardo Kobra) в процессе работы над рисунком

Быть уличным художником сейчас и лет 60 назад - это совершенно разные вещи. Сегодня таким художникам, при условии что они хорошо себя зарекомендовали, дают заказы даже на государственном уровне - как это было, например, в Гданьске или Брюсселе. И что уж говорить о популярности Бэнкси, каждая новая работа которого попадает в новостные выпуски. Так кто же эти новички, которым прочат отличную карьеру в современном мире искусства?

Мартин Рон (Аргентина)

Работа в Австралии.

Большинство работ Мартина Рона (Martin Ron) находятся в его родной Аргентине, однако в последнее время художник также путешествует по другим странам, и теперь его шедевры можно увидеть в Малазии и Австралии. В основном, он изображает людей и использует мягкие приглушенные цвета, которые стали его визитной карточкой. Последняя работа - на округлой поверхности, была, пожалуй, самым большим "челенджем" для Мартина, но он справился с ней на отлично.

Танго и Рок.

Южная Австралия.

Rocket 01 (Лондон)

Этот художник предпочитает, чтобы его узнавали по псевдониму Rocket 01. Он создает свои муралы в серо-сине-зеленых тонах, отдавая дань морской тематике. Его работы легко узнать по главным персонажам, фигурирующим так или иначе почти в каждом граффити: девушке в шлеме, плавающем кролике и дружелюбном барсуке.

Зеленые пастбища.

Работа 2017 года.

В потоке. Лондон.

Девушка в шлеме. Берлин.

SATR, Китай

В своих творениях художница выражает личное понимание жизни
с помощью аэрозольной краски и различных средств для рисования.
Её всегда привлекала одухотворенность природы и животных,
поэтому в работах это часто используется в качестве главной темы.
SATR использует простые цвета, чтобы показать животных в истинной природе,
надеясь, что люди сосредоточатся на их духовности и динамичности,
что позволит войти в диалог с картиной.

«Когда я увидела местные пейзажи, я почувствовала себя очень спокойно.
Я думала о фотографии русского бурого медведя, медитирующего с закрытыми глазами.
Это спокойствие также напомнило мне о китайских журавлях.
Журавли символизируют благополучие и долголетие.
Я стараюсь объединить их в одном образе, надеясь,
что когда люди увидят эту работу, они смогут почувствовать комфорт и спокойствие,
передаваемое этой росписью,
так же как и слияние китайской и русской культуры».

Саша Купалян, Россия, Москва

Член-корреспондент Российской академии художеств, преподаватель в МГАХИ им. Сурикова,
художник-постановщик театров Et Cetera, Геликон-опера, Михайловского театра (Санкт-Петербург),
резидент арт галереи VS unio.
Профессиональный художник обращается к вечным темам,
навсегда запечатленным в нашей исторической памяти.
«Душа – самое ценное, что дано сверху каждому из нас.
Она уникальна и есть у каждого живого существа на земле,
у всех разная, своей формы и цвета.
Я пытаюсь зафиксировать и изобразить её в разнообразных состояниях.
Здесь изображена Душа воды, чья текучая и изменчивая форма вдохновила меня на этот мурал».

Maximiliano Bagnasco, Аргентина

Художник изучал рекламу, но всегда был связан с рисунком, живописью, иллюстрациями и мурализмом.
Когда автору было 17 лет, его работы начали публиковать в книгах и международных журналах.
С 2014 года он преподает реалистический рисунок и живопись, портрет и карикатуру,
а также разработал методы быстрого обучения и принимает студентов в различных художественных направлениях.
В настоящее время проводит лекции и продолжает участвовать в выставках и фестивалях.
«Я искал разных выдающихся личностей в истории России.
Моё внимание привлекли работы Льва Толстого и его фраза:
«Счастье не в том, чтобы делать всегда, что хочешь, а в том, чтобы всегда хотеть того, что делаешь».
Я верю, что каждый художник проходит такой путь.
Поэтому я нашёл фото, на котором он сидит на фоне зелени и решил,
что было бы неплохо совместить мурал с ландшафтом окружающей природы».