Форум - Показать сообщение отдельно - Как это приготовить? Рецепты, о которых спрашивали... и новые идеи их приготовления

djuka · 07.06.2017, 23:33

.

Всем, добрый вечер!

Хотела рассказать о салате и вместить все в один пост, но потом поняла, что тогда не покажу много редких и интересных фотографий.
Так уж получается, что история салата «Нисуаз» неразрывно связана с громким именем в балете Джорджем Баланчиным, а это имя связано с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева, а успех этого театра связан с многими знаменитыми людьми искусства того времени, а так же с художником Леоном Баксом, царем моды Полем Пуаре, неистовой маркизой Луизой Казати, Анной Павловой, .. и многими другими интересными именами прошлого столетия.
В общем, как в том бородатом анекдоте:
«Приходит студент в ветеринарную академию на экзамен по биологии, но ничего не знает, кроме строения вшей. Достался ему билет про корову.
- Так... Коровы это самка домашнего быка, одомашненного подвида дикого быка, парнокопытного жвачного животного семейства полорогих. Млекопитающие с зубами. У них есть шерсть,
в шерсти есть вши. Кстати, о вшах...
Профессор думает; вроде не в тему, но придраться не к чему. Говорит:
- Хорошо, тяните другой билет.
Студент тянет, смотрит; кошки.
- Так...кошки это млекопитающие семейства кошачьих отряда хищных, у них есть шерсть, в шерсти есть вши. Кстати, о вшах...
Профессор догадывается в чем дело, говорит:
Вот вам третий билет.
Студент берет, смотрит; акулы. Думает...
- Так... Акулы - это надотряд хрящевых рыб, относящийся к подклассу пластиножаберных, у них нет шерсти.
А вот если бы была шерсть, то в ней были бы вши..»

Кстати, о вшах..

Акулы-лисицы, живущие на Филиппинах, регулярно навещают подводные рифы, чтобы почистить кожу от паразитов. Чисткой акул занимаются живущие на этих рифах губаны.

Как оказалось, тут у лисьих акул что-то вроде дерматологического кабинета.
Периодически акулы, так сказать, "паршивеют", у них стареет и отмирает кожа, на поверхности тела начинают процветать бесчисленные паразиты. Последние могут переносить заболевания, совсем как человеческие вши и блохи. Чтобы избавиться от них, акулы регулярно посещают губанов, небольших рыб, живущих в упомянутых рифах.
Поведение акул вблизи рифа довольно специфично, что говорит о преднамеренных визитах сюда. Акула приопускает хвостовой плавник - очевидно, давая понять губанам о цели прибытия - и начинает кружить вокруг подводных скал со скоростью около полуметра в секунду. Это в два раза медленнее обычного "шага", что позволяет чистильщикам обработать кожу посетителя. Сеанс-заплыв длится примерно 45 минут.
По мнению исследователей, опубликовавших свой материал в сетевом журнале PloS ONE, визиты акул в прибрежные воды, так пугающие купальщиков, делаются с той же косметико-оздоровительной целью - найти рыб-чистильщиков, а вовсе не для того, чтобы поживиться отчаянным серфингистом.

Поэтому, устраивайтесь поудобнее и кому интересно - слушайте и смотрите... картину маслом в трех частях...

«Сразу стоит оговориться, что научиться вкусно и хорошо готовить может каждый – это не сакральное знание, доступное единицам, а вполне тренируемый навык. Другое дело, что путь к постижению кулинарного искусства намного сложнее, чем может показаться на первый взгляд, и перспективного повара отличает, в первую очередь, внимание к деталям.
Можно сравнить кулинарию с музыкой: точно так же, как музыкант учит ноты, интервалы и аккорды, повар запоминает вкусы и их сочетания, и чем больше ингредиентов содержит блюдо, тем сложнее его приготовить.»

Многие из тех, кто всерьез заинтересовался тонкостями приготовления еды, боятся высокой кухни как огня – так повелось, что ассоциации уводят нас к блюдам с супер сложными названиями и роскошной презентацией, и страшно даже представить, как это все можно изобразить несведущему человеку.

На самом деле о многих блюдах, которые сейчас подаются в лучших ресторанах, отмеченных звездами Мишлена, мир узнал совершенно случайно,
и в те времена никому и в голову не пришло бы, что они станут произведениями современной высокой кухни.
В мире салатов, как и в любом другом, есть свои звезды.
Они давно перестали быть частью кухни той страны, где впервые приготовлены: их подают и едят в любом уголке мира.
Эти блюда уже не просто набор продуктов на тарелке, а своеобразные символы, съедобные артефакты, часть мировой культуры – со своими историей, философией, легендами…

Сегодня мы с вами поговорим о рецепте, которого не существует. Представьте себе, все как в известном анекдоте: салат «Нисуаз» есть, а рецепта нет.

Точнее, есть, но не один, а бесчисленное множество – и все отличаются друг от друга настолько, словно это не один и тот же салат, а разные.
Все они, кажется, сходятся в одном – в салате «Нисуаз» должен быть тунец, но и тут коса находит на камень: тунец должен быть непременно свежим, твердят одни,
в то время как другие настаивают, что тунец может быть консервированным. Так же поступим и мы, благо, и с консервированным тунцом салат получается просто чудесным.

Cкрытый текст -

Появлением самой концепции салата мы обязаны античным римлянам, которые готовили кушанье из трав и зелени, заправленное солью, a само слово salata по-итальянски означает «соленое».
Египтяне и вавилоняне, также не чуравшиеся свежей зелени, готовили более близкую современной кухне заправку из масла, уксуса и специй.

Маринованный салат по рецепту средневековья.

В Средние же века салаты, как и все остальное, пережили упадок. Особенно не повезло салатам из свежих овощей – из-за ужасающих санитарных условий употребление в пищу сырых продуктов считалось одним из способов самоубийства. Впрочем, не взирая на этот предрассудок, любители салатов находились – как правило, в высших слоях общества. Так, например, король Англии Генрих IV (1367-1413).

Люблю я истории.
Для тех, кто не помнит, отступим немного от темы и вспомним, что это тот самый Генрих IV, являющийся персонажем трёх пьес Шекспира в жанре исторических хроник: «Ричард II», «Генрих IV» (часть 1)
и «Генрих IV» (часть 2), про которого есть мини-сериал Пустая корона / The Hollow Crown, выпущенный BBC.

В этом четырехсерийном трагифарсе под одной "крышей" собраны сразу три пьесы Уильяма Шекспира на "королевскую" тему: "Ричард II", "Генрих IV" (2 серии) и "Генрих V".
Первая часть "Генриха IV" показывает нам двух замечательных исполнителей главных ролей - Джереми Айронса и Тома Хиддлстона.

Генрих Болингброк (род. в 1366) был старшим из оставшихся в живых сыновей Джона Гонта.
Еще юношей он снискал небывалую популярность в Англии: людям импонировала и его репутация бесстрашного воина, и его преданная любовь к жене, Марии Боун.
Генриху довелось много путешествовать — он побывал в Литве, Иерусалиме, на Кипре, и повсюду, при всех королевских дворах, его встречали с распростертыми объятиями.

Ему удивительно легко удалось свергнуть Ричарда II с английского трона — слишком уж непопулярен был в то время король.
Но сразу же после этого перед Генрихом встал куда более трудный вопрос: как сохранить столь легко доставшуюся корону?
Ведь, по сути, своей узурпацией он создал опасный прецедент, когда любой сильный аристократ мог изгнать короля и занять его место.

Король Англии Генрих IV Болингброк.

Период правления Генриха IV характеризовался постепенным улучшением обстановки: беды отступали, страна крепла и набирала силы. Беда в том, что права самого Генриха на английский трон были весьма спорными, ему постоянно приходилось отстаивать свои позиции. Хронически не хватало денег, в 1401 году один из судейских чиновников в отчаянии писал: «В Вашей казне нет денег даже на то, чтоб оплатить посыльных».
Несколько раз Генрих собирал парламент, надеясь изыскать дополнительные источники поступления средств. И каждый раз палата общин, прежде трепетавшая перед грозным королем Ричардом, мстительно отвечала отказом, рекомендуя Генриху сокращать государственные расходы.

Неоднократно в разных концах страны вспыхивали волнения, но король Генрих успешно им противостоял. Наиболее серьезное восстание произошло в 1403 году, когда валлийский аристократ Оуэн Глендоуэр объявил себя королем Уэльса и захватил замки и земельные владения, расположенные вдоль англо-валлийской границы. Положение резко ухудшилось, когда могущественный граф Нортумберлендский неожиданно принял сторону Глендоуэра.

Двадцать первого июня возле города Шрусбери сошлись две армии: одна королевская, другая — под предводительством графа Нортумберлендского. Генрих выиграл это сражение и милостиво сохранил жизнь мятежному графу. Впрочем, его снисходительность вряд ли была оценена по достоинству. Вскоре граф Нортумберлендский снова организовал вооруженное выступление, на сей раз втянув в свою интригу архиепископа Йоркского, Ричарда Скроупа. Генрих IV подавил и этот мятеж, примерно покарав епископа-предателя. Его казнь вызвала шок и смятение у общественности. Когда некоторое время спустя Генриха парализовало вследствие болезни, немедленно поползли слухи о том, что это Божье наказание за смерть духовного лица.

Король Генрих IV Болингброк и Жанна Наваррская (королева Англии), Кентерберийский собор.

Начиная с 1406 года король почти непрерывно болел, а 20 марта 1413 года он скончался в своем Вестминстерском дворце.
Отдавая должное Генриху IV, надо сказать: он успешно прошел все испытания, которые в изобилии случались на его жизненном пути, и сумел передать английский трон своему преемнику.
По тем непростым временам это было впечатляющее достижение.

Роль постаревшего Генриха IV сыграл один из известнейших британских актеров, лауреат премии «Оскар» — Джереми Айронс.
Актер снялся в огромном количестве фильмов, а наиболее известен по роли Гумберта в экранизации «Лолиты» Набокова.
Также он играл в таких культовых фильмах, как «Царство Небесное», «Крепкий орешек», озвучивал главного персонажа мультфильма «Король Лев».

Принца Хэла, будущего короля Генриха V, сыграл Том Хиддлстон. Популярность ему принесла роль бога Локи в экранизации комиксов «Марвел».

Сцена c Генрихом IV и будущим Генрихом V, раскрывающая соперничество двух характеров, принадлежность к двум разным эпохам, разным идеалам, настолько камерна, сокровенна, что заставляет затаить дыхание и мысленно затеряться среди придворной челяди, стоящей поодаль у стены. Сцена размышлений возмужавшего отпрыска над бездыханным телом своего отца во второй части дилогии является одним из тех моментов, когда перед человеком разверзаются ворота вечности, осушая готовые вылиться слезы. На короткий миг само бытие, биение жизни, не связанное с конкретным воплощением в людском обличье, свидетельствует о себе повзрослевшему юноше во всей полноте, протягивая ему нить истории. Отправив в вечный сон отца, провидение инициастически пробуждает дремлющие силы в его потомке.

Произведения Шекспира таковы, что они с легкостью позволяют вписать в свои рамки события иных эпох, других культур, превращая его литературное наследие во вселенское достояние.

Так вот, Генрих IV любил салат из отварного молодого картофеля и сардин с заправкой из ароматных трав (отмечу, что эта весьма распространенная легенда – явный анахронизм,
ведь Колумб открыл Америку лишь в 1492 году).

Мария Стюарт.

Личность Марии Стюарт осталась загадкой на века.

Интересно мнение Майи Плесецкой, исполнившей роль шотландской королевы-изгнанницы в балете «Мария Стюарт» Эмилио де Диего,
написанном специально для неё в 1988 году и поставленном балетмейстером Хосе Гранеро.
В одном из интервью Майя Плeсецкая так отозвалась о Королеве Шотландии:

«Считаю ее единственной, самой гениальной женщиной всех времен. Ее судьба привлекает мое внимание не только пленом и трагической гибелью на эшафоте. Ведь головы рубили многим... В ней есть то особое, что выделяет гения. Как известно, она писала дивные сонеты, поэтические письма, вела дневники, увлекалась театром, играла на музыкальных инструментах, в совершенстве владела многими иностранными языками, в том числе итальянским. Она, я повторяю, только она одна в свое время могла прочитать в оригинале новеллы итальянца Банделло, которые впоследствии стали основой, по моей версии, приписываемых Шекспиру знаменитых пьес. Иначе как объяснить факт пропажи огромных баулов со стихами и записями Марии Стюарт в день ее казни, которые она писала на протяжении 18 лет, находясь в заточении. Эта загадка мучает меня».

Шотландская королева Мария покоится в великолепной гробнице в южной части капеллы Богородицы. Вестминстерское Аббатство.

Вестминстерское Аббатство – является ценнейшими историческими памятниками для Великобритании.
Менялись имена правителей, шли столетия, творилась мировая история в здешних стенах, а Аббатство нерушимо возвышалось над всем происходящим.
Это наиболее выдающееся британское святилище.
Поминальные службы по членам королевской фамилии совершаются и теперь.

Рецепт салата от Марии I (урожденной Марии Стюарт), королевы Шотландии (1542-1587) – отваренный корень сельдерея, салат-латук, кервель, трюфеля, вареное яйцо и сливочно-горчичная заправка.
Королевские повара, казалось, состязались между собой – доходило до того, что в огромном блюде подавались салаты из 35 ингредиентов,
включая такие экзотические, как лепестки роз, настурции, бархатцы и фиалки.

На принципиально новый уровень искусство приготовления салатов вышло в 1699 году,
когда свет увидела книга англичанина Джона Эвелина “Acetaria: A Discourse of Sallets” (слово “acetaria” в древности означало салатную зелень).
В книге, помимо ценной информации о том, как готовить салат (Эвелин рекомендует сбрызнуть, а не вымачивать, зелень холодной водой, обсушить в дуршлаге и заправить оливковым маслом с уксусом, желательно настоянным на цветах и травах, а также солью), содержатся инструкции по выращиванию различных растений, употребляемых в салат, таких, как романо, шпинат, настурция, щавель, кресс, цикорий, сельдерей, фенхель, корн, руккола, и многих других.

Книга была создана в виде повествования, обильно пересыпанного цитатами из латыни, греческого и иврита.
Отчего такая серьезность в кулинарной книге? Ответ необычен и вместе с тем очень прост: читатели, для которых предназначалась эта книга, не ели салатов!
Мудрость, проверенная временем, гласила: цивилизованные люди не едят салатов. Они едят мясо и злаки, оставляя сырую зелень животным и дикарям.
Каждый цивилизованный человек знает, что попадая в желудок, зелень начинает гнить так же, как гниет в компостной куче, доставляя человеку множество неприятностей.

Джон Эвелин.

Именно из-за этого Эвелин, один из образованнейших людей своего времени, член Лондонского королевского общества, привлекал на свою сторону каждый доступный аргумент
и каждый возможный авторитет древности, развенчивая мифы и предрассудки.
С этого момента салаты медленно, но верно пошли в народ – а книгу, благодаря ее актуальности, печатают и продают даже сейчас.

Салат «Цезарь».

Последующие века подарили миру новые рецепты салатов:
Цезарь, Капрезе, Нисуаз, Оливье Люсьена Оливье (рецепт которого,
кстати, полностью так и не был восстановлен) уже стали кулинарной классикой.

Но в нашем сегодняшнем меню - французский салат «Нисуаз».

Легкий и яркий как средиземноморское побережье. Недаром его название дословно переводится как «Салат из Ниццы» (Salade niçoise).
Лазурный берег пестрит ресторанчиками, в каждом из которых есть свой фирменный рецепт салата «Нисуаз».
Хотя Ницца стала частью Франции только в 1861 году, так что считать знаменитый салат Нисуаз французским и уж тем более прованским можно только с довольно большой натяжкой.
Появился он, судя по всему, где-то на рубеже XIX–XX веков или еще позднее, и достоверно проследить его историю не представляется возможным — столько вокруг него путаницы и противоречивых версий.

Говоря об истории происхождения салата Нисуаз, существует версия, что в создании салата принимал участие известный хореограф Джордж Баланчин
- великий хореограф грузинского происхождения,
положивший начало американскому балету и современному неоклассическому балетному искусству в целом..

Нарисовать творческий портрет Баланчина - это может стать делом многих лет работы.
Джорджем Баланчиным он стал в Париже «с легкой руки» Сергея Дягилева, который сокращал на французский манер длинные
и сложные для европейского произношения фамилии своих русских артистов.
В Америке Баланчин еще стал для артистов и широких театральных кругов мистером Би.
Настоящее имя хореографа - Георгий Мелитонович Баланчивадзе.

«Баланчин стремился к классической завершённости формы, чистоте стиля, ограничивающегося лишь самым необходимым».
Во многих его произведениях практически отсутствует какой-либо сюжет, «основным выразительным средством стало раскрытие симфонической музыки, не предназначенной для танца.
Содержание раскрывалось в развитии музыкально-хореографических образов».

Джордж Баланчин и Игорь Стравинский, репетирующий «Состязани» в 1957 году.
Но подлинный дар Баланчивадзе проявился в сочинении хореографии, и жизнь великого хореографа сложилась почти неправдоподобно удачно. Как в волшебной сказке.

В 1924 году Баланчивадзе вместе со своей женой танцовщицей Тамарой Джеверджеевой (Дягилев переделал ее фамилию на «Джева») и еще с двумя танцовщиками Мариинского театра, Александрой Даниловой и Николаем Ефимовым, гастролировали в Германии.
Дягилев, который уже слышал и об артистах, и о хореографических успехах Баланчивадзе, пригласил их в свою труппу. С 1925 года и до смерти Дягилева в 1929 году Баланчин поставил для «Русских сезонов» несколько балетов, в том числе знаменитые «Аполлон Мусагет» на музыку Игоря Стравинского и «Блудный сын» на музыку Сергея Прокофьева. Оба эти произведения, перенесенные им позднее на американскую сцену, вошли в сокровищницу мирового балета ХХ века.

«И что же Вы, уважаемый, здесь делаете? – спросил однажды Сергея Дягилева король Испании Альфонсо во время встречи с известным антрепренером «Русских сезонов».
– Вы не дирижируете оркестром и не играете на музыкальном инструменте, не рисуете декорации и не танцуете.
Так что же Вы делаете?» На что тот ответил: «Мы с Вами похожи, Ваше Величество! Я не работаю. Я ничего не делаю. Но без меня не обойтись».

Организованные Дягилевым «Русские сезоны» были не просто пропагандой русского искусства в Европе,
они стали неотъемлемой частью европейской культуры начала ХХ века
и неоценимым вкладом в развитие балетного искусства.

Сергей Дягилев.

Хотя известно, что Баланчин не был «фаворитом» Дягилева среди хореографов, с которыми он работал, но мэтр уважал своего хореографа.

Композитор Игорь Стравинский и Сергей Дягилев.

За - то Стравинский ценил работу Баланчина со своей музыкой больше, чем работу Вацлава Нижинского, и их творческий союз продолжался долгие годы.

Вацлав Нижинский «Синий бог», 1912 год.

Однажды, тогда ставили «Жизель», Вацлав самовольно надел костюм, созданный по эскизу А. Бенуа.
Это была реконструкция немецкого костюма XIV в. До того в мужском балете носили широкие шаровары.
Увидев неприлично обтянутое трико мужское тело, императрица засмеялась (потом напишут: «...это вызвало смятение в царской ложе».
Надо полагать, так оно и было: рядом с императрицей сидел супруг), и Вацлав был изгнан. Артист царского балета не должен вызывать смех. Слова «похоть» произнесено не было.

Что было дальше? Дальше князь Львов, покровитель Нижинского, познакомил его с Дягилевым. Последовали «Русские сезоны» в Париже.

„В своё время другой великий танцовщик, Вацлав Нижинский (последователем которого Нуриева часто называли),
пришёл в Мариинский театр по приглашению Матильды Кшесинской, которая предложила ему стать её партнёром.
Нуриеву аналогичное предложение поступило от Наталии Дудинской.“

В 1907 году в труппу Мариинского театра был принят восемнадцатилетний Вацлав Нижинский.
Невысокий, всего 160 см, со слишком мускулистыми ногами и лицом фавна, он вышел на сцену, и очень быстро стало ясно, что в театре новый премьер.
Нижинский в совершенстве чувствовал стиль и виртуозно перевоплощался. Он был утонченно грациозен.

Костюм Леона Бакста для балета "Синий Бог", 1912 год.

Париж рукоплескал. Еще несколько выступлений – и по Нижинскому сходил с ума весь мир.
Больше того: мир вожделел Нижинского – и тоже стал вести себя вызывающе.
Неприлично, нет слов. Но мир не интересовали тогда приличия. Мир интересовал Нижинский.
А Нижинский был Фавном. Его интересовали он сам и то, что он делает на сцене.

Понимаете? У страсти нет пола. У красоты его тоже нет.
Красота, как известно, в глазах смотрящего, а страсть – в душе вожделевшего.
Каждый, кто смотрел на Нижинского, видел воплощение собственной страсти.
Разве странно поэтому, что публика валила валом? Артист танцевал свою мечту – то главное, что жгло его душу.
Люди смотрели и видели души собственные. У нас ведь чертовски много общего. Когда кому-то удается показать это общее, его объявляют гением. А гений творит для себя.
Собственно, последнего гения, который не был эгоистом, звали Иисус Христос.

Партнерши Нижинского с горькой обидой отзывались о гениальном эгоцентристе: они творили, теряли голову и умирали, не ощущая с его стороны никакой отдачи, никакого взаимодействия. Он танцевал свои роли для себя.
Парадокс? Артист ведь не должен так делать, и даже более того: такой эгоцентризм действует самым пагубным образом. Да, это конечно, так».

В 1919 году, когда в швейцарском отеле состоялось последнее выступление, Нижинского, ему не было еще и тридцати. Он по-прежнему остался блестящим танцором.
Все так же прекрасен был его знаменитый прыжок-полет. Но в его дневнике стали появляться странные рисунки: человеческие глаза.
Красные или черные, с непередаваемым выражением безумия, они были нарисованы с таким нажимом, что карандаш рвал бумагу.
Кроме глаз, были еще пауки. У них было лицо Дягилева. Нижинский пытается писать стихи, но они безумны.
Если в начале текста они, пусть и довольно примитивные, все-таки осмыслены, то чем дальше, тем чаще слова заменяют слоги.
Они не имеют смысла, но имеют ритм. Слова «Чувство», «любовь», «Бог» постепенно вытесняют любую мысль и записываются сами по себе, в произвольном порядке.
Посреди этого хаоса внезапно прорываются воспоминания: ясные и четкие. Затем опять тьма.
На том, последнем выступлении Нижинский в течение получаса сидел на стуле перед публикой и смотрел на нее.
Затем сложил два рулона ткани в виде креста. «Сейчас я станцую вам войну, – сказал он, – войну, которую вы не сумели предотвратить».

Вскоре Вацлав встретился с Эриком Блейлером – человеком, впервые произнесшим вслух слово «шизофрения».
В дневнике Нижинского запись о намерении пойти на эту встречу – последняя. Очень скоро Вацлав был отправлен в Крейцлинген, затем в санаторий Бельвю.
Там он провел 30 лет, целиком уйдя в себя.
Но это будет потом! А пока... «Русские сезоны» Дягилева!

Идея воплотить эти стихотворные строки в музыке «Приглашения к танцу» К. Вебера пришла на ум Жану Луи Водуайе.
«Познакомив г-на Фокина с г-ном Готье», он навсегда прославил свое имя в истории балета.
Поставленное на одном дыхании, «Видение Розы» с триумфом прошло 6 июня 1911 года в Париже, став подлинным шедевром импрессионизма в танце.

Эскиз костюма Леона Бакста для балета "Синий Бог", 1912

Эскиз костюма Леона Бакста для балета "Синий Бог" / Тамара Карсавина, балет "Синий Бог", 1910-е.

Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина в балете "Видение Розы".

Успеху способствовали декорации и костюмы Льва Бакста, создающие романтическую атмосферу XIX века, и, конечно, исполнители.
Тамара Карсавина в пышном белом платье и капоре с лентами представала воплощенной поэтической мечтой, пленявшей сердца одним лишь трепетом сонных ресниц.
Вацлав Нижинский в изысканном головном уборе и трико из шелковых розовых лепестков был воистину бесплотным духом, нежным ароматом цветка.

Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина в балете "Видение Розы".

Еще в 1899 году, будучи чиновником по особым поручениям при директоре Императорских театров, Дягилев увидел выступление Айседоры Дункан и Михаила Фокина.
Танцевальные инновации привели Дягилева в полный восторг. Он решил, что традиционной хореографией уже публику не удивить.
В 1906 году он привез в Париж выставку русской живописи.
В 1909 году Париж увидел и услышал «Бориса Годунова». Перед этим известный антрепренёр объехал Россию в поисках исконно русского стиля в одежде.
Кокошники, сарафаны и кафтаны, украшенные мехами, жемчугами и великолепной вышивкой навсегда покорили европейскую богему.
Свой вклад в развитие русского стиля внесли эмигранты.

Из революционной России в Европу бежали люди, которые, тоскуя по родине, пытались привнести в свою новую жизнь русские мотивы.
И вот уже в двадцатых годах 20 века Коко Шанель представила коллекцию, в которой были блузы похожие на косоворотки и гимнастерки солдат царской России.
Косоворотки и кокошники вдохновили Жанну-Мари Ланвен на создание коллекции одежды «парижского шика».
Мир балета резко изменилась, когда " русский балет де Сержа Дягилева взяли Париж штурмом в театре Шатле в мае 1909 года.
Вооружившись новаторской хореографической оригинальность и новаторский подход к использованию сотрудничающих художников "русский балет произвел некоторые из самых значительных балетных шедевров ХХ века.
То, что было представлено на сцене театра Шатле в период первых парижских сезонов, поражало своей экзотичностью!

Афиша "Русских сезонов" в 1909 году. Изображена балерина Анна Павлова.

«Русские сезоны» в Севилье, 1916 год.

Михаил Фокин в костюме "Голубой птицы", балет "Спящая красавица".

В разное время над их реализацией работают такие художники, как Андре Дерен, Пикассо, Анри Матисс, Хуан Миро, Макс Эрнст и другие художники,
композиторы Жан Кокто, Клод Дебюсси, Морис Равель и Игорь Стравинский, танцоры Серж Лифарь, Антон Долин и Ольга Спесивцева.
И даже Коко Шанель создавала костюмы для балета «Аполлон Мусагет», где солировал Серж Лифарь.

Серж Лифарь и Сергей Дягилев.

Ольга Хохлова, Пикассо, Мария Шабельская и Жан Кокто в Париже по случаю премьеры балета "Парад", 18 мая 1917 года.

Пикассо с помощниками расписывает занавес к балету Парад. Париж, 1917 год.

"При появлении большого опускного занавеса, сопровождавшемся мрачной музыкой, написанной Сати для увертюры, из груди собравшихся вырвался вздох удовлетворения и облегчения.
Аудитория, ожидавшая поругания и скандала, вместо этого оказалась изумленной тем фактом, что, как выяснилось, изобретатель кубизма представил им нечто вполне поддававшееся их пониманию.
Сюжет занавеса наводил на мысль о вечеринке, организованной за кулисами, с участием арлекинов, клоунов и прочего циркового народа протокубистических времен, который развлекается в счастливом и спокойном настроении. Большая белая кобыла с крыльями, крепящимися с помощью подпруг, неторопливо облизывает своего жеребенка, в то время как тот тянется к ней в поисках молока.

Балерина с многообещающими крылышками, балансирующая на спине лошади, пытается достать обезьянку на ярко расписанной полосатой лестнице. На переднем плане — знакомые цирковые предметы: шар для упражнений акробата, барабан; рядом лежит спящая собака, а вдали, за шапито, — романтичный ландшафт, образованный разрушенными арками. Цвета, главным образом зеленых и красных тонов, словно напоминают о нежном меланхолическом освещении, в котором лет десять назад являлись зрителю комедианты."

Пабло Пикассо. Занавес к балету Парад, 1917 год.

Пабло Пикассо. Программка балета Парад с рисунком Пикассо, 1917 год.

Персонажи двух «управителей»-зазывал, французского и американского.

"По мере того как балет подходил к концу, растущий гнев зрительного зала выражался возмущенным рокотом и гамом.
Парижская интеллигенция форменным образом рассердилась, посчитав, что ее сделали жертвой фарса, поставленного на сцене лишь затем, чтобы она выглядела смешной уже из-за того, что высидела до конца этого издевательства. По адресу актеров раздавались выкрики «Продажные боши!» (самое грязное из всех возможных оскорблений в тогдашней атмосфере военного времени, царившей в Париже).

Вся публика, настроенная хуже некуда, вскочила на ноги, угрожая антрепренеру, постановщику, а также Пикассо и его друзьям. Однако ситуацию спасло присутствие Аполлинера. Черная повязка на голове и Croix Guerre («Военный крест») требовали к себе уважения. Патриотизм и сентиментальные чувства в конце концов возобладали над убежденностью аудитории, что ее здесь оскорбили.

Когда буря улеглась, Пикассо и Кокто, успокоившись, со смехом вспоминали странное заявление одного из зрителей своей жене: «Если бы я знал, что это такая ерунда, я бы привел детей!»
Большинство критиков разнесли спектакль в пух и прах. Авторы балета отнеслись к этому философски, за исключением Эрика Сати, о котором журналист Жан Пуэй написал,
что Сати недостает одновременно «изобретательности, ума и искусства композитора».

«Парад» оказался весьма важным событием в деле роста и распространения нового духа в искусстве.
Аполлинер написал вступительное слово к программке балета, озаглавив его «Парад и новый дух», где этот балет описывался с нескрываемым энтузиазмом
и много говорилось о нем как о символическом рассвете, знаменующем начало новой эры.
Высказывалась надежда, что модернистское движение, доказывающее свою состоятельность пережить разруху и беды, вызванные войной, скоро расцветет пышным цветом и породит новые чудеса. Аполлинер утверждал, что удивительный сплав сценографии Пикассо и хореографии Мясина произвел на свет своего рода реализм высшего качества (сюрреализм), который и возвещает пришествие Нового Духа."
Несмотря на гвалт, сопровождавший первое представление, Дягилев ставил «Парад» снова и снова. С каждым очередным показом балет вызывал все большее уважение зрителей и критиков, но общее количество спектаклей оказалось небольшим. Он так и остался в истории искусства балетом для элиты и знаком победы, которую одержал авангард в своей батальной кампании.»

Пикассо и Ольга Хохлова перед афишей балета Парад. Париж, 1917 год.

«Оставляй на завтра только то, что не жалко оставить недоделанным после своей смерти.
Искусство - это волшебство, помогающее переносить муку повседневности.
Жизнь продлевают только работа и женщины.
Мне нравится жить бедно... но с кучей денег в кармане.
Плохие художники заимствуют. Хорошие художники крадут.
Хороший вкус - худший враг творчества.
Искусство - это ложь, ведущая к истине.
И среди людей копий больше, чем оригиналов.
Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц?
Все имеют право меняться, даже художники.
Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно,
но есть и другие, те, что своим искусством и своим разумом
превращают желтое пятно в солнце.»
(Пикассо)

Три самых ранних балета: "Жар-птица" (1910), "Петрушка" (1911), и "Весна Священная" (1913) произвели фурор.

Вера Фокина в роли царевны в балете "Жар Птица", Русские сезоны, 1910 год.

Тамара Карсавина — Жар-птица. Балет «Жар-птица», 1910 год.

Интересный факт о балете «Жар-птица»:

«Жар-птица» - первый балет на русскую тему в антрепризе Сергея Дягилева. Постановщик (балетмейстер) и исполнитель главной мужской партии - Михаил Фокин.
Понимая, что Париж надо "угостить" чем-то исконно-русским, он проанонсировал это название еще в афише первого сезона в 1909 году.
Но балет не успели поставить. Ловкий импрессарио занялся подтасовкой - хотя на афише было заявлено "Жар - птица", на сцене исполнялось pas de deux принцессы Флорины
и Голубой птицы из балета "Спящая красавица", неизвестное парижанам, притом в новых ориентальных костюмах Леона Бакста.
Лишь год спустя в Париже появилась настоящая "Жар-птица" - первая балетная партитура Игоря Стравинского,
прославившая имя тогда начинающего композитора за пределами России.Вера Петровна Фокина.

Ненаглядная Краса ("Жар-птица", 1910).

Михаил Фокин и Тамара Карсавина в балете "Жар - птица", 1912 год.

Леон Бакст (Лев Бакст). Эскиз костюма к балету «Жар-птица», 1910 год.

Лев Самойлович Бакст "Автопортрет".

Родился Лев Самойлович Бакст (Лейб Хаим Израилевич Розенберг. Псевдоним — сокращенная фамилия бабушки, Бакстер) - 9 мая 1866 года в Гродно.
Старший сын в семье гродненского талмудиста. Детство его прошло в Петербурге, где жил дед, "парижанин Второй империи", любивший светскую жизнь и роскошь.
В 1891 году художник взял фамилию - стал Бакстом.
Родители, естественно, против всяких художеств. Но у Льва Самойловича был волшебный дедушка. Он поставлял сукно в русскую армию, разбогател, перебрался в Петербург и перевез туда свою дочь с семьей. Богатый дом дедушки производил на Льва сильное впечатление. Дедушка был театралом и приобщал к прекрасному внука, а его рисунки отослал на суд Антокольскому, после чего мальчику разрешили учиться на художника.
Еще мальчиком он увлеченно разыгрывал перед сестрами придуманные и поставленные им самим пьесы, а в двенадцать лет вышел победителем в гимназическом конкурсе на лучший портрет В. Жуковского.
Однако отец не понимал увлечений сына, и долгое время мальчику приходилось рисовать тайком или по ночам. Наконец, чтобы разрешить сомнения, рисунки Бакста послали в Париж скульптору Марку Антокольскому, а тот рекомендовал ему учиться дальше.
В 1883 году Лев поступил вольнослушателем в Академию художеств, где учился у Чистякова, Венига и Аскназия.
Проиграв в конкурсе на серебряную медаль, Бакст покинул Академию и через некоторое время, подружившись с Альбертом Бенуа, увлекся акварелью.
Потом дедушка умер, родители развелись, но Лев к тому времени уже был вольнослушателем в Академии художеств (евреям нельзя было числиться нормальными студентами),
как раз вместе с Валентином Серовым.
Бакста, по воспоминаниям современников, отличала легендарная незлобливость.
В многочисленных мемуарах он фигурирует не иначе как Левушка: рассеянный, улыбающийся, говорящий невпопад, при этом сноб, эстет, обладатель большой коллекции шелковых галстуков.
Рассеянность не мешала ему пронзительно понимать людей, когда он писал их портреты. С портретов, созданных на рубеже веков, началась его известность.

В 1893 году он поехал в Париж, где около трех лет занимался к студиях Ж.Л. Жерома и Р. Жюльена, а потом у финского художника Эдельфельта. Ближе всего молодому Баксту было творчество французских романтиков и импрессионистов. Повторяя путь своего кумира - Делакруа, он даже поехал в Алжир, после чего появились произведения, где начало выявляться стремление художника к декоративизму. Бакст много работал и, по его словам, "изнемогал от неизвестности". Хотя его ценили. Игорь Грабарь, например, отмечал, что Бакст "свободно владеет рисунком и имеет все задатки колориста...".

Бакст Лев «Голова девушки в русском костюме» 1894 год.

В 1889 году несколько молодых людей создали кружок самообразования, который позже стал ядром художественного объединения "Мир искусства". Во главе его стоял Александр Бенуа, а среди членов были Дмитрий Философов, Вальтер Нувель, Константин Сомов и другие. Бакст был среди них старшим и единственным, кто имел профессиональное образование.
Однако он всегда чувствовал себя среди молодых "мир искусников" очень свободно, ходил на организованные Альфредом Нуроком "Вечера современной музыки",
увлекался творчеством Обри Бердслея, Теофиля Стейлейна, Пюви де Шаванна, Беклина и других. Представителям русского "модерна" особенно близка была немецкая и североевропейская школы.
Когда Дягилев попросил Бакста оформить помещения, снятые им для своей антрепризы,
Бакст, прежде всего, обратил внимание на цветовое решение, сочетая свои излюбленные зеленые и голубые тона, театрализовал, стилизовал интерьеры.

Сотрудничал Бакст и с сатирическими журналами первой русской революции, например, с такими, как "Зритель", "Жупел", "Сатирикон".
Многие годы он работал вместе с Дягилевым, который пригласил его оформлять "Русские балеты в Париже".
В 1906 году Бакст написал портрет Дягилева с няней. В этом же году появились портреты Гиппиус, Сомова и других.
В 1900 году Бакст написал целую серию парадных женских портретов, после чего стал довольно модным портретистом.

Л.С. Бакст. Портрет графини М.А. Келлер. 1902 год.

Когда Елизавета Званцева, которая училась сначала в Петербургской академии художеств у Чистякова и Репина, а потом в Париже - в академиях Жюльена и Коларосси, организовала частную художественную школу, она пригласила преподавать туда и Бакста, который стремился к тому, чтобы каждый из его учеников вырабатывал свой особый стиль. Бакст "учил так, как иногда учили плавать, бросая в воду и предоставляя выкарабкиваться самому". Именно Бакст первым оценил незаурядное дарование Шагала.
Все "мирискусники" страстно любили театр. Летом 1910 года Бакст отправился в Париж, чтобы работать над декорациями спектаклей дягилевских "Русских сезонов". Однако свою работу в театре Бакст начал еще в 1900 году, сделав эскизы декораций и костюмов к спектаклю "Сердце маркизы". Позже он оформил спектакль "Фея кукол". Особый восторг современников вызывали сделанные Бакстом эскизы костюмов.

"Русские сезоны" Дягилева в Париже - это очень целостные сгармонизированные балетные спектакли, над которыми работало немало людей.
В 1909-1914 годах Бакст оформил двенадцать спектаклей дягилевской антрепризы.
Как вспоминали современники, "в свое время Париж был подлинно пьян Бакстом", точнее, оформленными им "Клеопатрой", "Нарциссом" и другими спектаклями.
Их красочную композицию во многом определяли разноцветные костюмы героев, над которыми Бакст работал вместе с балетмейстером.

Сцена балета «Нарцисс», 1911 год.

Леон Бакс. Костюм к балету «Нарцисс», 1911 год.

Леон Бакс. Костюм к балету «Нарцисс», 1911 год.

Леон Бакс. Костюм к балету «Нарцисс».

Г.А. Розай - беотиец. 1911. Балет «Нарцисс» / Бакст Лев. 1866-1924. Эскиз костюма беотийца. Около 1911. Балет «Нарцисс».

Открытием нового, экспрессионистического балета можно считать совместную работу Бакста и Вацлава Нижинского - балет К. Дебюсси "Послеполуденный отдых фавна".
Здесь образ строился с помощью сопоставления цветовых пятен.

Леон Бакс. Афиша к спектаклю "Послеполуденный отдых фавна".

Очень интересно были оформлены и такие романтические балеты, как "Карнавал", "Бабочки", "Видение розы".

Тамара Карсавина в партии Коломбины. Балет "Карнавал", 1910 / Леон Бакс. Михаил и Вера Фокины в балете "Карнавал".

Михаил Фокин позирует в роли Арлекина в балете "Карнавал", Русские сезоны, 1911 год.

«Русские Балеты», "Шехерезада". Афиша.

Михаил Фокин вместе со своей супругой Верой Фокиной, на которой он женился в 1905 году, в балете "Шехерезада" 1914 года.

Леон Бакс. Декорации к балету "Шехерезада" 1910 год.

Парижане были покорены пряными ароматами Востока, которые веяли от прозрачных тканей, расшитых золотом и серебром, турецких шароваров, тюрбанов с разноцветными перьями:
"Поражал вызывающий контраст ярко-зеленых занавесей и оранжево-красной плоскости пола, устланного ковром. На зелени свисающих тканей сверкали золото и чернь персидского орнамента. Как пламя горел и желто-красный костюм главного евнуха, и оранжевые шаровары танцующих перед шахом одалисок..."

Т.П. Карсавина — Зобеида, СЛ. Григорьев — Шах Труппа «Русский балет Дягилева». 1913-1915 Балет «Шехеразада».

Леон Бакс. Костюм к балету "Шехерезада" 1910 / Вацлав Нижинский в роли раба в балете Шехерезада, Русские сезоны, 1911 год.

Леон Бакс. Декорации и костюмы к балету "Шехерезада", 1910 год.

07.06.2017, 23:33	#219
djuka Зритель Форумчанин Регистрация: 23.03.2011 Сообщения: 1,029 Репутация: 2258	Часть 1. Салат "Нисуаз". . Всем, добрый вечер! Хотела рассказать о салате и вместить все в один пост, но потом поняла, что тогда не покажу много редких и интересных фотографий. Так уж получается, что история салата «Нисуаз» неразрывно связана с громким именем в балете Джорджем Баланчиным, а это имя связано с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева, а успех этого театра связан с многими знаменитыми людьми искусства того времени, а так же с художником Леоном Баксом, царем моды Полем Пуаре, неистовой маркизой Луизой Казати, Анной Павловой, .. и многими другими интересными именами прошлого столетия. В общем, как в том бородатом анекдоте: «Приходит студент в ветеринарную академию на экзамен по биологии, но ничего не знает, кроме строения вшей. Достался ему билет про корову. - Так... Коровы это самка домашнего быка, одомашненного подвида дикого быка, парнокопытного жвачного животного семейства полорогих. Млекопитающие с зубами. У них есть шерсть, в шерсти есть вши. Кстати, о вшах... Профессор думает; вроде не в тему, но придраться не к чему. Говорит: - Хорошо, тяните другой билет. Студент тянет, смотрит; кошки. - Так...кошки это млекопитающие семейства кошачьих отряда хищных, у них есть шерсть, в шерсти есть вши. Кстати, о вшах... Профессор догадывается в чем дело, говорит: Вот вам третий билет. Студент берет, смотрит; акулы. Думает... - Так... Акулы - это надотряд хрящевых рыб, относящийся к подклассу пластиножаберных, у них нет шерсти. А вот если бы была шерсть, то в ней были бы вши..» Кстати, о вшах.. Акулы-лисицы, живущие на Филиппинах, регулярно навещают подводные рифы, чтобы почистить кожу от паразитов. Чисткой акул занимаются живущие на этих рифах губаны. Как оказалось, тут у лисьих акул что-то вроде дерматологического кабинета. Периодически акулы, так сказать, "паршивеют", у них стареет и отмирает кожа, на поверхности тела начинают процветать бесчисленные паразиты. Последние могут переносить заболевания, совсем как человеческие вши и блохи. Чтобы избавиться от них, акулы регулярно посещают губанов, небольших рыб, живущих в упомянутых рифах. Поведение акул вблизи рифа довольно специфично, что говорит о преднамеренных визитах сюда. Акула приопускает хвостовой плавник - очевидно, давая понять губанам о цели прибытия - и начинает кружить вокруг подводных скал со скоростью около полуметра в секунду. Это в два раза медленнее обычного "шага", что позволяет чистильщикам обработать кожу посетителя. Сеанс-заплыв длится примерно 45 минут. По мнению исследователей, опубликовавших свой материал в сетевом журнале PloS ONE, визиты акул в прибрежные воды, так пугающие купальщиков, делаются с той же косметико-оздоровительной целью - найти рыб-чистильщиков, а вовсе не для того, чтобы поживиться отчаянным серфингистом. Поэтому, устраивайтесь поудобнее и кому интересно - слушайте и смотрите... картину маслом в трех частях... «Сразу стоит оговориться, что научиться вкусно и хорошо готовить может каждый – это не сакральное знание, доступное единицам, а вполне тренируемый навык. Другое дело, что путь к постижению кулинарного искусства намного сложнее, чем может показаться на первый взгляд, и перспективного повара отличает, в первую очередь, внимание к деталям. Можно сравнить кулинарию с музыкой: точно так же, как музыкант учит ноты, интервалы и аккорды, повар запоминает вкусы и их сочетания, и чем больше ингредиентов содержит блюдо, тем сложнее его приготовить.» Многие из тех, кто всерьез заинтересовался тонкостями приготовления еды, боятся высокой кухни как огня – так повелось, что ассоциации уводят нас к блюдам с супер сложными названиями и роскошной презентацией, и страшно даже представить, как это все можно изобразить несведущему человеку. На самом деле о многих блюдах, которые сейчас подаются в лучших ресторанах, отмеченных звездами Мишлена, мир узнал совершенно случайно, и в те времена никому и в голову не пришло бы, что они станут произведениями современной высокой кухни. В мире салатов, как и в любом другом, есть свои звезды. Они давно перестали быть частью кухни той страны, где впервые приготовлены: их подают и едят в любом уголке мира. Эти блюда уже не просто набор продуктов на тарелке, а своеобразные символы, съедобные артефакты, часть мировой культуры – со своими историей, философией, легендами… Сегодня мы с вами поговорим о рецепте, которого не существует. Представьте себе, все как в известном анекдоте: салат «Нисуаз» есть, а рецепта нет. Точнее, есть, но не один, а бесчисленное множество – и все отличаются друг от друга настолько, словно это не один и тот же салат, а разные. Все они, кажется, сходятся в одном – в салате «Нисуаз» должен быть тунец, но и тут коса находит на камень: тунец должен быть непременно свежим, твердят одни, в то время как другие настаивают, что тунец может быть консервированным. Так же поступим и мы, благо, и с консервированным тунцом салат получается просто чудесным. Cкрытый текст - Появлением самой концепции салата мы обязаны античным римлянам, которые готовили кушанье из трав и зелени, заправленное солью, a само слово salata по-итальянски означает «соленое». Египтяне и вавилоняне, также не чуравшиеся свежей зелени, готовили более близкую современной кухне заправку из масла, уксуса и специй. Маринованный салат по рецепту средневековья. В Средние же века салаты, как и все остальное, пережили упадок. Особенно не повезло салатам из свежих овощей – из-за ужасающих санитарных условий употребление в пищу сырых продуктов считалось одним из способов самоубийства. Впрочем, не взирая на этот предрассудок, любители салатов находились – как правило, в высших слоях общества. Так, например, король Англии Генрих IV (1367-1413). Люблю я истории. Для тех, кто не помнит, отступим немного от темы и вспомним, что это тот самый Генрих IV, являющийся персонажем трёх пьес Шекспира в жанре исторических хроник: «Ричард II», «Генрих IV» (часть 1) и «Генрих IV» (часть 2), про которого есть мини-сериал Пустая корона / The Hollow Crown, выпущенный BBC. В этом четырехсерийном трагифарсе под одной "крышей" собраны сразу три пьесы Уильяма Шекспира на "королевскую" тему: "Ричард II", "Генрих IV" (2 серии) и "Генрих V". Первая часть "Генриха IV" показывает нам двух замечательных исполнителей главных ролей - Джереми Айронса и Тома Хиддлстона. Генрих Болингброк (род. в 1366) был старшим из оставшихся в живых сыновей Джона Гонта. Еще юношей он снискал небывалую популярность в Англии: людям импонировала и его репутация бесстрашного воина, и его преданная любовь к жене, Марии Боун. Генриху довелось много путешествовать — он побывал в Литве, Иерусалиме, на Кипре, и повсюду, при всех королевских дворах, его встречали с распростертыми объятиями. Ему удивительно легко удалось свергнуть Ричарда II с английского трона — слишком уж непопулярен был в то время король. Но сразу же после этого перед Генрихом встал куда более трудный вопрос: как сохранить столь легко доставшуюся корону? Ведь, по сути, своей узурпацией он создал опасный прецедент, когда любой сильный аристократ мог изгнать короля и занять его место. Король Англии Генрих IV Болингброк. Период правления Генриха IV характеризовался постепенным улучшением обстановки: беды отступали, страна крепла и набирала силы. Беда в том, что права самого Генриха на английский трон были весьма спорными, ему постоянно приходилось отстаивать свои позиции. Хронически не хватало денег, в 1401 году один из судейских чиновников в отчаянии писал: «В Вашей казне нет денег даже на то, чтоб оплатить посыльных». Несколько раз Генрих собирал парламент, надеясь изыскать дополнительные источники поступления средств. И каждый раз палата общин, прежде трепетавшая перед грозным королем Ричардом, мстительно отвечала отказом, рекомендуя Генриху сокращать государственные расходы. Неоднократно в разных концах страны вспыхивали волнения, но король Генрих успешно им противостоял. Наиболее серьезное восстание произошло в 1403 году, когда валлийский аристократ Оуэн Глендоуэр объявил себя королем Уэльса и захватил замки и земельные владения, расположенные вдоль англо-валлийской границы. Положение резко ухудшилось, когда могущественный граф Нортумберлендский неожиданно принял сторону Глендоуэра. Двадцать первого июня возле города Шрусбери сошлись две армии: одна королевская, другая — под предводительством графа Нортумберлендского. Генрих выиграл это сражение и милостиво сохранил жизнь мятежному графу. Впрочем, его снисходительность вряд ли была оценена по достоинству. Вскоре граф Нортумберлендский снова организовал вооруженное выступление, на сей раз втянув в свою интригу архиепископа Йоркского, Ричарда Скроупа. Генрих IV подавил и этот мятеж, примерно покарав епископа-предателя. Его казнь вызвала шок и смятение у общественности. Когда некоторое время спустя Генриха парализовало вследствие болезни, немедленно поползли слухи о том, что это Божье наказание за смерть духовного лица. Король Генрих IV Болингброк и Жанна Наваррская (королева Англии), Кентерберийский собор. Начиная с 1406 года король почти непрерывно болел, а 20 марта 1413 года он скончался в своем Вестминстерском дворце. Отдавая должное Генриху IV, надо сказать: он успешно прошел все испытания, которые в изобилии случались на его жизненном пути, и сумел передать английский трон своему преемнику. По тем непростым временам это было впечатляющее достижение. Роль постаревшего Генриха IV сыграл один из известнейших британских актеров, лауреат премии «Оскар» — Джереми Айронс. Актер снялся в огромном количестве фильмов, а наиболее известен по роли Гумберта в экранизации «Лолиты» Набокова. Также он играл в таких культовых фильмах, как «Царство Небесное», «Крепкий орешек», озвучивал главного персонажа мультфильма «Король Лев». Принца Хэла, будущего короля Генриха V, сыграл Том Хиддлстон. Популярность ему принесла роль бога Локи в экранизации комиксов «Марвел». Сцена c Генрихом IV и будущим Генрихом V, раскрывающая соперничество двух характеров, принадлежность к двум разным эпохам, разным идеалам, настолько камерна, сокровенна, что заставляет затаить дыхание и мысленно затеряться среди придворной челяди, стоящей поодаль у стены. Сцена размышлений возмужавшего отпрыска над бездыханным телом своего отца во второй части дилогии является одним из тех моментов, когда перед человеком разверзаются ворота вечности, осушая готовые вылиться слезы. На короткий миг само бытие, биение жизни, не связанное с конкретным воплощением в людском обличье, свидетельствует о себе повзрослевшему юноше во всей полноте, протягивая ему нить истории. Отправив в вечный сон отца, провидение инициастически пробуждает дремлющие силы в его потомке. Произведения Шекспира таковы, что они с легкостью позволяют вписать в свои рамки события иных эпох, других культур, превращая его литературное наследие во вселенское достояние. Так вот, Генрих IV любил салат из отварного молодого картофеля и сардин с заправкой из ароматных трав (отмечу, что эта весьма распространенная легенда – явный анахронизм, ведь Колумб открыл Америку лишь в 1492 году). Мария Стюарт. Личность Марии Стюарт* осталась загадкой на века.* Интересно мнение Майи Плесецкой, исполнившей роль шотландской королевы-изгнанницы в балете «Мария Стюарт» Эмилио де Диего, написанном специально для неё в 1988 году и поставленном балетмейстером Хосе Гранеро. В одном из интервью Майя Плeсецкая так отозвалась о Королеве Шотландии: «Считаю ее единственной, самой гениальной женщиной всех времен. Ее судьба привлекает мое внимание не только пленом и трагической гибелью на эшафоте. Ведь головы рубили многим... В ней есть то особое, что выделяет гения. Как известно, она писала дивные сонеты, поэтические письма, вела дневники, увлекалась театром, играла на музыкальных инструментах, в совершенстве владела многими иностранными языками, в том числе итальянским. Она, я повторяю, только она одна в свое время могла прочитать в оригинале новеллы итальянца Банделло, которые впоследствии стали основой, по моей версии, приписываемых Шекспиру знаменитых пьес. Иначе как объяснить факт пропажи огромных баулов со стихами и записями Марии Стюарт в день ее казни, которые она писала на протяжении 18 лет, находясь в заточении. Эта загадка мучает меня». Шотландская королева Мария покоится в великолепной гробнице в южной части капеллы Богородицы. Вестминстерское Аббатство. Вестминстерское Аббатство – является ценнейшими историческими памятниками для Великобритании. Менялись имена правителей, шли столетия, творилась мировая история в здешних стенах, а Аббатство нерушимо возвышалось над всем происходящим. Это наиболее выдающееся британское святилище. Поминальные службы по членам королевской фамилии совершаются и теперь. Рецепт салата от Марии I (урожденной Марии Стюарт), королевы Шотландии (1542-1587) – отваренный корень сельдерея, салат-латук, кервель, трюфеля, вареное яйцо и сливочно-горчичная заправка. Королевские повара, казалось, состязались между собой – доходило до того, что в огромном блюде подавались салаты из 35 ингредиентов, включая такие экзотические, как лепестки роз, настурции, бархатцы и фиалки. На принципиально новый уровень искусство приготовления салатов вышло в 1699 году, когда свет увидела книга англичанина Джона Эвелина “Acetaria: A Discourse of Sallets” (слово “acetaria” в древности означало салатную зелень). В книге, помимо ценной информации о том, как готовить салат (Эвелин рекомендует сбрызнуть, а не вымачивать, зелень холодной водой, обсушить в дуршлаге и заправить оливковым маслом с уксусом, желательно настоянным на цветах и травах, а также солью), содержатся инструкции по выращиванию различных растений, употребляемых в салат, таких, как романо, шпинат, настурция, щавель, кресс, цикорий, сельдерей, фенхель, корн, руккола, и многих других. Книга была создана в виде повествования, обильно пересыпанного цитатами из латыни, греческого и иврита. Отчего такая серьезность в кулинарной книге? Ответ необычен и вместе с тем очень прост: читатели, для которых предназначалась эта книга, не ели салатов! Мудрость, проверенная временем, гласила: цивилизованные люди не едят салатов. Они едят мясо и злаки, оставляя сырую зелень животным и дикарям. Каждый цивилизованный человек знает, что попадая в желудок, зелень начинает гнить так же, как гниет в компостной куче, доставляя человеку множество неприятностей. Джон Эвелин. Именно из-за этого Эвелин, один из образованнейших людей своего времени, член Лондонского королевского общества, привлекал на свою сторону каждый доступный аргумент и каждый возможный авторитет древности, развенчивая мифы и предрассудки. С этого момента салаты медленно, но верно пошли в народ – а книгу, благодаря ее актуальности, печатают и продают даже сейчас. Салат «Цезарь». Последующие века подарили миру новые рецепты салатов: Цезарь, Капрезе, Нисуаз, Оливье Люсьена Оливье (рецепт которого, кстати, полностью так и не был восстановлен) уже стали кулинарной классикой. Но в нашем сегодняшнем меню - французский салат «Нисуаз». Легкий и яркий как средиземноморское побережье. Недаром его название дословно переводится как «Салат из Ниццы» (Salade niçoise). Лазурный берег пестрит ресторанчиками, в каждом из которых есть свой фирменный рецепт салата «Нисуаз». Хотя Ницца стала частью Франции только в 1861 году, так что считать знаменитый салат Нисуаз французским и уж тем более прованским можно только с довольно большой натяжкой. Появился он, судя по всему, где-то на рубеже XIX–XX веков или еще позднее, и достоверно проследить его историю не представляется возможным — столько вокруг него путаницы и противоречивых версий. Говоря об истории происхождения салата Нисуаз, существует версия, что в создании салата принимал участие известный хореограф Джордж Баланчин - великий хореограф грузинского происхождения, положивший начало американскому балету и современному неоклассическому балетному искусству в целом.. Нарисовать творческий портрет Баланчина - это может стать делом многих лет работы. Джорджем Баланчиным он стал в Париже «с легкой руки» Сергея Дягилева, который сокращал на французский манер длинные и сложные для европейского произношения фамилии своих русских артистов. В Америке Баланчин еще стал для артистов и широких театральных кругов мистером Би. Настоящее имя хореографа - Георгий Мелитонович Баланчивадзе. «Баланчин стремился к классической завершённости формы, чистоте стиля, ограничивающегося лишь самым необходимым». Во многих его произведениях практически отсутствует какой-либо сюжет, «основным выразительным средством стало раскрытие симфонической музыки, не предназначенной для танца. Содержание раскрывалось в развитии музыкально-хореографических образов». Джордж Баланчин и Игорь Стравинский, репетирующий «Состязани» в 1957 году. Но подлинный дар Баланчивадзе проявился в сочинении хореографии, и жизнь великого хореографа сложилась почти неправдоподобно удачно. Как в волшебной сказке. В 1924 году Баланчивадзе вместе со своей женой танцовщицей Тамарой Джеверджеевой (Дягилев переделал ее фамилию на «Джева») и еще с двумя танцовщиками Мариинского театра, Александрой Даниловой и Николаем Ефимовым, гастролировали в Германии. Дягилев, который уже слышал и об артистах, и о хореографических успехах Баланчивадзе, пригласил их в свою труппу. С 1925 года и до смерти Дягилева в 1929 году Баланчин поставил для «Русских сезонов» несколько балетов, в том числе знаменитые «Аполлон Мусагет» на музыку Игоря Стравинского и «Блудный сын» на музыку Сергея Прокофьева. Оба эти произведения, перенесенные им позднее на американскую сцену, вошли в сокровищницу мирового балета ХХ века. «И что же Вы, уважаемый, здесь делаете? – спросил однажды Сергея Дягилева король Испании Альфонсо во время встречи с известным антрепренером «Русских сезонов». – Вы не дирижируете оркестром и не играете на музыкальном инструменте, не рисуете декорации и не танцуете. Так что же Вы делаете?» На что тот ответил: «Мы с Вами похожи, Ваше Величество! Я не работаю. Я ничего не делаю. Но без меня не обойтись». Организованные Дягилевым «Русские сезоны» были не просто пропагандой русского искусства в Европе, они стали неотъемлемой частью европейской культуры начала ХХ века и неоценимым вкладом в развитие балетного искусства. Сергей Дягилев. Хотя известно, что Баланчин не был «фаворитом» Дягилева среди хореографов, с которыми он работал, но мэтр уважал своего хореографа. Композитор Игорь Стравинский и Сергей Дягилев. За - то Стравинский ценил работу Баланчина со своей музыкой больше, чем работу Вацлава Нижинского, и их творческий союз продолжался долгие годы. Вацлав Нижинский «Синий бог», 1912 год. Однажды, тогда ставили «Жизель», Вацлав самовольно надел костюм, созданный по эскизу А. Бенуа. Это была реконструкция немецкого костюма XIV в. До того в мужском балете носили широкие шаровары. Увидев неприлично обтянутое трико мужское тело, императрица засмеялась (потом напишут: «...это вызвало смятение в царской ложе». Надо полагать, так оно и было: рядом с императрицей сидел супруг), и Вацлав был изгнан. Артист царского балета не должен вызывать смех. Слова «похоть» произнесено не было. Что было дальше? Дальше князь Львов, покровитель Нижинского, познакомил его с Дягилевым. Последовали «Русские сезоны» в Париже. „В своё время другой великий танцовщик, Вацлав Нижинский (последователем которого Нуриева часто называли), пришёл в Мариинский театр по приглашению Матильды Кшесинской, которая предложила ему стать её партнёром. Нуриеву аналогичное предложение поступило от Наталии Дудинской.“ В 1907 году в труппу Мариинского театра был принят восемнадцатилетний Вацлав Нижинский. Невысокий, всего 160 см, со слишком мускулистыми ногами и лицом фавна, он вышел на сцену, и очень быстро стало ясно, что в театре новый премьер. Нижинский в совершенстве чувствовал стиль и виртуозно перевоплощался. Он был утонченно грациозен. Костюм Леона Бакста для балета "Синий Бог", 1912 год. Париж рукоплескал. Еще несколько выступлений – и по Нижинскому сходил с ума весь мир. Больше того: мир вожделел Нижинского – и тоже стал вести себя вызывающе. Неприлично, нет слов. Но мир не интересовали тогда приличия. Мир интересовал Нижинский. А Нижинский был Фавном. Его интересовали он сам и то, что он делает на сцене. Понимаете? У страсти нет пола. У красоты его тоже нет. Красота, как известно, в глазах смотрящего, а страсть – в душе вожделевшего. Каждый, кто смотрел на Нижинского, видел воплощение собственной страсти. Разве странно поэтому, что публика валила валом? Артист танцевал свою мечту – то главное, что жгло его душу. Люди смотрели и видели души собственные. У нас ведь чертовски много общего. Когда кому-то удается показать это общее, его объявляют гением. А гений творит для себя. Собственно, последнего гения, который не был эгоистом, звали Иисус Христос. Партнерши Нижинского с горькой обидой отзывались о гениальном эгоцентристе: они творили, теряли голову и умирали, не ощущая с его стороны никакой отдачи, никакого взаимодействия. Он танцевал свои роли для себя. Парадокс? Артист ведь не должен так делать, и даже более того: такой эгоцентризм действует самым пагубным образом. Да, это конечно, так». В 1919 году, когда в швейцарском отеле состоялось последнее выступление, Нижинского, ему не было еще и тридцати. Он по-прежнему остался блестящим танцором. Все так же прекрасен был его знаменитый прыжок-полет. Но в его дневнике стали появляться странные рисунки: человеческие глаза. Красные или черные, с непередаваемым выражением безумия, они были нарисованы с таким нажимом, что карандаш рвал бумагу. Кроме глаз, были еще пауки. У них было лицо Дягилева. Нижинский пытается писать стихи, но они безумны. Если в начале текста они, пусть и довольно примитивные, все-таки осмыслены, то чем дальше, тем чаще слова заменяют слоги. Они не имеют смысла, но имеют ритм. Слова «Чувство», «любовь», «Бог» постепенно вытесняют любую мысль и записываются сами по себе, в произвольном порядке. Посреди этого хаоса внезапно прорываются воспоминания: ясные и четкие. Затем опять тьма. На том, последнем выступлении Нижинский в течение получаса сидел на стуле перед публикой и смотрел на нее. Затем сложил два рулона ткани в виде креста. «Сейчас я станцую вам войну, – сказал он, – войну, которую вы не сумели предотвратить». Вскоре Вацлав встретился с Эриком Блейлером – человеком, впервые произнесшим вслух слово «шизофрения». В дневнике Нижинского запись о намерении пойти на эту встречу – последняя. Очень скоро Вацлав был отправлен в Крейцлинген, затем в санаторий Бельвю. Там он провел 30 лет, целиком уйдя в себя. Но это будет потом! А пока... «Русские сезоны» Дягилева! Идея воплотить эти стихотворные строки в музыке «Приглашения к танцу» К. Вебера пришла на ум Жану Луи Водуайе. «Познакомив г-на Фокина с г-ном Готье», он навсегда прославил свое имя в истории балета. Поставленное на одном дыхании, «Видение Розы» с триумфом прошло 6 июня 1911 года в Париже, став подлинным шедевром импрессионизма в танце. Эскиз костюма Леона Бакста для балета "Синий Бог", 1912 Эскиз костюма Леона Бакста для балета "Синий Бог" / Тамара Карсавина, балет "Синий Бог", 1910-е. Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина в балете "Видение Розы". Успеху способствовали декорации и костюмы Льва Бакста, создающие романтическую атмосферу XIX века, и, конечно, исполнители. Тамара Карсавина в пышном белом платье и капоре с лентами представала воплощенной поэтической мечтой, пленявшей сердца одним лишь трепетом сонных ресниц. Вацлав Нижинский в изысканном головном уборе и трико из шелковых розовых лепестков был воистину бесплотным духом, нежным ароматом цветка. Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина в балете "Видение Розы". Еще в 1899 году, будучи чиновником по особым поручениям при директоре Императорских театров, Дягилев увидел выступление Айседоры Дункан и Михаила Фокина. Танцевальные инновации привели Дягилева в полный восторг. Он решил, что традиционной хореографией уже публику не удивить. В 1906 году он привез в Париж выставку русской живописи. В 1909 году Париж увидел и услышал «Бориса Годунова». Перед этим известный антрепренёр объехал Россию в поисках исконно русского стиля в одежде. Кокошники, сарафаны и кафтаны, украшенные мехами, жемчугами и великолепной вышивкой навсегда покорили европейскую богему. Свой вклад в развитие русского стиля внесли эмигранты. Из революционной России в Европу бежали люди, которые, тоскуя по родине, пытались привнести в свою новую жизнь русские мотивы. И вот уже в двадцатых годах 20 века Коко Шанель представила коллекцию, в которой были блузы похожие на косоворотки и гимнастерки солдат царской России. Косоворотки и кокошники вдохновили Жанну-Мари Ланвен на создание коллекции одежды «парижского шика». Мир балета резко изменилась, когда " русский балет де Сержа Дягилева взяли Париж штурмом в театре Шатле в мае 1909 года. Вооружившись новаторской хореографической оригинальность и новаторский подход к использованию сотрудничающих художников "русский балет произвел некоторые из самых значительных балетных шедевров ХХ века. То, что было представлено на сцене театра Шатле в период первых парижских сезонов, поражало своей экзотичностью! Афиша "Русских сезонов" в 1909 году. Изображена балерина Анна Павлова. «Русские сезоны» в Севилье, 1916 год. Михаил Фокин в костюме "Голубой птицы", балет "Спящая красавица". В разное время над их реализацией работают такие художники, как Андре Дерен, Пикассо, Анри Матисс, Хуан Миро, Макс Эрнст и другие художники, композиторы Жан Кокто, Клод Дебюсси, Морис Равель и Игорь Стравинский, танцоры Серж Лифарь, Антон Долин и Ольга Спесивцева. И даже Коко Шанель создавала костюмы для балета «Аполлон Мусагет», где солировал Серж Лифарь. Серж Лифарь и Сергей Дягилев. Ольга Хохлова, Пикассо, Мария Шабельская и Жан Кокто в Париже по случаю премьеры балета "Парад", 18 мая 1917 года. Пикассо с помощниками расписывает занавес к балету Парад. Париж, 1917 год. "При появлении большого опускного занавеса, сопровождавшемся мрачной музыкой, написанной Сати для увертюры, из груди собравшихся вырвался вздох удовлетворения и облегчения. Аудитория, ожидавшая поругания и скандала, вместо этого оказалась изумленной тем фактом, что, как выяснилось, изобретатель кубизма представил им нечто вполне поддававшееся их пониманию. Сюжет занавеса наводил на мысль о вечеринке, организованной за кулисами, с участием арлекинов, клоунов и прочего циркового народа протокубистических времен, который развлекается в счастливом и спокойном настроении. Большая белая кобыла с крыльями, крепящимися с помощью подпруг, неторопливо облизывает своего жеребенка, в то время как тот тянется к ней в поисках молока. Балерина с многообещающими крылышками, балансирующая на спине лошади, пытается достать обезьянку на ярко расписанной полосатой лестнице. На переднем плане — знакомые цирковые предметы: шар для упражнений акробата, барабан; рядом лежит спящая собака, а вдали, за шапито, — романтичный ландшафт, образованный разрушенными арками. Цвета, главным образом зеленых и красных тонов, словно напоминают о нежном меланхолическом освещении, в котором лет десять назад являлись зрителю комедианты." Пабло Пикассо. Занавес к балету Парад, 1917 год. Пабло Пикассо. Программка балета Парад с рисунком Пикассо, 1917 год. Персонажи двух «управителей»-зазывал, французского и американского. "По мере того как балет подходил к концу, растущий гнев зрительного зала выражался возмущенным рокотом и гамом. Парижская интеллигенция форменным образом рассердилась, посчитав, что ее сделали жертвой фарса, поставленного на сцене лишь затем, чтобы она выглядела смешной уже из-за того, что высидела до конца этого издевательства. По адресу актеров раздавались выкрики «Продажные боши!» (самое грязное из всех возможных оскорблений в тогдашней атмосфере военного времени, царившей в Париже). Вся публика, настроенная хуже некуда, вскочила на ноги, угрожая антрепренеру, постановщику, а также Пикассо и его друзьям. Однако ситуацию спасло присутствие Аполлинера. Черная повязка на голове и Croix Guerre («Военный крест») требовали к себе уважения. Патриотизм и сентиментальные чувства в конце концов возобладали над убежденностью аудитории, что ее здесь оскорбили. Когда буря улеглась, Пикассо и Кокто, успокоившись, со смехом вспоминали странное заявление одного из зрителей своей жене: «Если бы я знал, что это такая ерунда, я бы привел детей!» Большинство критиков разнесли спектакль в пух и прах. Авторы балета отнеслись к этому философски, за исключением Эрика Сати, о котором журналист Жан Пуэй написал, что Сати недостает одновременно «изобретательности, ума и искусства композитора». «Парад» оказался весьма важным событием в деле роста и распространения нового духа в искусстве. Аполлинер написал вступительное слово к программке балета, озаглавив его «Парад и новый дух», где этот балет описывался с нескрываемым энтузиазмом и много говорилось о нем как о символическом рассвете, знаменующем начало новой эры. Высказывалась надежда, что модернистское движение, доказывающее свою состоятельность пережить разруху и беды, вызванные войной, скоро расцветет пышным цветом и породит новые чудеса. Аполлинер утверждал, что удивительный сплав сценографии Пикассо и хореографии Мясина произвел на свет своего рода реализм высшего качества (сюрреализм), который и возвещает пришествие Нового Духа." Несмотря на гвалт, сопровождавший первое представление, Дягилев ставил «Парад» снова и снова. С каждым очередным показом балет вызывал все большее уважение зрителей и критиков, но общее количество спектаклей оказалось небольшим. Он так и остался в истории искусства балетом для элиты и знаком победы, которую одержал авангард в своей батальной кампании.» Пикассо и Ольга Хохлова перед афишей балета Парад. Париж, 1917 год. «Оставляй на завтра только то, что не жалко оставить недоделанным после своей смерти. Искусство - это волшебство, помогающее переносить муку повседневности. Жизнь продлевают только работа и женщины. Мне нравится жить бедно... но с кучей денег в кармане. Плохие художники заимствуют. Хорошие художники крадут. Хороший вкус - худший враг творчества. Искусство - это ложь, ведущая к истине. И среди людей копий больше, чем оригиналов. Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц? Все имеют право меняться, даже художники. Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно, но есть и другие, те, что своим искусством и своим разумом превращают желтое пятно в солнце.» (Пикассо) Три самых ранних балета: "Жар-птица"* (1910), "Петрушка" (1911), и "Весна Священная" (1913) произвели фурор.* Вера Фокина в роли царевны в балете "Жар Птица", Русские сезоны, 1910 год. Тамара Карсавина — Жар-птица. Балет «Жар-птица», 1910 год. Интересный факт о балете «Жар-птица»: «Жар-птица» - первый балет на русскую тему в антрепризе Сергея Дягилева. Постановщик (балетмейстер) и исполнитель главной мужской партии - Михаил Фокин. Понимая, что Париж надо "угостить" чем-то исконно-русским, он проанонсировал это название еще в афише первого сезона в 1909 году. Но балет не успели поставить. Ловкий импрессарио занялся подтасовкой - хотя на афише было заявлено "Жар - птица", на сцене исполнялось pas de deux принцессы Флорины и Голубой птицы из балета "Спящая красавица", неизвестное парижанам, притом в новых ориентальных костюмах Леона Бакста. Лишь год спустя в Париже появилась настоящая "Жар-птица" - первая балетная партитура Игоря Стравинского, прославившая имя тогда начинающего композитора за пределами России.Вера Петровна Фокина. Ненаглядная Краса ("Жар-птица", 1910). Михаил Фокин и Тамара Карсавина в балете "Жар - птица", 1912 год. Леон Бакст (Лев Бакст). Эскиз костюма к балету «Жар-птица», 1910 год. Лев Самойлович Бакст "Автопортрет". Родился Лев Самойлович Бакст (Лейб Хаим Израилевич Розенберг. Псевдоним — сокращенная фамилия бабушки, Бакстер) - 9 мая 1866 года в Гродно. Старший сын в семье гродненского талмудиста. Детство его прошло в Петербурге, где жил дед, "парижанин Второй империи", любивший светскую жизнь и роскошь. В 1891 году художник взял фамилию - стал Бакстом. Родители, естественно, против всяких художеств. Но у Льва Самойловича был волшебный дедушка. Он поставлял сукно в русскую армию, разбогател, перебрался в Петербург и перевез туда свою дочь с семьей. Богатый дом дедушки производил на Льва сильное впечатление. Дедушка был театралом и приобщал к прекрасному внука, а его рисунки отослал на суд Антокольскому, после чего мальчику разрешили учиться на художника. Еще мальчиком он увлеченно разыгрывал перед сестрами придуманные и поставленные им самим пьесы, а в двенадцать лет вышел победителем в гимназическом конкурсе на лучший портрет В. Жуковского. Однако отец не понимал увлечений сына, и долгое время мальчику приходилось рисовать тайком или по ночам. Наконец, чтобы разрешить сомнения, рисунки Бакста послали в Париж скульптору Марку Антокольскому, а тот рекомендовал ему учиться дальше. В 1883 году Лев поступил вольнослушателем в Академию художеств, где учился у Чистякова, Венига и Аскназия. Проиграв в конкурсе на серебряную медаль, Бакст покинул Академию и через некоторое время, подружившись с Альбертом Бенуа, увлекся акварелью. Потом дедушка умер, родители развелись, но Лев к тому времени уже был вольнослушателем в Академии художеств (евреям нельзя было числиться нормальными студентами), как раз вместе с Валентином Серовым. Бакста, по воспоминаниям современников, отличала легендарная незлобливость. В многочисленных мемуарах он фигурирует не иначе как Левушка: рассеянный, улыбающийся, говорящий невпопад, при этом сноб, эстет, обладатель большой коллекции шелковых галстуков. Рассеянность не мешала ему пронзительно понимать людей, когда он писал их портреты. С портретов, созданных на рубеже веков, началась его известность. В 1893 году он поехал в Париж, где около трех лет занимался к студиях Ж.Л. Жерома и Р. Жюльена, а потом у финского художника Эдельфельта. Ближе всего молодому Баксту было творчество французских романтиков и импрессионистов. Повторяя путь своего кумира - Делакруа, он даже поехал в Алжир, после чего появились произведения, где начало выявляться стремление художника к декоративизму. Бакст много работал и, по его словам, "изнемогал от неизвестности". Хотя его ценили. Игорь Грабарь, например, отмечал, что Бакст "свободно владеет рисунком и имеет все задатки колориста...". Бакст Лев «Голова девушки в русском костюме» 1894 год. В 1889 году несколько молодых людей создали кружок самообразования, который позже стал ядром художественного объединения "Мир искусства". Во главе его стоял Александр Бенуа, а среди членов были Дмитрий Философов, Вальтер Нувель, Константин Сомов и другие. Бакст был среди них старшим и единственным, кто имел профессиональное образование. Однако он всегда чувствовал себя среди молодых "мир искусников" очень свободно, ходил на организованные Альфредом Нуроком "Вечера современной музыки", увлекался творчеством Обри Бердслея, Теофиля Стейлейна, Пюви де Шаванна, Беклина и других. Представителям русского "модерна" особенно близка была немецкая и североевропейская школы. Когда Дягилев попросил Бакста оформить помещения, снятые им для своей антрепризы, Бакст, прежде всего, обратил внимание на цветовое решение, сочетая свои излюбленные зеленые и голубые тона, театрализовал, стилизовал интерьеры. Сотрудничал Бакст и с сатирическими журналами первой русской революции, например, с такими, как "Зритель", "Жупел", "Сатирикон". Многие годы он работал вместе с Дягилевым, который пригласил его оформлять "Русские балеты в Париже". В 1906 году Бакст написал портрет Дягилева с няней. В этом же году появились портреты Гиппиус, Сомова и других. В 1900 году Бакст написал целую серию парадных женских портретов, после чего стал довольно модным портретистом. Л.С. Бакст. Портрет графини М.А. Келлер. 1902 год. Когда Елизавета Званцева, которая училась сначала в Петербургской академии художеств у Чистякова и Репина, а потом в Париже - в академиях Жюльена и Коларосси, организовала частную художественную школу, она пригласила преподавать туда и Бакста, который стремился к тому, чтобы каждый из его учеников вырабатывал свой особый стиль. Бакст "учил так, как иногда учили плавать, бросая в воду и предоставляя выкарабкиваться самому". Именно Бакст первым оценил незаурядное дарование Шагала. Все "мирискусники" страстно любили театр. Летом 1910 года Бакст отправился в Париж, чтобы работать над декорациями спектаклей дягилевских "Русских сезонов". Однако свою работу в театре Бакст начал еще в 1900 году, сделав эскизы декораций и костюмов к спектаклю "Сердце маркизы". Позже он оформил спектакль "Фея кукол". Особый восторг современников вызывали сделанные Бакстом эскизы костюмов. "Русские сезоны" Дягилева в Париже - это очень целостные сгармонизированные балетные спектакли, над которыми работало немало людей. В 1909-1914 годах Бакст оформил двенадцать спектаклей дягилевской антрепризы. Как вспоминали современники, "в свое время Париж был подлинно пьян Бакстом", точнее, оформленными им "Клеопатрой", "Нарциссом" и другими спектаклями. Их красочную композицию во многом определяли разноцветные костюмы героев, над которыми Бакст работал вместе с балетмейстером. Сцена балета «Нарцисс», 1911 год. Леон Бакс. Костюм к балету «Нарцисс», 1911 год. Леон Бакс. Костюм к балету «Нарцисс», 1911 год. Леон Бакс. Костюм к балету «Нарцисс». Г.А. Розай - беотиец. 1911. Балет «Нарцисс» / Бакст Лев. 1866-1924. Эскиз костюма беотийца. Около 1911. Балет «Нарцисс». Открытием нового, экспрессионистического балета можно считать совместную работу Бакста и Вацлава Нижинского - балет К. Дебюсси "Послеполуденный отдых фавна". Здесь образ строился с помощью сопоставления цветовых пятен. Леон Бакс. Афиша к спектаклю "Послеполуденный отдых фавна". Очень интересно были оформлены и такие романтические балеты, как "Карнавал", "Бабочки", "Видение розы". Тамара Карсавина в партии Коломбины. Балет "Карнавал", 1910 / Леон Бакс. Михаил и Вера Фокины в балете "Карнавал". Михаил Фокин позирует в роли Арлекина в балете "Карнавал", Русские сезоны, 1911 год. «Русские Балеты», "Шехерезада". Афиша. Михаил Фокин вместе со своей супругой Верой Фокиной, на которой он женился в 1905 году, в балете "Шехерезада" 1914 года. Леон Бакс. Декорации к балету "Шехерезада" 1910 год. Парижане были покорены пряными ароматами Востока, которые веяли от прозрачных тканей, расшитых золотом и серебром, турецких шароваров, тюрбанов с разноцветными перьями: "Поражал вызывающий контраст ярко-зеленых занавесей и оранжево-красной плоскости пола, устланного ковром. На зелени свисающих тканей сверкали золото и чернь персидского орнамента. Как пламя горел и желто-красный костюм главного евнуха, и оранжевые шаровары танцующих перед шахом одалисок..." Т.П. Карсавина — Зобеида, СЛ. Григорьев — Шах Труппа «Русский балет Дягилева». 1913-1915 Балет «Шехеразада». Леон Бакс. Костюм к балету "Шехерезада" 1910 / Вацлав Нижинский в роли раба в балете Шехерезада, Русские сезоны, 1911 год. Леон Бакс. Декорации и костюмы к балету "Шехерезада", 1910 год. Последний раз редактировалось djuka, 27.10.2025 в 10:33.