Велосипедный трип по «пустому» субботнему Амстердаму.
Здание построено в уникальном стиле, которое само по себе является интересным объектом для подробного рассмотрения.
Новый Рейксмузеум, открывшийся после десятилетней реконструкции. С первого взгляда понять, что же такого особенного сотворило испанское бюро Cruz y Ortiz с псевдосредневековым замком архитектора Пьера Кейперса, возведенным в конце XIX века, невозможно: все как будто осталось на своих местах, разве только дворы превратились в неизбежные атриумы, а часть экспозиций и входная зона со всеми необходимыми посетительскими удобствами, от гардероба до книжно-сувенирного магазина, зарылась под землю.
Поднимаемся на 1 этаж в Галерею Славы. Все картины расположены в отдельных небольших залах по секциям.
Ян Хавикзоон Стен (Jan Havicksz. Steen), Веселая семья, 1668.
Ян Хавикзоон Стен считается одним из самых остроумных мастеров голландской жанровой живописи, он прибегал в своём творчестве и к острой социальной сатире. Ян Стен с долей изрядного юмора подходил к изображению библейских сцен, но большей частью он писал картины, изображавшие представителей среднего и нижнего слоёв бюргерства, в которых изящество и разнообразие стиля сочетаются с грубоватым, фривольным юмором с элементами гротеска. Ему нравилось вкладывать в свои отличавшиеся обилием персонажей работы морализаторские идеи или своеобразно иллюстрировать своими картинами общеизвестные пословицы и аллегории.
Разносторонне образованный, любознательный и весёлый человек, Стен писал семейные портреты и сцены на постоялых дворах. Его творческое наследие составляют почти 400 картин, среди которых много написано на библейские сюжеты. Очень много работ Стена хранится в Рейксмузеуме в Амстердаме.
Ян Хавикзоон Стен (Jan Steen). Больная женщина. 1663 - 1666 г.
Якоб Исакс ван Рёйсдал. «Ветряная мельница в Вейке близ Дурстеде». 1670.
Якоб Исакс ван Рёйсдал - голландский живописец, рисовальщик, гравёр. Вероятно, учился у своего дяди Саломона Якобса ван Рёйсдала. Около 1656 переехал в Амстердам. Отойдя от узкой жанро*вой специализации, характерной для голландских пейзажистов 17 века, писал дюны, леса, реки, морское побережье, сельские виды с водяными мельницами, поля с силуэтами мельниц и соборов, панорамы городов Голландии и Германии, куда совершил путешествие в 1650 году, вместе с Николасом Берхемом, после чего в его творчестве появились мотивы горных вершин с замками и водопадами.
Нидерландская живопись 17 века считается особенной, потому что она опередила свое время. Пока художники остальной Европы трудились над заказами для церковных алтарей, голландцы, принявшие протестантизм, отображали яркую и полную событий жизнь, светскую и частную, домашние праздники и любовные интриги, заказные портреты элиты и различных гильдий, изысканные натюрморты и открыточные пейзажи. Не зря потом знаменитые импрессионисты 19 века приезжали сюда, в Национальный музей, чтобы поучиться на примере голландских предшественников мастерству изображать обычную жизнь.
Рембрандт. Мертвые павлины, 1639.
"Испуганный лебедь" Яна Асселина - произведение знаковое для голландского самосознания. Эта картина прочно ассоциируется с идеями национальной независимости и возрождения.
Картина и правда весьма символична - лебедь, защищающий свое яйцо, воплощает Республикой Соединённых провинций, чью независимость Испания, которой принадлежали Нидерланды, признала в 1648-м, за два года до создания полотна. Хотя голландский лебедь и испуган, в его позе угадывается максимальная сила и, если угодно, отвага, на которую может быть способна безобидная не хищная птица.
Мейндерт Хоббема. Водяная мельница.
Самый значительный мастер голландского пейзажа после своего наставника, Якоба ван Рёйсдала.
Известно, что Хоббема и Рёйсдал вместе путешествовали и делали зарисовки с натуры. В ноябре 1668 года Хоббема женился на поварихе амстердамского бургомистра и через неё получил пост проверяющего качество импортируемых вин. Долгое время считалось, что на этом его занятия живописью прекратились.
Художник умер в нищете, но уже в XVIII веке ему много подражали, а его произведения стали предметом соперничества коллекционеров. В отличие от Рёйсдала, который предпочитал запечатлевать дикую природу, Хоббему привлекали тихие сельские сцены с видами залитых солнечным светом деревень, которым придают разнообразие возвышающиеся там и здесь группы деревьев. В этих сельских идиллиях всё выписано с большой тщательностью, особенно листва.
Наравне с "Девушкой с жемчужной сережкой", которая сейчас хранится в Национальной галерее Вашингтона, "Молочница" - одно из самых известных творений Яна Вермеера. Художник выхватил момент повседневной жизни - служанка наливает из кувшина молоко.
Кажется, будто ход времени замер - поза героини статично, ее внимание полностью сосредоточено на нехитром деле. И только струйка молока отвечает на полотне за движение и, если пофантазировать, звук. Некоторые ученые полагают, что Вермеер немного схитрил, использовав в процессе работы камеру-обскура.
А недавнее рентгеновское исследование пролило свет на изменения в картине - раньше на стене за молочницей что-то висело, предположительно - географическая карта.
Ян Вермеер, «Любовное письмо», 1668 г.
Эпоха барокко породила аллегории и насыщала ими стихи, гравюры, садово-парковую скульптуру, портреты, картины. Традицию видеть двойной смысл даже в бытовых вещах поддержало и голландское барокко XVII века. Так, стоптанные домашние туфли были признаком эротизма. На неустойчивые отношения с любовником намекает картина с морским пейзажем, — стихия беспокойная, непредсказуемая, как и отношения между дамой и её избранником. Даже долго ожидаемое письмо не принесло ей радости.
Письмо от любимого и письмо, которое читает женщина — довольно распространенный сюжет среди картин Яна Вермеера 1670-х годов. Эта тема решена еще в некоторых картинах художника, которые хранятся в Дрезденской картинной галерее и еще в одной — «Дама в голубом» — которой располагает Рейксмузей в Амстердаме.
Ян Вермеер, «Дама в голубом». 1663 – 1664 г.
Ещё один забавный случай из жизни Нидерландов...
Cкрытый текст -
«Каспер признался, что он не является горячим поклонником Рембрандта, однако за ночь смог посмотреть на знаментую работу мастера новым взглядом.»
Обратите внимание, на стене висит «Семейный портрет Исаака Массы и его жены», Франса Хальса, 1622 года.
Франс Халс - одна из ключевых фигур золотого века голландского искусства.
Взглянув на «Семейный портрет...», понимаешь почему. В те времена было не принято изображать на парадном портрете людей улыбающихся, да еще и сидящих так близко друг к другу. Но Халс решил пожертвовать условностями жанра в угоду правде жизни: супруги Масс расслабленны, веселы и счастливы, как если бы перед нами было свежее семейное фото близких друзей. Впрочем, некоторые символичные условности Халс все же нарисовал – так, справа на заднем плане красуется сад, воплощающий любовь и верность.
Ещё одна картина Франса Халса ..
«Весёлый собутыльник», 1626-1627 г.
На картине изображён щегольски одетый и счастливый мужчина. Он смотрит на зрителя, словно протягивая ему наполненный вином бокал-беркемайер, и машет рукой. Золотистые оттенки одежды «Собутыльника» типичны для Халса 1630 годов, а крупные мазки, характерные для этого периода, позволяют некоторым исследователям сравнить его стиль с импрессионизмом.
Корнелис Апостол, первый директор Государственного музея Амстердама, считал «Весёлого собутыльника» «выдающимся образчиком работы этого знаменитого художника», однако оценивал его не более чем в 600 гульденов.
В начале XIX века в изображённом на картине мужчине видели гарлемского капитана Рипперда, однако, скорее всего, картина была создана как аллегория вкуса, возможно, отсылающая к политической ситуации Нидерландов: медаль Морица Оранского связывает собутыльника с движением, стремившимся превратить республику в монархию.
Галерея Славы.
Но главный, конечно, экспонат музея – это «Ночной дозор» Рембрандта! И чтобы полюбоваться картиной, сначала идет Галерея Славы.
Здесь собрано достояние нации 17 века: большие и малые голландцы — Йоханес Вермеер, Ян Стейн, Франс Халс и конечно же великий Рембрандт!
С этой Галереей Славы связана маленькая история. Наш ребенок, когда была поменьше, вдруг сама изьявила желание поехать в Амстердам и посмотреть Рейксмузеум. Ну, мы как родители, двумя руками только «за». Пришли в музей. Ей там сразу понравилось. А мы в два уха стали рассказывать наперебой о основных знаменитых картинах, о художниках, и немножко подгоняя ее – вели к Рембрандту «Ночному дозору».
А она стала все медленнее и медленнее идти, потом повернулась и заявила: «Что с нами невозможно ходить в музей и что с классом они и то медленнее разглядывают картины!»
На что, мы в один голос взвыли: «Да музей ведь не как наши галереи в Дюссельдорфе! Таким темпом мы и «Ночного дозора» за день не дойдем!»
Но, все же отстали от ребенка – терпеливо дав время, столько, сколько ей нужно.
И когда, наконец, мы дошли до «Ночного дозора», наш ребенок опять возмутилась:
«Это все видят или только я?!?»
Мы вопросительно посмотрели на нее..
А она сказала: «Вы видели, какие больные и зеленые дети у них были?
Посмотрите на этих детей! У них нездоровый цвет кожи и худоба!»
И это не удивительно..., ведь... Слабое здоровье и косметические средства, содержащие ядовитые вещества (свинец или ртуть) приводили к тому, что пик привлекательности женщины приходился всего лишь на 20 лет, увядала она к 24 годам, а к 30 считалась уже старой. Только представьте, что в 1600-ых годах не было лучшего скраба, чем купоросное масло, представляющее собой концентрированную серную кислоту. Его применение наносило непоправимый вред не только коже, но и всему организму.
«В начале 17 века, как это ни удивительно, косметикой пользовались больше, чем в его середине. Связано это, скорее всего, с религиозными процессами, охватившими многие европейские страны. К примеру, пуритане в Англии в данный период считали, что косметика, ювелирные украшения, красивая прическа – главные признаки тщеславия, поэтому они считались греховными. Такая точка зрения весьма схожа с отношением к женской красоте в Средние века.
Cкрытый текст -
Так, известный в Великобритании врач, а позже и философ, Джон Булуэр в своей работе «Антропометаморфозы», опубликованной в 1650 году, описывает все виды макияжа и косметики, которыми пользовались в то время в его стране. Все эти средства он считал недостойными столь великой нации, ведь их источники принадлежат неевропейским, а значит, примитивным культурам. Несмотря на то, что в 17 веке косметика использовалась практически всеми, красота всё-таки оставалась мимолётным явлением.
Бледный цвет лица не теряет своей популярности. Как и раньше, он являлся показателем богатства и высокого социального статуса человека. Средства для отбеливания кожи были весьма востребованы, вот, к примеру, один из самых популярных препаратов в 17 веке – крем состоял из измельчённого мела или свинцовых белил, смешанных с яичным белком и уксусом. Такой состав обеспечивал бледную, гладкую и блестящую кожу. Правда, есть у него один недостаток, после высыхания нельзя улыбаться или сильно морщиться – макияж мог попросту покрыться трещинами. К другим, востребованным в то время, продуктам для отбеливания кожи относятся лимонный сок, квасцы, бура (тетраборнокислый натрий).
Свинцовые белила использовали вплоть до 19 века, когда их заменил диоксид титана, а вот компоненты, содержащие ртуть, применяются и в наше время. В 17 столетии начали употреблять и другие косметические красители, скажем, тот же оксихлорид висмута, белый пигмент с металлическим блеском. Пользовались и тальком, но приходилось прибегать к определённым мерам безопасности, чтобы его не вдыхать.
Применяли даже прокаленные кости, рисовую пудру и молотый алебастр. В некоторых случаях смешивали сразу несколько пигментов, чтобы достичь максимального эффекта.
В этом веке появилась мода смешивать белые пигменты с кремом или какой-то жидкостью, полученная масса лучше наносилась на кожу, полностью её покрывала. Но всё же оставались приверженцы старых традиций, по которым лицо и другие части тела просто пудрили. Последний вариант позволял даме всегда выглядеть естественно. Правда, существовала небольшая хитрость, позволявшая пудре надёжнее прилипать к коже. Оказывается, для этого следовало заранее покрыть лицо маслом или кремом. Так, считалось, что масло семян белого мака идеально в сочетании с пудрой из прокаленной кости. В 17 веке стали употреблять жемчужный порошок, который относился к элитной и эксклюзивной косметике. Чтобы его получить, настоящие жемчужины растворяли в лимонном соке или уксусе, а полученный раствор высушивали до образования белого порошка. Его отбеливающий эффект был незначителен, но благодаря перламутру, это средство способствовало светоотражению, выравнивало тон кожи.
Судя по портретам того времени, женщины отдавали предпочтение лишь двум косметическим красителям: белому и красному. Последний был представлен в нескольких вариантах. К примеру, красно-оранжевым оттенком обладает вермильон или киноварь. Сам по себе пигмент весьма токсичен, в некоторых случаях его заменяли оксидом железа. Малиновый краситель – кошениль – добывали из насекомого с одноимённым названием. В косметике он используется и в наши дни. Использовали древесину исчезающего сейчас дерева – цезальпинии. Под воздействием спирта она окрашивает настойку в красно-коричневый цвет. Востребованным также был пигмент растительного происхождения – алканна. Он отличался мягким красным оттенком, полностью безопасен. Зачастую его использовали в румянах на жировой основе.
Женщины низших сословий применяли в качестве румян красную охру. Этот вид косметики ухитрялись получать из мяса клешней речных раков, которых высушивали, измельчали, а затем настаивали на спирте. Существует рецепт румян 17 века, которые не сходили в течение нескольких дней. Для этого смесь марены, мирры, ладана и шафрана, наносили на кожу и оставляли на ночь. Стоит отметить, что румяна наносили не только на щёки, но и на губы. Один из вышеупомянутых красных пигментов смешивали с измельчённым алебастром или гипсом. Благодаря этому, губы приобретали более чёткие контуры.»
И вот после всех этих «страшилок», от портрета «Елены ван дер Схалкке» - наш ребенок не могла отвести глаз, так уж ей было ее жалко...
Герард Терборх. Портрет Елены ван дер Схалкке. (1646 — 1671) г.
Девочка в возрасте двух лет. Елена ван дер Схалкке была дочерью торговца тканью Герарда ван дер Схалкке и его жены Йоханны Бардул. На картине в правой руке она держит цветок гвоздики — символ воскресения и надежды на вечную жизнь. В XVII веке дети в раннем возрасте носили платья, одинаковые для девочек и мальчиков. Детские платья представляли собой маленькие копии нарядов взрослых женщин. Тем не менее, существует разница: к спинке детских платьев часто пришивались длинные ленты, которые позволяли взрослым контролировать движения детей. Они заметны на портрете справа за спиной девочки.
Герард Терборх стал популярным портретистом благодаря своей поездке в Мюнстер на мирные переговоры между Голландией и Испанией в 1646 году по приглашению голландского посла Адриана Поу. В Мюнстере Терборх написал портреты присутствовавших на переговорах дипломатов, чем привлек внимание испанского посла графа Пеньаранда (en:Gaspar de Bracamonte, 3rd Count of Peñaranda). Граф принял Терборха на службу, и Герард Терборх присутствовал при заключении Мюнстерского мира между Голландией и Испанией 15 мая 1648 года. Это событие он запечатлел в своей известной картине «Заключение мира в Мюнстере», хранящейся в настоящее время в Национальной галерее в Лондоне.
Герард Терборх по-новому решил задачу расположения фигур и стал примером для подражания молодых мастеров — Габриэля Метсю, Питера де Хоха и Яна Вермеера. Стиль Терборха сформировался к началу 1640-х годов и почти не менялся. Люди на портретах Герарда Терборха обычно одеты в чёрное и расположены на нейтрально сером фоне.
Иоганнес (Ян) Корнелисзон Верспронк. Портрет девочки в голубом платье, 1641 год
Картина Иоганнеса Корнелисзона Верспронка, художника времен Золотого века голландской живописи. Картина выполнена в стиле барокко. Верспронк достиг мастерства в технике написания женских портретов и именно поэтому, большинство его заказов поступало от женщин и их дочерей. В те времена манера одежды девочек копировала в точности одежду их матерей. Возраст ребенка в районе 9 - 11 лет. Дети на картинах голландских мастеров являются особенной темой творчества.
Питер де Хох или де Хоох. Интерьер. 1663 г.
Де Хох «изображал сцены бюргерского быта (преимущественно хлопоты хозяйки дома), добиваясь особой поэтической одухотворённости в изображении домашней среды, наполненных солнечным светом интерьеров и двориков.
Рембрандт. Автопортрет в виде апостола Павла, 1661 г.
Произведения Рембрандта на библейские и мифологические сюжеты, портреты и автопортреты проникнуты глубоким психологизмом и драматизмом.
Рембрандт, «Еврейская невеста» 1665 г.
Одна из последних и самых загадочных картин Рембрандта. Название ей дал в 1825 году амстердамский коллекционер Ван дер Хоп. Он ошибочно полагал, что на ней изображен отец, дарящий дочере - еврейке ожерелье на свадьбу и что это якобы сами влюбленные. Рентгенограмма картины показывает, что первоначально на картине были изображены дополнительные детали, в частности, в руке девушки была корзинка с цветами.
Винсент Ван Гог однажды сказал, что отдал бы десять лет своей жизни за возможность просидеть две недели перед этой картиной с одной лишь буханкой хлеба.
В музее постоянно видешь людей всех возрастов с эскизами...
Одно из самых ярких образов Рейксмузеума - бравые военные на огромных картинах!
«Вы «Ночной дозор» видели?» — на этот простой, как киносьемочная хлопушка, вопрос многие радостно ответят: «Конечно, видели! Не только видели, но и читали!», - вспомнив при этом фильм Тимура Бекмамбетова и
одноименный роман Сергея Лукьяненко.
Но мы-то с вами, люди образованные, знаем, что сначала был живописный шедевр Рембрандта «Ночной дозор» из амстердамского Рейксмузеума.
Картина эта, кстати, дала название и голливудскому фильму
«Ночной дозор» /Night Watch/ (1995), с Пирсом Броснаном в главной роли, где специальные агенты ООН Майк Грэм и Сабрина Карвер расследуют самое громкое преступление в мире искусства — кражу бесценной картины Рембрандта «Ночной дозор». Улики ведут их из Амстердама в Гонконг, где агенты не только выходят на след похитителей, но и раскрывают масштабный заговор международного преступника Мартина Шредера.
И раз уж речь зашла о кино, еще об одном «обитателе» Рейксмузеума, о великом голландце, выдающемся портретисте голландского Золотого века - Франсе Хальсе, многие узнали из советского детектива в 1970 году
«Возвращение «Святого Луки»», о краже из советского музея картины 17 века и о том, как ее находят.
В основу фильма легла реальная история: картину «Евангелист Лука» в 17 веке написал выдающийся портретист Франс Хальс, а спустя почти 350 лет, в 1965 году ее украли. Причем из Московского музея имени А.С. Пушкина, сразу же после заявления министра культуры СССР Екатерины Фурцевой о том, что в Союзе, в отличие от Запада, музеи не грабят и картины не крадут.
Скандал тогда замолчали, советская общественность сразу ничего не узнала. Но всего через пять лет, когда режиссер Анатолий Бобровский снял «Возвращение «Святого Луки», инцидент получил таки общественную огласку.
Франс Хальс создал 4 портрета евангелистов: Луки, Матфея, Иоанна и Марка в традиционной иконографии и в свойственном стиле фламандской живописи. Это были единственные картины Хальса на религиозную тему. Существует легенда, что Хальс умер нищим, так как сам он и его картины были прокляты нищенкой.
Про Франса Хальса и его «Семейный портрет Исаака Массы и его жены» и о «Веселом собутыльнике» (1626 - 1627), я уже рассказывала немного выше,
а теперь главный виновник торжества Рейксмузеума – Рембрандт и «Ночной дозор»...
Ночной дозор. Рембрандт ("La Ronde de nuit").
Копия «Ночного дозора» кисти Геррита Люнденса. Видны первоначально необрезанные части оригинальной картины.
Ночной дозор. Рембрандт ("La Ronde de nuit").
«Ночной дозор» Рембрандта - самое знаменитое полотно из собрания Рейксмюзеума. В 1906 году музей даже перестроили специально для более выигрышного экспонирования картины.
Изначально полотно называлось «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» (но, "Ночной дозор" - куда удобнее). Картина была создана в 1642 году по заказу отряда гражданского ополчения Нидерландов, пожелавшего украсить своё новое здание групповыми портретами шести рот. Рембрандт написал его по заказу голландского Стрелкового общества где изображены все 18 заказчиков и получил за картину 1600 флоринов.
Увы, амстердамские стрелки не поняли гениальный замысел художника, не оценили картину и вообще остались крепко недовольными работой Рембрандта, которые больше всего хотели бы увековечить себя. К тому же полотно выглядело очень тёмным из-за густой тени, в которую погружен задний план картины. Некоторые фигуры стрелков почти полностью поглощает тьма.
Большой любитель нарушать каноны, художник решил отказаться от традиционного статичного группового портрета и выбрал живой, динамичный момент - прапорщик разворачивает знамя, барабанщик выбивает дробь, на него лает собака, мальчик убегает. На картине движутся даже детали одежды стрелков. А «капитан Кок только что отдал приказ о выступлении». Вместо того, чтобы изобразить всех, как на «групповой фотографии», он нашел очень удачную композицию: мушкетёры выходят из темного дворика через арку на залитую солнцем площадь.
Из-за выбранного Рембрандтом освещения, трудно угадать время суток. По этой же причине восторженные потомки, в глазах которых картина приобрела совсем иное значение и была признана гениальной, присвоили ей романтичное название «Ночной дозор». Но до этого времени, до своего блистательного триумфа, судьба картины оставалась незавидной.
Картина многострадальная. Она три раза подвергалась попыткам порчи или уничтожения. Первый раз был вырезан кусок холста, во второй раз картине было нанесено более 10 ударов ножом, в третий раз картина была облита серной кислотой.
Групповой портрет амстердамских стрелков заказали другому художнику, предоставив Рембрандту оставить картину прозябать в его мастерской. Потерпевший неудачу, Рембрандт из самого знаменитого портретиста в одночасье сделался непопулярным художником, и на какое-то время даже остался без работы. И только, благодаря широкой известности в своей стране и за её пределами, продолжал получать заказы, много писал, гравировал и торговал картинами и офортами, в том числе продал из своей знаменитой коллекции большое полотно Рубенса «Геро и Леандр».
Хотя торговля – непредсказуемое занятие. Расценки всегда были нетверды, приходилось торговаться. Но в художественной среде знаменитого Рембрандта продолжали чествовать наряду с его бывшими учениками. К этому времени уже умерли Рубенс и Ван Дейк, два столпа современной Рембрандту живописи. И он, несомненно, задавался вопросом, а сумеет ли он сам стать теперь первым среди лучших художников своего века?
Рембранд наполнил картину целой серией символичных образов, которые не дают покоя искусствоведам!
Второй новаторский прием Рембрандта заключался в том, что он наполнил картину помимо 18 заказчиков другими персонажами, их 16. Легко объяснимо только появление барабанщика, который не числился в роте, его нанимали для участия в параде. Появление и предназначение других персонажей, символы, связанные с ними, породили десятки вопросов у исследователей, точные ответы на которые знал только сам Рембрандт.
Наибольшее число загадок связано с появлением девочки в золотистом платье (в художественном плане она, размещённая в месте золотого сечения, в левой части картины, призвана, по-видимому, компенсировать яркий камзол Рёйтенбюрга в правой). Она окружена символами, традиционно относящимися к мушкетерам. На поясе у неё прикреплены пистолет и курица (или петух), в левой руке рог для вина. У ближайшего мушкетера на шлеме дубовые листья.
Поэтому многие исследователи считают её талисманом отряда. Но загадки остаются. Так как в нидерландском языке слово кловенир (от кловен — разновидность мушкета) созвучно слову, обозначающему птичий коготь, то эмблемами стрелков обычно были лапки хищных птиц: соколов, ястребов, но не куриц.
Рентгенограмма картины показывает, что наибольшее число переделок в ходе создания полотна коснулось фигуры Рёйтенбюрга и его копья, задающего направление движения.
Возможно, Рембрандт изобразил на картине себя за правым плечом Яна Оккерсена, стрелка в цилиндре.
Вскоре после написания картина была размещена в здании Стрелкового общества, затем провисела в различных залах почти 200 лет и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке при пробуждении нового интереса к Рембрандту. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства. И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале Общества картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём.
Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия — не более 14 часов.
- Во время Второй мировой войны картина попала в руки нацистов. Она хранилась в свёрнутом виде в хранилище, устроенном в пещерах горы св. Петра в Маастрихте.
- Сейчас картина хранится в Государственном музее (Rijksmuseum) в Амстердаме. Несмотря на то, что часть полотна утрачена, это одна из самых больших картин музея (363 на 437 см). Как и большинство работ Рембрандта, её лучше всего рассматривать издали.
Период 1609 - 1713 стал «золотым веком» голландской школы живописи. Небывалое количество живописных произведений, созданное в этот период, свидетельствует не только об экономическом процветании Нидерландов, но и о новом феномене – массовом заказчике. Картины в это время повышают престиж владельца, становятся инвестиционным инструментом и неотъемлемым элементом жилища успешного бюргера. Именно в этот период в Нидерландах происходит становление разветвленной жанровой системы. Большим спросом пользуются портреты, натюрморты, жанровые сцены из повседневной жизни и пейзажи.
Гражданская гвардия в городах Нидерландов выполняла функции милиции: поддержание порядка (дежурства с 10 вечера до 2 ночи и следующая вахта – с 2 ночи до 6 утра), помощь в случае пожаров, при необходимости – оборона города. В гвардию поступали богатые горожане, по 3 человека с каждой сотни жителей. Гвардейцы одевались и вооружались за свой счет. Служба в гвардии была почетна и открывала путь к общественной карьере.
Многие исследователи считают, что ПитерКодде обучался у Франса Хальса – одного из самых известных голландских художников. Когда известный мастер умер, осталось незаконченной его работа«Офицеры компании амстердамской арбалетной гражданской гвардии под командованием капитана Рейнера Реала и лейтенанта Корнелиуса Микаэля Блау» и в 1637 году Питер Кодде был приглашен закончить картину. Хотя это решение вызвало протест и недоумение у современников, но время показало, что решение было принято верное.
Глядя на работу очень сложно подумать, что ее писали два разных мастера, хотя некоторые специалисты смогли все-таки разграничить поля деятельности. И надо сказать, что «кусок» выполненный Кодде принес известность и ему, и данной работе. Её второе название – «Тощая компания» появилось благодаря легкой руке критика Яна ван Дайка.
Его комментарий «все охранники были настолько тонкими, что их "по праву можно назвать «Тощей компанией»" дал миру один из забавных анекдотов искусства.
Сегодня работы Кодде можно встретить во многих музеях мира, в том числе и российских.
Бартоломеус ван дер Гельст. «Отряд стрелков VIII района Амстердама под руководством капитана Роелофа Бикера и лейтенанта Яна Блау», 1639 год.
Соперник Рембрандта - Бартоломеус ван дер Гельст!
Гельст, сын трактирщика, родился в Харлеме. В связи с женитьбой перебрался в 1636 году в Амстердам, прожил там всю жизнь и никогда не выезжал из Голландии. Возможно, живописи учился ещё в Харлеме, но неизвестно, кто преподал ему первые уроки (биографических данных о Гельсте вообще крайне мало). Считается, что в Амстердаме Гельст учился у крупного художника начала XVII века Николаса Элиаса Пикеноя. Достоверно неизвестно, учился ли он у Рембрандта, жившего в Амстердаме в одно время с ним, но Гельст усвоил некоторые приёмы портретного стиля Рембрандта, а также Халса.
Рембрандт был хоть и лучший среди мастеров, но рядом тоже «умели кисточку в руках держать», была общая мощная живописная школа. И как эти «дядьки» хороши! Какое красивое у них оружие, шляпы, ботфорты, кружева, кубки, помпоны на сапогах. Их можно разглядывать бесконечно! Трудно передать фотоаппаратом без вспышек и света тот блеск золота и сочность красок, которыми украшены картины.
Хорошо, на официальной странице музея можно разглядеть каждый завиток узора в большом разрешении!
Бартоломеус ван дер Гельст. «Отряд стрелков VIII района Амстердама под руководством капитана Роелофа Бикера и лейтенанта Яна Блау», 1639 год.
В начале 15 века в Амстердаме были организованы милиционные дружины - другими словами вооруженные отряды горожан. Каждая дружина проходила военную подготовку в своем районе . Так продолжалось много веков. Поскольку Амстердам никогда не участвовал в серьезных боевых действиях, милиционные дружины со временем преобразовались в нечто похожее на клубы для джентльменов.
По мере того, как город богател скромная одежда горожан стала более пышной, появились жабо, кружева и золотое шитье.
«Есть еще порох в пороховницах!»...
rijksmuseum.nl, holland.com