Театральный калейдоскоп

История театрального искусства, интересные факты

Театр – это необычное явление, которое в одно мгновение переносит в таинственный мир. Что это, на самом деле, магия, фантазия, перемещение во временном пространстве? Театр – всегда завораживающее представление, как для актерской труппы, музыкального сопровождения, хореографов, так и для зрителя. Проживая сотни ролей, чувствуя огромное количество эмоциональных переживаний, все передается поклонникам, перенося их в другое измерение.
Театр является одним из старейших видов искусства.
Театр многогранен, театр имеет свою историю и традиции. Когда-то именно театр был самым зрелищным мероприятием, именно для его сцены писались лучшие произведения, декораторы готовили оригинальное оформление.
И сейчас никакие спецэффекты не смогут сравниться с актерским мастерством и талантом

Путеводитель по теме

Cкрытый текст -

 

-

Весь мир – театр, а люди в нем актеры
Уильям Шекспир

Зачатки театрального искусства существовали еще в первобытном обществе, до появления ранних цивилизаций. Зарождение театра произошло из древних ритуальных праздников, в эмблематической форме изображающих явления в природе или рабочие процессы. Но по мнению искусствоведов театр начался тогда, когда появился зритель, ведь он представляет из себя не только коллективное творчество и создание произведения, а также и коллективное восприятие и оценку. Своей главной цели театр достигает в том случае, если произведение было воспринято в обществе и получило его оценку. Театральное искусство как таковое возникло и на Востоке, и в Древней Греции и Риме, а затем продолжило развиваться в средневековой и ренессансной Западной Европе и России.
Разнообразные зрелища и действа существовали с глубокой древности. Это обусловлено разными обстоятельствами. Во-первых, это потребность в отдыхе, во-вторых - познание и открытие себя, мира, человеческой души, в-третьих - манипуляция общественным сознанием. Художественное отражение реальной действительности совершалось с помощью драматического действия. Взаимодействие характеров, раскрытие психологических или общественных конфликтов, попытка привлечь зрителя к участию в реализации замысла - вот что лежит в основе театрального действия.Исторические предпосылки формирования театрального действа появляются в первобытный период. Как правило, эти обряды сопровождались заклинаниями, пением, танцами, игрой на древних музыкальных инструментах. В ритуалы включали и различные инсценировки, напрямую связанные с жизнью племен. Важная роль отводилась атрибутам и одеянию колдуна или шамана, которые тоже создавали звуковые эффекты, усиливая воздействие на зрителей и участников действа. Праздники с элементами театрализации устраивались в честь богов, которые отождествлялись с силами природы, природными явлениям и стихиями. Так появились первые представления, носящие театральный характер.

Все представление было направлено на вовлечение большого числа людей, все становились участниками происходящего. Массовость происходящего зависела от назначения действа, т.е. это были обряды и ритуалы, обращенные к богам, - предполагалось, что боги все видят и включены в происходящее. Первобытные представления, как правило, совершались жрецами, которые, как считалось, были наделены магической силой и могли просить милости у богов: удачной охоты, дождя во время засухи и т.п. Некоторые жрецы "вступали в контакт" с божествами прямо во время совершения обряда или ритуала. Так создавалось ощущение избранности, которое нашло отражение не только в произведениях театра, но и наскальной живописи, запечатлевшей все происходящее. Появилось понимание своего рода "профессионализации" некоторых элементов театрального представления. Казалось, что доказать свое признание богам можно было с помощью совершенствования диалога или монолога. Таким образом, первыми "профессионалами" архаичных театрализованных форм были жрецы и шаманы. Позже их сменили плакальщики, певцы, танцоры. Они прославляли древних египетских, греческих, римских, славянских богов: Осириса, Диониса, Астарту, Ваала, Сатурна, Ярилу, Коляду и других.

Жрецы и шаманы, осознав воздействие обрядов и ритуалов на общество, шлифовали свое мастерство, завоевывали власть и авторитет, и ритуальные действия с театрализацией стали использоваться жрецами как важнейшее средство для управления общественным мнением и поддержания порядка. Постепенно начинают формироваться функции театра: социальная, религиозная, идеологическая. Это достигалось за счет большого количества участников обряда и высокой степени эмоциональной включенности в него каждого члена коллектива. Возникает потребность в иных видах искусства (наскальная живопись, мелкая скульптура - фигурки Матери-земли, тотемных животных и т.д., костюмы или одеяния участвующих в обряде), которые обогащали театрализованные действа и помогали создавать эффект массового переживания. Поэтому давно распространено мнение, что театр является мощным средством манипуляции общественным сознанием, с помощью которого внушаются политические, правовые, социальные и другие идеи.

Но чаще всего приоритетное место занимает развлекательная функция театра. При этом развлечение, как правило, имеет скрытый подтекст и иногда отвлекает от насущных проблем в обществе. Достаточно вспомнить лозунг римской черни эпохи императорской власти: "Хлеба и зрелищ" (лат. рапет et circenses). Театр широко использовался властными структурами для достижения своих целей. К тому же театр не просто развлекал, но и приносил доход. В Риме продавались билеты, сделанные из кости. Была завершена постройка театра Марцелла (13 г. до н.э.), который был очень удобен для зрителей.

На происходившее на сцене публика реагировала бурно, выражая одобрение или негодование возгласами и криками. За плохую актерскую игру могли и покалечить.

Важно отметить, что ритуалы и обряды имели тесную связь с художественной составляющей любого представления. Они выступали основой культа, праздника, и как результат всего этого - театрального действа. И хоть прослеживается взаимосвязь ритуала или обряда со всеми видами искусства, именно театр как один из древнейших видов искусства смог сохранить ту форму ритуального построения действия, которая характерна только для него.

Тесное взаимодействие театра и ритуала можно наблюдать во всех театральных системах древности, но присутствие магии было в те времена обязательным. Ритуал мог осуществляться без помощи театральных зрелищ, просто эффект восприятия усиливался, когда они гармонично сосуществовали. Театральное действо, в зависимости от назначения, имело государственное значение, поскольку невыполнение обязательных ритуальных схем грозило бедой для народа. Исходя из этого, позже стали разделять зрелища на ритуальные и развлекательные.

Появление первых трагедий также имеет основой ритуальные действа. Сознание человека было тесно связано с природой и ее возможностями. Многочисленные культы давали повод для размышления в этих представлениях. В них демонстрировалась жестокая судьба героя, который не подчинялся законам природы или пошел против них. Вес природные стихии были населены духами и божествами, которые в той или иной степени присутствовали в театральных зрелищах. Вовлечение в происходящее зрителя стало как бы предтечей развития представления трагедий в Греции. Ни одна постановка не обходилась без ритуального или магического обряда.

Сценическое действие, возникающее в разные эпохи, имело общие основания. Магические и ритуальные формы набирали масштаб даже тогда, когда возникли первые государства Востока. Самые ранние попытки создания профессионального спектакля осуществлялись на религиозной почве и выросли до литургических драм, трагедий, комедий, фарсов, мистерий. В античности развивались театры со своими традициями, новаторскими идеями, техникой для сцены. Интересные формы зрелищ формировались в государствах Древнего Востока, в Индии, Китае, Японии. В Западной Европе в Средневековье театральное творчество распространялось бродячими актерами, во Франции это были трубадуры и труверы, в Германии - миннезингеры, в Англии - менестрели, в России - скоморохи, но следует сказать, что с XI в. их представления подвергались запретам со стороны православной церкви.

Театр Средневековья освещал чаще всего религиозную проблематику. Ярким примером профессионального театра по праву считается итальянская народная комедия масок - комедия дель арте (XVI-XVII вв.). Возникшая в Италии в эпоху Возрождения "ученая комедия" породила научный и литературный подход к сценическому произведению. В эпоху Возрождения театр становится стационарным, в крупных культурных центрах строятся специальные помещения, предназначенные для драматических постановок. С этого времени театр стремительно развивается во всех странах мира. Он становится местом и средством развлечения, захватывает массы в свой круг, появляются драматурги и режиссеры, актеры и великие произведения.Новое время требовало новых подходов к подаче драматического действия: поэтика классицизма и барокко тесно связывается с театром, важным аспектом становится постоянное обращение к теоретическим трудам Аристотеля и Горация. Идеологический аспект находит прямое отражение в спектаклях того времени. В эпоху Просвещения публика театров становится демократичной, появляется новая плеяда писателей-драматургов и теоретиков театра - Вольтер и Дидро во Франции и Лессинг в Германии. Возникает новая идеологическая доктрина театра. До появления киноискусства театр будет сохранять устойчивое положение.

Пристальное внимание к театру будет сохраняться до Второй мировой войны. Но с появлением кинематографа театр вынужден был потесниться. Театр зачастую становится интересен профессионалам и поклонникам-театралам, в меньшей степени - обычному зрителю. В настоящее время интерес к театру возродился, и причиной нового расцвета театрального искусства можно считать новаторский подход режиссеров, художников-оформителей к классическому репертуару, а также появление ультрасовременных постановок, которые привлекают внимание молодежи. Многочисленные театральные фестивали собирают огромное число не только специалистов и теоретиков театра, но и обычных зрителей.

История театра тесно связана с историей государств, поэтому главными источниками информации о театре являются исторические, теоретические труды и мемуары, в которых отражены вехи развития театрального искусства. Во все времена театр был неотъемлемой частью культурной, общественной и политической жизни. Каждый этап в истории театра связан с именами знаменитых авторов, создавших шедевры, которые составляют гордость театрального репертуара и по сей день. Но искусство театра сиюминутно, и потомки могут только из литературных источников узнать о шумном успехе тех или иных постановок, об игре выдающихся актеров прошлого.
По материалам из сети

• Трагедия считается королевой театра. Она возникла из хоровой песни, которую распевали сатиры, изображавшие спутников греческого бога виноделия Диониса. А поскольку сатиры были одеты в козлиные шкуры, слово «трагедия» дословно переводится как «песнь козлов».
  
• Для спектаклей прошлых лет, было достаточно и одного актера. Он менял маски и играл сразу нескольких героев. Из - за больших размеров театра, разглядеть выражение лица артиста было практически невозможно, и маски легко решали эту проблему

• Не только в древности были большие театры. Национальный театр в Пекине представляет собой купол из стекла и титана, выполненный в форме эллипса. Его общая высота- 46 метров. Огромное сооружение в 22 этажа, вмещает в себя 5500 зрителей. Вход в театр находится под водой, на глубине 8 метров и представляет собой тоннель со стеклянной крышей. Это сделано для того, чтобы попав под воду и проходя по этой галерее, человек избавлялся от груза забот и погружался в мир прекрасного

• В Американском штате Вирджиния есть уникальный «Бартер театр», куда за вход можно расплатиться продуктами питания.
  
• Древнеримская публика любила кровавые зрелища не только на гладиаторских боях, но и на обычных театральных представлениях. Если по ходу действия актёр должен был погибнуть, его могли в последний момент заменить на приговорённого к казни преступника и убить прямо на сцене.
  
• Современные сотнесериальные фильмы — не изобретение нашего времени. На Сицилии есть кукольный театр, в котором спектакль длится целый месяц! А в древности бывали и такие представления, которые шли в течении года.

-Барбикан-центр

• Летом прошлого года в английском театре Барбикан ежедневно вечером играли уникальный спектакль, который назывался – «колыбельная». Зрителям предлагали лежать на кроватях вместо кресел. Ведь задачей спектакля являлось погрузить их в сон. Так же в программе имелся утренний завтрак.
  
• Самый древний вид театральных представлений – пантомима. Это искусство зародилось ещё в античности. Современная пантомима это спектакль без слов.

• Большое внимание в одном ионийском театре уделялось возможности аплодировать. Для этого все однорукие зрители (как правило, воины, потерявшие руку в бою) собирались в одном месте и перед ними сажали лысых рабов, по голове которых и могли стучать одной рукой инвалиды.
  
• Англичанин Гораций де Вир Коул прославился как знаменитый шутник. Одной из лучших его шуток стала раздача билетов в театре. Раздав строго определённые места лысым мужчинам, он добился того, что вместе эти лысые черепа с балкона читались как бранное слово.

• Знаменитый японский театр «кабуки», где все роли, даже женские, играют мужчины, основала именно женщина. Её звали Окуни и она была служительницей святилища в 17 веке. Она и другие женщины исполняли тогда все роли, в том числе мужские. Однако вскоре руководству страны не понравилась безнравственная атмосфера, часто царившая на таких представлениях, и женщин в театре кабуки заменили юношами, а впоследствии зрелыми мужчинами. В наше время традиции уже не столь сильны, и в некоторых труппах женские роли стали снова исполнять женщины.

• Суфле и суфлёр имеют мало общего между собой, но оба слова происходят от французского «souffle» (выдох, дуновение). Суфле названо так потому, что оно лёгкое и воздушное, а суфлёр — потому что он должен подсказывать актёрам очень тихо.
  
• На одном из одесских кладбищ есть могила актёра М.Н. Митрофанова с надписью на плите: «Много раз мне случалось играть покойников, но никогда я не играл их столь мастерски».

• Комедийный театр Teatreneu в Барселоне внедрил новую систему платы за смех. В спинки кресел в зрительном зале вмонтированы планшеты с установленной программой по распознаванию мимики. Каждая зафиксированная улыбка стоит 30 евроцентов, а максимальная стоимость представления установлена в 24 €, то есть после 80-й улыбки можно смеяться бесплатно. Система понравилась как зрителям, количество которых увеличилось, так и администрации театра, чьи доходы выросли.
  
• В июле 2011 года в лондонском театре Barbican каждый вечер устраивали необычный театральный перформанс под названием «Колыбельная». Зрителям предлагалось вместо сидения в креслах лежать на одно-, двух- и трёхспальных кроватях, а главной целью шоу было расположить людей к хорошему сну. Утренний завтрак также входил в программу представления.

• Самая необычайная символика театра – это часы на фасадной части театра кукол, имени Образцова в Москве. Каждые 60 минут двери возле циферблата отрываются и под мелодию «Во саду ли, в огороде» можно увидеть 12 животных.

• Древнегреческий драматург Фриних, представив народу свою пьесу о разорении греческого люда, очень расстроился. Она настолько огорчила зрителей, что весь театр разорился слезами. В наказание драматурга отправили на суд, выдвинули штраф и запретили поставку пьес.

• В классические времена Афин просмотр театральной постановки трагедии был обязателен для всех жителей Афин, кроме рабов.
  Поэтому на представлении собирался весь город. Неимущим платили компенсацию за незаработанные в это время деньги. Когда лица, ведавшие постановками, стали взимать плату за вход, правительство Афин также начало выплачивать эти деньги гражданам. А вот на постановки комедий порядочных женщин не пускали, разве что гетеры могли находиться в театре на представлении комических произведений.
  
• Существует театр жестокости. Но стоит отметить, что там не увидеть пыток и насилия. Там все представления построены на определенных жестах и нечленораздельных звуках.

• Римский драматург Андроник играл все главные роли в собственных постановках. Как то, сорвав голосовые связки, он доверил исполнение всех музыкальных ролей мальчику, стоящему позади него, а сам только изображал пение. Это, пожалуй, было первым использованием фонограммы перед зрительской аудиторией.
  
• Фраза «Финита ля комедия» первый раз прозвучала еще в Риме. Ею актеры завершали представление.
  После того, как Бианконелли, известный итальянский комик «провалился» с показом веселого пантомима, где в руке он держал бутылку, впервые прозвучала фраза – «фиаско», что в переводе с итальянского означает «бутылка», а сегодня известно как «неудача», «провал».

Венецианские карнавальные маски - это персонажи итальянской Комедии дель Арте, особого вида уличного театрального представления, зародившегося в Италии в 16 веке.

Арлекин, Коломбина, Пьеро, Пульчинелла и другие персонажи, каждый из которых отличался определенным характером, стилем поведения и манерой одеваться, развлекали своими представлениями жителей городов, пользовались невероятной популярностью и на несколько веков стали народными любимцами.

Поэтому один раз в год, во время знаменитого венецианского карнавала, каждый желающий поучаствовать в завораживающей феерии обзаводился собственной маской одного из героев и, скрыв от окружающих свое истинное лицо, погружался в пучину безудержного многодневного веселья

В настоящее время карнавальные маски - один из всемирно известных символов Венеции.

Каковы традиционные венецианские образы?
Это, несомненно, Кот, Гражданин, Доктор Чума, Баута, Венецианская Дама.
Процесс изготовления венецианской карнавальной маски внешне прост.

Берется гипсовая форма, смазанная вазелином, и заполняется изнутри слоем папье-маше, приготовленного по особому рецепту. Полученная заготовка высушивается и отшлифовывается, затем в ней вырезают отверстия для глаз. После этого приступают к декору.
Маски нередко покрывают слоем специальной краски, чтобы они выглядели как старинные. Украшение поверхности – это зачастую медленный и кропотливый процесс, с использованием акриловых красок, золотой и серебряной фольги, эмали, лака, дорогих тканей, стразов, перьев, бисера… здесь все зависит от фантазии художника. Некоторые экземпляры настолько красивы и искусно выполнены, что их боязно надевать.
Цены на такие шедевры часто поражают воображение не меньше, чем их внешний вид.

К классическим маскам, не связанным с театром, относятся:
Баута (Bauta) - одна из самых популярных венецианских масок.
Она появилась в 17 столетии и служила эффективным прикрытием для представителей любого сословия и пола. Несмотря на свой жутковатый вид, пользовалась особой любовью народа, который носил ее в сочетании с длинным черным плащом, скрывающим фигуру, и треугольной шляпой - tricorno .

Происхождение названия неизвестно (по одной из версий, оно связано с итальянским словом ” bau ” или ” babau ”, обозначающим вымышленное чудище, которым пугали маленьких детей (что-то вроде нашего Бабая или Буки).
Баута считалась идеальной маской и для высокопоставленных особ, которые любили анонимно ходить «в народ». Интересно, что нижняя часть ее была устроена таким образом, что человек мог есть и пить, не обнажая лица. Баута не имеет ни пола, ни возраста, ни веры, ни сословия.
Надеть баутту - это отречься от назойливой индивидуальности, отказаться от собственного лица, освободиться от норм морали. На вопрос «кто это сделал?» Баута отвечает: «Маска…»
К маске был прикреплен кусок черного шелка, совершенно закрывавший нижнюю часть лица, шею и затылок и придававший всему облику наряженного таинственный и немного жуткий оттенок. На голову надевалась треугольная черная шляпа, отделанная серебряным галуном. При баутте носили белые шелковые чулки и черные туфли с пряжками.
Эта маска была чрезвычайно популярна среди венецианцев, и они были готовы заплатить большую сумму, чтобы иметь самые лучшие кружева и ткани самого высокого

Венецианская маска «Кот»

Маской Кота венецианский карнавал обязан старой забавной легенде.
В ней рассказывается, как некий бедный китаец приехал в Венецию со своим старым котом. Кошек в городе не водилось, зато мышей было в преизбытке. Голодное животное набросилось на добычу и в несколько дней освободило островную республику от грызунов. Дож настолько обрадовался, что одарил китайца несметными сокровищами и отправил домой с большим почетом. Чудо-животное осталось во дворце, на случай будущих нашествий.
Другой бедный китаец, увидев такое дело, решил, что если даже за кота наивные венецианцы готовы выложить столько денег, то за шелк и прочие «приличные товары» он получит от них сторицей. Китаец залез в долги, накупил товаров и отправился в край непуганых идиотов. Дож потерял дар речи при виде новых товаров из Китая, а когда обрел, пообещал отдать за них самую большую свою драгоценность. Ударили по рукам.
Кот уехал В Китай назад)

Вольто (Volto).

Также известна под названием Гражданин (Citizen), поскольку ее носили в дозволенные дни рядовые горожане. Вольто – наиболее нейтральная из всех масок, копирующая классическую форму человеческого лица.
Она крепилась к голове лентами (у некоторых вольто вместо тесемок на подбородке имелась ручка).

Венецианская Дама (Dama di Venezia)

очень элегантная и изысканная маска, изображающая знатную венецианскую красавицу эпохи Тициана - нарядную, увешанную драгоценностями, с замысловато уложенными волосами.
У Дамы есть несколько разновидностей: Либерти, Валери, Саломея, Фантазия и др.

Моретта

Самая загадочная, самая романтичная маска «SERVETTA MUTA» (немая служанка), но более привычное название - «МORETTA» (Моретта, смуглянка).
А в народе её называли «ОТРАДА МУЖЕЙ», так как на месте рта у маски изнутри был небольшой шпенек, который приходилось зажимать зубами, чтобы маска держалась перед лицом, - по словам Казановы, такие маски делали женщин загадочными, а главное... молчаливыми.
Это был овал чёрного бархата. Название, скорее всего, происходит от «мавр», который в венецианском значит чёрный цвет. Этот чёрный великолепно подчёркивал благородную бледность лица и красный венецианский цвет волос. Недаром эту маску так любили дамы высшего сословия.
Маска новолуния, маска обманчивой женской покорности и затаенного мужского страха. Маска молчаливой менады из мягкой кожи или бархата. Маска Гекаты. Маска ночной стреги, которая вечную Диану-девственницу могла превратить в алчную черную Венеру. Таинственная незнакомка, скрывающая свои лицо и голос… Возможность общаться только жестами… Загадочность и обольщение... В наши дни маску моретты делают только на заказ.
В магазинчиках, торгующих масками «маску молчания» не сыскать

Самая жуткая маска карнавала – Доктор Чума.
Она появилась не для развлечения.

Эпидемии чумы не раз охватывали Венецию и, за счет большой плотности населения, уносили множество жизней. Единственные люди, хоть как-то боровшиеся с болезнью, – доктора для личной безопасности надевали на лицо длинноносые маски.
Считалось, что эти «клювы» с помещенными в них ароматическими веществами могут защитить их от заразы.
С той же целью поверх обычной одежды врачи носили темные длинные плащи из льняной или вощеной материи, а в руки брали специальную палку, чтобы не прикасаться к больному руками.

Большой интерес представляет маска "gnaga" (от ит. "gnau"-"мяу"),
с которой связано венецианское выражение "иметь наглость ньяги".
Носитель этого костюма, состоящего из сильно поношенного, разорванного платья и маски кота, должен был имитировать "мяукающим" голосом кошачий язык и движениями - кошачьи повадки.
Считается маской гомосексуалистов.
Инквизиция запрещала переодевание мужчин в женщин, любое Проявление содомского греха строго преследовалось во все дни, кроме карнавала. Обычно человек в этой маске появлялся в окружении друзей, переодетых детьми. Костюм должен быть старым, вульгарно-ярким женским нарядом XVI века любой социальной группы. Голосом необходимо имитировать мяуканье, а вихляющими движениями кошачьи повадки.

Количество масок в комедии дель арте очень велико (всего их насчитывается более ста), но большинство из них являются родственными персонажами, которые различаются только именами и незначительными деталями.
К основным персонажам комедии относятся два квартета мужских масок, маска Капитана, а также персонажи, не надевающие маски, это девушки-дзанни и Влюблённые, а также все благородные дамы и кавалеры. Количество масок в комедии Дель Арте очень велико (всего их насчитывается более ста),

Мужские персонажи Северный (венецианский) квартет масок:
- Панталоне (Маньифико, Кассандро, Уберто), — венецианский купец, скупой старик;
- Доктор (Доктор Баландзоне, Доктор Грациано), — псевдо-учёный доктор права; старик;
- Бригелла (Скапино, Буффетто), — первый дзанни, умный слуга;
- Арлекин (Меццетино, Труффальдино, Табарино), — второй дзанни, глупый слуга;

Южный (неаполитанский) квартет масок:
- Тарталья, судья-заика; - Скарамучча, хвастливый вояка, трус;
- Ковьелло, первый дзанни, умный слуга;
- Пульчинелла (Полишинель), второй дзанни, глупый слуга;
- Капитан, — хвастливый вояка, трус, северный аналог маски Скарамуччи;
- Педролино (Пьеро, Паяц), слуга, один из дзанни. - Лелио (также, Орацио, Люцио, Флавио и т. п.), юный влюблённый;

Женские персонажи
- Изабелла (также, Лучинда, Витториа и т. п.), юная влюблённая; часто героиню называли именем актрисы, игравшей эту роль;
- Коломбина, Фантеска, Фьяметта, Смеральдина и т. п., — служанки.

ДЗАННИ (Zanni)
Общее название комедийного слуги

Название происходит от мужского имени Джованни (Giovanni), которое было настолько популярно среди простого народа, что сделалось нарицательным для обозначения слуги.
К сословию дзанни относятся такие персонажи, как Арлекино, Бригелла, Пьерино, появившиеся позже.
Характерные черты безымянного дзанни – это ненасытный аппетит и невежество.
Он живет исключительно сегодняшним днем и не думает о сложных материях. Обычно предан своему хозяину, но не любит дисциплину. В спектакле участвовало, как минимум, 2 таких персонажа, один из которых был туповат, а другой, напротив, отличался лисьим умом и ловкостью. Одеты они были просто – в бесформенную светлую блузу и штаны, обычно сшитые из мешков от муки.
Маска изначально закрывало все лицо, поэтому для общения с другими героями комедии дзанни приходилось поднимать нижнюю ее часть (что было неудобно).
Впоследствии маску упростили, и она стала прикрывать только лоб, нос и щеки.
Характерной чертой маски дзанни является вытянутый нос, причем его длина прямо пропорциональна глупости персонажа.

БРИГЕЛЛА (Brighella) – еще один дзанни, партнер Арлекина.

В ряде случаев Бригелла – это self-made man, который начинал без копейки, но постепенно накопил деньжат и обеспечил себе довольно комфортное существование.
Часто его изображают владельцем таверны. Бригелла – большой любитель денег и дамский угодник.
Именно эти две эмоции – первобытное вожделение и алчность – застыли на его зеленой полумаске.
В некоторых постановках он выступает как слуга, более жестокий по характеру, чем его младший брат Арлекин. Бригелла знает, как угодить хозяину, но в то же Время вполне способен его надуть, не без пользы для себя. Он хитер, пронырлив и может, по обстоятельствам, быть кем угодно – солдатом, моряком и даже вором.
Его костюм – это белый камзол и штаны того же цвета, украшенные поперечными зелеными полосками. Часто имеет при себе гитару, так как склонен к музицированию.
Маска Бригеллы, хотя и была одной из самых любимых простым зрителем, как правило, находилась на втором плане интриги, недостаток активного действия компенсировался большим количеством вставных трюков и музыкальных интермедий.
Образы, близкие к Бригелле, присутствуют в комедиях Лопе де Вега и Шекспира; это также Скапен, Маскариль и Сганарель Мольера и Фигаро Бомарше.

АРЛЕКИН (Arlecchino) – дзанни богатого старика Панталоне.
Костюм Арлекина отличается яркостью и пестротой: он составлен из ромбов красного, черного, синего и зеленого цветов.

Такой рисунок символизирует крайнюю Бедность Арлекина - его одежда как бы состоит из бесчисленного количества плохо подобранных заплат. Этот персонаж не умеет ни читать, ни писать, а по происхождению он – крестьянин, который покинул нищую деревню Бергамо, чтобы отправиться на заработки в процветающую Венецию. По характеру Арлекин – акробат и клоун, поэтому его одежда не должна стеснять движений. С собой озорник носит палку, которой часто дубасит других персонажей. Несмотря на склонность к мошенничеству, Арлекина нельзя считать негодяем – просто человеку надо как-то жить. Он не особенно умен и довольно прожорлив (любовь к еде оказывается порой сильнее, чем страсть к Коломбине, а глупость препятствует исполнению амурных планов Панталоне).
Маска у Арлекина была черного цвета, со зловещими чертами (по одной из версий само слово «Арлекин» происходит от имени одного из демонов дантовского «Ада» – Alichino).

На голове красовалась белая фетровая шляпа, иногда с лисьим или кроличьим мехом.
Другие имена: Багаттино, Труфальдино, Табаррино, Тортеллино, Граделино, Польпеттино, Несполино, Бертольдино и проч.

КОЛОМБИНА (Columbina) – служанка Влюбленной (Inamorata).

Она помогает своей хозяйке в сердечных делах, ловко манипулируя остальными персонажами, которые нередко к ней неравнодушны. Коломбина отличается кокетством, женской проницательностью, очарованием и сомнительной добродетелью. Одета она, подобно своему неизменному ухажеру Арлекину, в стилизованные цветные заплатки, как и положено небогатой девушке из провинции. Головку Коломбины украшает белая шляпа, под цвет передника. Маски у нее нет, зато лицо сильно накрашено, особенно ярко подведены глаза.
Другие имена: Арлекина, Кораллина, Риччолина, Камилла, Лизетта.

ПЕДРОЛИНО или ПЬЕРИНО (Pedrolino, Pierino) – один из персонажей-слуг.

Педролино одет в свободную белую тунику с огромными пуговицами и слишком длинными рукавами, на шее – круглый рифленый воротник, на голове - шляпа-колпак с неширокой круглой тульей.
Иногда в одежде имелись большие карманы, набитые сувенирами романтического характера. Лицо его всегда сильно набелено и раскрашено, поэтому носить маску нет необходимости.
Несмотря на то, что Педролино принадлежит к племени дзанни, его характер радикально отличается от характера Арлекина или Бригеллы. Он сентиментален, влюбчив (хотя страдает, в основном, по субреткам), доверчив и предан хозяину. Бедняга обычно мучается от неразделенной любви к Коломбине и от насмешек остальных комедиантов, у которых душевная организация не столь тонка.
Роль Пьерино в труппе часто исполнял младший сын, потому что этот герой обязан был выглядеть молодо и свеж

ВЛЮБЛЕННЫЕ (Inamorati)
– неизменные герои commedia del arte, господа Коломбины, Арлекина и других дзанни.

Влюбленные выглядят оторванными от жизни, напыщенными персонажами. Если они двигаются, то по-балетному, неестественно выставляя носки. Много жестикулируют и часто смотрятся в зеркало.
Основные черты Влюбленных – тщеславие, болезненное внимание к собственной внешности, нервозность, погруженность в свои чувства и полная неприспособленность, которой активно пользуются дзанни.
Даже их имена звучат высокопарно (мужчин обычно звали Сильвио, Фабрицио, Аурелио, Орацио, Оттавио, Лелио, Леандро или Флориндо, а женщин – Изабелла, Фламиния, Виттория, Сильвия, Лавиния или Ортензия). Inamorati одевались всегда по последней моде, преувеличенно тщательно и нарядно.
Маски заменял густой слой макияжа, благодаря которому роли Изабеллы и Лелио были доступны далеко не юным актерам. Кроме того, непременной принадлежностью их туалета были парики, мушки и всяческие украшения. Юноши нередко наряжались в красивую военную форму. По ходу действия костюмы Влюбленных могли меняться несколько раз. Несмотря на то, что именно вокруг любви молодых строится интрига комедии, влюблённые всегда остаются в тени масок-дзанни, а их любовь всегда воспринимается с некоторой долей иронии.

ИЗАБЕЛЛА (также, Лучинда, Витториа и т. п.) -
юная влюблённая; часто героиню называли именем актрисы, игравшей эту роль.

ПУЛЬЧИНЕЛЛА (Pulcinella)
итальянский аналог русского Петрушки, английского мистера Панча и французского Полишинеля.

Типичный представитель неаполитанского пролетариата со всеми его характерными чертами.
Интересно, что Пульчинелла – образ неоднозначный, он мог быть и тупицей, и хитрецом, и слугой, и хозяином, и трусом, и задирой. Имя этого персонажа переводится с итальянского как «цыпленок» и очевидно связано с его маской, самый заметный элемент которой - большой клювообразный нос. Костюм Пульчинеллы состоит из длинной мешковатой белой блузы, перетянутой на талии кожаным ремешком, просторных бесформенных штанов и необычной продолговатой шапки. Часто его изображали в виде горбуна. Вначале горб был едва заметным, затем он стал быстро увеличиваться в размерах, причем параллельно рос и живот. Согбенность Пульчинеллы символизирует его страх перед побоями (а в комедии били его все, кто стоял выше на социальной лестнице, то есть очень многие).

ПАНТАЛОНЕ (Pantalone) – одна из самых известных венецианских масок.

Панталоне – это престарелый богатый купец, который постоянно волочится за каким-либо женским персонажем (всегда – безрезультатно). Этот образ воплощал набирающий силу класс венецианской буржуазии. Характерной чертой костюма Панталоне является огромных размеров гульфик, символизирующий его мнимую мужскую силу. Обычно старик был одет в темно-красный камзол и обтягивающие штаны того же цвета, черный плащ с короткими рукавами и маленькую черную шапочку, вроде фески. На поясе у него висел кинжал или кошель, а обувью служили желтые турецкие туфли с острыми загнутыми носами. Темно-коричневая маска имела выдающийся крючковатый нос, мохнатые седые брови и такие же усы (иногда еще и очки).

Борода Панталоне торчала вверх, подчас почти касаясь кончика носа, что придавало профилю старика особую комичность.
Часто по сюжету Панталоне хотел жениться на девушке, в которую был влюблен его сын, и заигрывал с Коломбиной, служанкой своей дочери Изабеллы.

КАПИТАН (Il Capitano) – один из древнейших персонажей комедии дель арте.

Капитан в комедии никогда не является коренным жителем города, где происходит действие, а всегда приходит откуда-то издалека.
Тип наглого и беспринципного вояки – бахвала и искателя приключений.
В зависимости от политической ситуации, он мог походить на испанца или турка, хотя изначально этот образ - итальянский. Соответственно, менялся и его характер – в разные периоды Капитан мог представлять собой пародию различные национальные черты.
Основные его особенности - это агрессивность, безудержное вранье о своих мнимых подвигах, отсутствие совести, стремление к обогащению и желание казаться щеголем и красавцем. Все это нашло отражение в его костюме, который мог быть разным, однако всегда отличался нелепой вычурностью и яркостью. Одежда его, по сути, всегда была пародией на профессию военного: шляпу украшали перья крикливых расцветок, ноги утопали в высоких сапогах с большими подвязками, камзол был сшит из ткани в контрастную диагональную полоску, а на поясе висела огромных размеров шпага.
Маска Капитана могла быть телесного или темного цвета, с длинным воинственным носом и грозно торчащими жесткими усами. Ее целью было обозначить контраст между истинной (трусливой и лживой) натурой персонажа и тем, за кого он себя выдает.

ШУТ (Jester, Jolly) –представлен в комедии дель арте, это классическая маска.

Впервые Шут появился в итальянском театре, потом стал популярным по всей Европе. Костюм этого персонажа отличается пестротой и многоцветностью. На голове – колпак с тремя «ушами», к каждому из которых привязаны бубенцы.

ТАРТАЛЬЯ (итал. Tartaglia, заика) — персонаж-маска итальянской комедии дель арте.

Представляет южный (или, неаполитанский) квартет масок, наряду с Ковьелло, Скарамучча и Пульчинеллой. Во Франции эта маска не прижилась. Маска Тартальи появилась в Неаполе ок. 1610 г.
Происхождение: испанец, плохо говорящий на итальянском языке. Занятие: чиновник на государственной службе: он может быть судьёй, полицейским, аптекарем, нотариусом, сборщиком налогов и т.п. Костюм: стилизован должностной костюм, на лысой голове форменная шляпа; на носу огромные очки.
Поведение: как правило, он старик с толстым животом; всегда заика,его фирменный трюк — это борьба с заиканием, в результате чего серьёзный монолог, например, на суде, превращается в комический поток непристойностей.

Кроме персонажей - Дзанни в Венецианской комедии Дель Арте существовали персонажи-старики и персонажи - псевдо-интеллектуалы

© selenaart.ru

Benois de la danse — ежегодный балетный фестиваль, основанный Международной ассоциацией деятелей хореографии в День танца, 29 апреля 1991 года. Первоначально задумывался как балетный гала-концерт, в котором были бы представлены лучшие мировые постановки и собраны вместе лучшие представители различных балетных школ и современных направлений. Осенью 1992 года приобрёл поддержку ЮНЕСКО

-Александр Бенуа

Приз и фестиваль «Бенуа танца» были названы в честь художника Александра Бенуа. В 1992 году внучатый племянник Александра Бенуа, французский архитектор Игорь Устинов, создал статуэтку, вручаемую победителям в качестве премии.

-Две скрещенные фигуры, застывшие то ли в танце,
-то ли в ликовании от танца называют балетным "Оскаром"

Почему этот приз, как его часто называют, "Балетный Оскар" носит имя художника, а не знаменитого хореографа или балетного исполнителя? Для этого есть основания.
Александр Бенуа, известный художник конца XIX - начала XX века, с которым связан "Серебряный век" в живописи. Он помогал реформировать балетный театр. Александр Бенуа является автором либретто и тем, кто задумал балет "Петрушка".
Раньше было совершенно другое отношение к художественной части балета, к костюмам артистов. Часто каждое действие оформлял отдельный художник, кто лучше рисовал пейзажи - приглашали на пейзаж, кто лучше рисовал дворцы - дворец и т.д. Назвать всех художников, оформлявших балеты в XIX веке не просто, поскольку их трудилось над одним балетом множество.
Костюмы могли быть самыми разными, не соотносящимися друг с другом и декорациями балета. Сейчас-то соблюдается общая тональность оформления. А раньше каждая прима подбирала себе платье для балета самостоятельно. Например, танцовщица Матильда Кшесинская заказывала себе костюм, который ей очень шёл, делала в парикмахерской прическу, в которой она была неотразима и танцевала в этом.

-Юрий Григорович

В состав жюри премии входят выдающиеся артисты балета, балетмейстеры и деятели хореографии из разных стран. Бессменным председателем жюри является балетмейстер Юрий Григорович. Премия даётся в номинациях «лучшая балерина», «лучший танцовщик» и «лучший хореограф». Также по решению жюри даётся премия «За жизнь в искусстве» (фр. Prix récompensant toute une carrière) и, в исключительных случаях, — лучшему композитору и лучшему сценографу. Кроме статуэтки, которая является призом для лауреатов, жюри отмечает всех соискателей приза дипломами[
В настоящее время Балетный фестиваль «Бенуа де ла Данс» (Benois de la Dance) стал масштабным балетным шоу в мире, за которым пристально следит вся мировая пресса

• АВАНЛОЖА — места в зрительном зале, помещение перед входом в ложу.
• АНГАЖЕМЕНТ — приглашение актера на определенный срок для участия в спектаклях или концертах.
• АНТРЕПРЕНЕР — владелец, содержатель, арендатор частного театра.
• АНТРЕПРИЗА — частный театр.

• АРЬЕРСЦЕНА — наиболее удаленная от зрительного зала часть сцены.
• БУФФОН — амплуа актера, использующего для исполнения роли шутовские приемы.

• ВЕРТЕП — народный кукольный театр, представляющий собой двухэтажный деревянный ящик, напоминающий сценическую площадку Куклы, укрепленные на проволоке внутри двухъярусного ящика — вертепа, приводились в движение вертепщиком. Сцены на библейские сюжеты. Сатирические интермедии сопровождались музыкой.
  
• ГАСТИОН — актер в Древнем Риме.
  
• ГРАНДАМ — амплуа актрисы, исполняющей роли знатных дам.
  
• ГРАНДКОКЕТ — роль взрослой знатной дамы.

• ДЗЁРУРИ — вид театра кукол в Японии. Пьесы дзёрури ставятся на сцене театра кабуки.
  
• ДИВЕРТИСМЕНТ — музыкальное или драматическое представление из ряда отдельных номеров, обычно даваемое в дополнение к спектаклю.
  
• ИНЖЕНЮ — амплуа актрисы, играющей роль наивной девушки.
  
• КЛАКА — специальная группа людей, нанимаемых для создания искусственного успеха или провала спектакля, актера.
  
• КОКЕТ — амплуа актрисы, выступающей в роли красивой девушки.
  
• КОЛОСНИКИ — верхняя (невидимая зрителю) часть сцены для установки блоков, сценических механизмов и подвески элементов декораций.
  
• КОНФИДАНТ — актер, играющий роль приближенного главного героя.

• КОТУРНЫ — род сандалий на очень толстой подошве у древнегреческих и римских актеров для увеличения роста. Как повседневная обувь котурны были по средствам только обеспеченным людям. Котурны использовались актёрами при исполнении трагических ролей — они увеличивали рост актёра, придавали величественность его фигуре. Около 500 года до н. э. стали использовать котурны на толстой подошве. Сначала её делали из кожи, а со II века до н. э. — из пробки; с эллинистического времени высота подошвы постоянно увеличивается. В императорскую эпоху подошва котурна в некоторых случаях была высотой в локоть, так что котурны стали напоминать ходули.
  
• НОО — один из видов традиционного японского театра. Включает музыку, танец, драму. Характерные черты: условность декораций, главные персонажи — в масках, костюм лишен бытовой конкретности.
  
• ПАДУГА — полоса занавеса по верху сценической площадки.

• ПЕДЖЕНТ — передвижная сцена в виде большой повозки в средневековом театре. Применялась при постановке мистерий, мираклей, процессий.
  
• ПЕТИМЕТР — образ щеголя в сатирической комедии.
  
• РЕЗОНЕР — амплуа актера, высказывающего нравоучительные суждения.
  
• СКЕНА — помещение для переодевания и выхода актеров театра в Древней Греции.
  
• ТЕЛАРИИ — приспособления для смены декораций в старинных театрах Западной Европы.
  
• ТРАВЕСТИ — амплуа актрисы, исполняющей роли подростков.
  
• ТРЮМ — помещение под сценой.
  
• ФУРКИ — приспособления для перемещения на сцене декораций.
  
• ЭТУАЛЬ — актриса развлекательного жанра.
  
• Согласно театральному «толковому словарю», гапитом называется палка – приспособление для управления куклами. Обычно гапит управляет движениями кукольной головы. Однако, на принятом в театральной среде языке выражение «гапит стынет» означает, что пора к столу.

• Фоновый занавес, висящий в глубине сцены, без всяких задних мыслей называется «задником».
  
• Верхние украшения сценической арки по театральной терминологии называются «сукны».

• Шапокляк – это складной цилиндр. До 1914 года был принадлежностью бального туалета мужчин. Непонятно, почему это имя получила милая старушка.

• «Котом» в театре называют нижнее платье, которое стягивается шнурами по бокам. От «кота» произошло «котарди» — так называемое «платье принцесс».
  
• Интересна английская театральная терминология. «Killing a scenery», по ней, означает смену декораций, а «milk» значит добиваться от зрителей максимальной реакции (смеха, слез и аплодисментов).
  
• «Penthouse» на театральном языке означает театр, в котором, как в цирке, сцена находится в середине, а места зрителей расположены амфитеатром. А обидное слово «статист», на английском звучит, как «экстра».

• Пистолетом в театре называют осветительный прибор проекционного типа, предназначенный для высвечивания узким и сильным светом отдельных актеров и части декораций.
  
• Казак – это приталенный жилет, не сшитый по бокам, который носили мушкетеры (!). Казаки чаще всего были серыми или черными, поскольку подбирались в масть лошадям.
  
• Бенуаром в театре называются ложи по обеим сторонам партера на уровне сцены. В виду удобств, доставляемых подобным устройством, цена на эти ложи обыкновенно бывает высока. Забавное же заключается в том, что по-французски «baignoire» — это, буквально, «ванна».

Ах водевиль, водевиль, водевиль,
Музыка, песни, интриги и танцы,
Пусть простоват и наивен он был,
Пусть он таким и остался.
Вы свысока не судите о нём,
Не говорите, что шутки громоздки,
Всё, что эстрадой мы с вами зовём,
Всё начиналось на этих подмостках.
Из к/ф «Ах, водевиль, водевиль…»

Илья Репин. Водевиль

Водевиль (фр. vaudeville) — комедийная пьеса с песенками-куплетами и танцами.
Водевиль – это шумное и весёлое представление с музыкой и шутками. Главными героями водевиля становились обычные люди, которые всегда побеждали аристократов, пороки которых ярко изображались и высмеивались. В водевиле всегда можно было найти лёгкую, навязчивую мелодию, которую зрители легко запоминали и тут же начинали подпевать.

Слово происходит от французского «valdeVire» — Вирская долина. Вир — река в Нормандии. В XVII столетии во Франции получили распространение песенки, известные под названием «ChansondevaldeVire» или Водевиры. Их приписывают народным поэтам XV столетия — Оливье Басселену и Ле-Гу. Ле-Гу издал сборник стихов Vaux de vire nouveaux. Эти легкие шуточные песни сделались в Париже достоянием широких городских масс, благодаря тому, что они на мосту Пон-Неф распевались бродячими певцами. Но скорее всего это собирательное обозначение особого жанра простой незатейливой шутливой песенки народного характера, лёгкой по мелодической композиции, насмешливо-сатирической по содержанию, и по происхождению своему связанной с селениями Вирской долины.Этим можно объяснить и дальнейшую трансформацию самого названия — из «val de Vire» в «voix de ville» («деревенский голос»). В XVII в. песенки-водевили постепенно появляются в театральных представлениях. Возникает род небольших пьесок, разыгрываемых во время народных празднеств в ярмарочных театрах, т.н. «пьес-водевилей». Самый ранний водевиль содержанием, персонажами, балаганной буффонадой связан с пантомимой и ярмарочными парадами («Арлекин — расклейщик афиш», 1792, «Арлекин — портной», 1793, и др.).

В дальнейшем водевиль превратился в жанр лёгкой комедийной пьесы с анекдотичным сюжетом, в которой диалог и драматическое действие, построенное на острой занимательной интриге, сочетаются с песенками-куплетами, романсами и танцами. В XVIII веке Лесаж, Фюзелье и Дорневаль в подражание эти водевильным песням стали составлять пьесы подобного же содержания.

К концу XVIII в. во Франции водевиль сложился как самостоятельный театральный жанр. Во время Великой французской революции он стал излюбленным жанром профессионального театра. В Париже были открыт театр «Водевиль»; затем возникли водевильные театры «Театр трубадуров», «Театр Монтансье» и др.

Водевиль как жанр был канонизирован во Франции Э. Скрибом, написавшим самостоятельно или в соавторстве с другими драматургами свыше 150 водевилей, многие из которых в течение 50 лет переводились и переделывались, служа драматургам других европейских стран образцами.
Вскоре водевиль разделился на два ветви: чистый водевиль и оперетту.

У нас прототипом В. была небольшая комическая опера конца XVII в., удержавшаяся в репертуаре русского театра и к началу XIX в. Сюда принадлежат — «Сбитеньщик» Княжнина, Николаева — «Опекун-Профессор» и «Несчастье от кареты», Левшина — «Мнимые вдовцы», Матинского — «С.-Петербургский Гостиный двор», Крылова — «Кофейница» и др. Особый успех имела опера-В. Аблесимова — «Мельник-колдун, обманщик и сват» (1779). «Сия пьеса, — говорит Драматический словарь 1787, — столько возбудила внимания от публики, что много раз сряду играна... Не только от национальных слушана, но и иностранцы любопытствовали довольно». В Пушкинском «Графе Нулине» определение В. еще ассоциируется с понятием арии, оперы:

«... Хотите ли послушать
Прелестный водевиль?»
и граф поет...

Следующий этап развития водевиля — «маленькая комедия с музыкой», как его определяет Булгарин. Этот водевиль получил особое распространение приблизительно с 20-х годов прошлого века. Типичными образчиками такого В. Булгарин считает «Казака-стихотворца» и «Ломоносова» Шаховского. «Казак-стихотворец, — пишет в своих Записках Ф. Вигель, — особенно примечателен тем, что первый выступил на сцену под настоящим именем. От него потянулась эта нескончаемая цепь сих легких произведений».
Среди дворянско-гвардейской молодежи начала XIX в. считалось признаком «хорошего тона» сочинить водевиль для бенефиса того или иного актера или актрисы.
И для бенефицианта это было выгодно, ибо подразумевало и некоторую «пропаганду» со стороны автора за предстоящий бенефисный сборник. Позже даже Некрасов «согрешил» несколькими водевилями под псевдонимом Н. Перепельский («Шила в мешке не утаишь, девушку в мешке не удержишь», «Феоклист Онуфриевич Боб, или муж не в своей тарелке», «Вот что значит влюбиться в актрису», «Актер» и «Бабушкины попугаи»).
Обычно водевили переводились с французского языка. «Переделка на русские нравы» французских водевилей ограничивалась большею частью заменой французских имен русскими. Гоголь в 1835 году заносит в свою записную книгу: «Но что же теперь вышло, когда настоящий русский, да еще несколько суровый и отличающийся своеобразной национальностью характер, с своей тяжелою фигурою, начал подделываться под шарканье петиметра, и наш тучный, но сметливый и умный купец с широкою бородою, не знающий на ноге своей ничего, кроме тяжелого сапога, надел бы вместо него узенький башмачок и чулки a jour, a другую, еще лучше, оставил бы в сапоге и стал бы в первую пару во французскую кадриль. А ведь почти то же наши национальные водевили». Так же суров приговор Белинского о русских водевилях: «Во-первых, они по большей части суть переделки французских водевилей, следовательно, куплеты, остроты, смешные положения, завязка и развязка — все готово, умейте только воспользоваться. И что же выходит? Эта легкость, естественность, живость, которые невольно увлекали и тешили наше воображение во французском водевиле, эта острота, эти милые глупости, это кокетство таланта, эта игра ума, эти гримасы фантазии, словом, все это исчезает в русской копии, а остается одна тяжеловатость, неловкость, неестественность, натянутость, два-три каламбура, два-три экивока, и больше ничего».

Стряпали светские театралы водевиль обычно по весьма простому рецепту. О нем рассказывал еще Грибоедовский Репетилов («Горе от ума»):

«...вшестером, глядь — водевильчик
слепят,
Другие шестеро на музыку кладут,
Другие хлопают, когда его дают...»

Есть указания на то, что Пушкин, идя навстречу просьбам некоторых друзей, отдавал дань обычаю тогдашних великосветских дэнди, хотя с несомненностью тексты Пушкинских водевильных куплетов не установлены.
Обычно водевильные стихи таковы, что при всей снисходительности их можно назвать только рифмоплетством.
Увлечение водевилем было поистине огромным. За октябрь 1840 в петербургском Александринском театре было поставлено всего 25 спектаклей, из которых почти в каждом кроме основной пьесы было еще по одному-два В., но десять спектаклей были сверх того составлены исключительно из водевилей. Герцен, ожидая с нетерпением приезда в Лондон М. С. Щепкина, вспоминает (в письме к М. К. Рейхель) не его большие роли, а водевильный припев:

«Чук-чук, Тетяна,
Черноброва кохана»

Сам Щепкин играл в водевиле весьма охотно. Они занимали в его репертуаре весьма видное место. Отправляясь в 1834 на гастроли в Петербург, он посылает Сосницкому свой репертуар, где, наряду с «Горе от ума», есть очень много водевилей.
Приблизительно с 40-х гг. в водевиль начинает заметно прослаиваться, то в тексте, то в виде актерской отсебятины и куплетов, элемент злободневности и полемики, и это имеет у публики большой успех. Конечно злободневность в николаевские времена не могла выходить за пределы чисто литературных или театральных злоб (и то осторожно), все остальное «строжайше запрещалось». В водевиле Ленского, напр., «В людях ангел — не жена, дома с мужем — сатана» Размазня поет:

«Вот, например, разбор
Пиесы Полевого —
И автор и актер
Тут не поймут ни слова... »

Особый успех выпал на долю пятиактного водевиля Ленского «Лев Гурыч Синичкин или провинциальная дебютантка», переделанного из французской пьесы «Отец дебютантки». Он сохранился в репертуаре театров и до наших дней, сейчас, конечно, уже лишен всякой злободневности (которой в нем было очень много), но не утратил еще значения картинки театральных нравов того времени. В 40-х годах появился еще особый жанр водевиль «с переодеваниями». В них имела шумный успех молодая, воспетая Некрасовым, актриса Асенкова. Наиболее популярными авторами В. были: Шаховской, Хмельницкий (его В. «Воздушные замки» удержался до конца XIX в.), Писарев, Кони, Федоров, Григорьев, Соловьев, Каратыгин (автор «Вицмундира»), Ленский и др.
23 февраля 1888 года А.П.Чехов в одном из писем признаётся: "Когда я испишусь, то стану писать водевили и жить ими. Мне кажется, что я мог бы писать их по сотне в год. Из меня водевильные сюжеты прут как нефть из бакинских недр". К тому времени им были написаны "О вреде табака", "Медведь", "Предложение".

Проникновение к нам в конце 60-х годов из Франции оперетты ослабило увлечение водевилем, тем более, что в оперетте широко практиковались и всякие политические экспромты (разумеется в пределах весьма бдительной цензуры), отсебятины и особенно злободневные (в том же водевильном типе) куплеты. Без таких куплетов оперетта тогда не мыслилась. Но тем не менее водевиль еще достаточно долго сохраняется в репертуаре русского театра. Его заметное увядание начинается лишь с восьмидесятых годов прошлого столетия.

© dic.academic.ru, youtube.com, journal.komedianty.com, literatura5.narod.ru

120 - летию великого кукольника посвящается

«Это человек феноменального вкуса, изумительных творческих сил, и, главное, единственный.
Во всем мире нет другого Образцова.
Он сам изобрел свою профессию, сам создал целую отрасль искусства, и его куклы, по-моему, талантливее многих живых артистов» .
Корней Чуковский

Откуда начинается путь художника? Режиссёра? Артиста? С первого сыгранного или поставленного спектакля? С первой собственноручно сделанной куклы? Или с мечты? С ощущения волшебства и желания оживлять неживое. Если говорить о творческом пути Сергея Образцова, то начинать нужно со смешной куколки под названием Бибабо из магазина японских товаров, которую маленькому Серёже подарила мама. Она была совсем простая – состояла из головы с отверстием внизу (чтобы можно было надевать на палец) и тряпичного халатика. Образцову она так полюбилась, что он практически с ней не расставался и ласково называл Бибабошкой. Во время прогулок он надевал Бибабошку на руку и разыгрывал сценки, чем очень забавлял случайных прохожих. Казалось бы – что тут такого? Все дети играют в куклы! Но далеко не каждый потом становится известным на весь мир режиссёром и создаёт собственный театр. Образцова настолько поразил этот принцип игры с куклой – оживление неживого, что он посвятил этому всю жизнь.
Родился Сергей Владимирович 5 июля 1901 года в Москве в семье академика и учительницы. Как и все родители, родители Образцова хотели, чтобы их сын получил самое лучшее образование и настаивали, чтобы он поступил в ВУЗ. Но Сергей Владимирович чётко представлял свой жизненный путь и старался не отступать от него, несмотря ни на какие уговоры. Он поступил в училище (реальное училище К.П.Воскресенского), а после стал студентом Высших художественно-театральных мастерских («Вхутемас»), где учился сначала на графическом, а затем – на живописном факультете. Его мастерами были Абрам Ефимович Архипов и Владимир Андреевич Фаворский.
И всё же манил Образцова именно театр. Мастерству работы с куклой тогда практически не обучали, поэтому путь на сцену лежал через музыкальный и драматический театр. Образцов поступил в студию Московского художественного театра, а потом выступал на сцене Музыкального театра им. народного артиста Республики Вл. И. Немировича-Данченко и МХАТа 2-го. Но и тут не обошлось без кукол…. Как-то раз Образцов должен был сыграть роль старика в спектакле Владимира Немировича-Данченко. Старческие движения и интонации никак не удавались молодому, полному жизни Образцову. Но выход был найден – Образцов смастерил кукольного старика и надел его на руку. И образ сложился!
Однако первую известность Образцову принесли не театральные, а эстрадные работы. Его пародийные «романсы с куклами» - «Хабанера», «Налей бокал», «Минуточка» и другие – очень полюбились зрителям. С помощью кукол, которые доводили разыгрываемые на сцене ситуации до абсурда, Образцов высмеивал пошлость, ханжество, мещанство – как на эстраде, так и в жизни. А ещё он показывал, что куклы – это не просто развлечение для детей. Они могут быть интересны и взрослым! Они могут говорить о важном! Так что образцовские кукольные сценки – а потом и спектакли – любили и любят не только дети, но и взрослые. Одним из поклонников творчества Образцова был сам Иосиф Сталин. Больше всего он любил «Хабанеру» - сценку из оперы «Кармен». Как-то раз он опоздал на выступление Образцова и, увидев, что на сцене уже другие артисты, потребовал, чтобы «Хабанеру» сыграли на бис.
В 1931 году именно Сергею Образцову, молодому артисту, выступающему в кабаре с куклами, предложили возглавить Центральный театр кукол. Первые годы театр был бродячим, у него не было собственного здания, и выступления проходили везде, где люди готовы были их смотреть – в парках, на улицах, в школах и домах культуры. Первыми спектаклями стали «Джим и доллар», «Пузан», «Каштанка», «Гусёнок». Труппа состояла из нескольких человек, репетировали в крошечной комнатке, а по городу разъезжали сначала в телеге, запряжённой мерином по кличке Катер, а потом – в фургоне. Кукольный театр и война. Кажется, нет более далеких понятий. Растерянность, которую испытывали образцовцы в начале войны, сквозит в воспоминаниях многих работников театра. К счастью, длилась она недолго. Кукла - универсальный инструмент в руках актера. Наши куклы - подбадривали растерянных детей перед эвакуационными составами на вокзалах, заставляли смеяться раненых бойцов в госпиталях, выезжали с концертами в самые горячие точки фронтов, чтобы дать короткий отдых солдатам перед новой атакой, они воевали как умели.
Популярность кукольных представлений бродячего театра была настолько велика, что правительство предоставило детищу Сергея Образцова помещение на площади Маяковского – здание бывшего Реалистического театра. В 1970 году театр занял здание на Садово-Самотёчной улице – то самое с огромными часами, которые на долгие годы стали его символом. В этом здании Театр Образцова живёт и по сей день. Образцов не просто ставил кукольные спектакли, он совершил настоящую революцию в театре кукол – изобрёл новые системы, воспитал несколько поколений блестящих кукольников, получил мировую известность. Он наполнил новым смыслом работу кукловода. Это было не механическое управление куклой, а настоящая жизнь внутри роли, как в драматическом театре.
Образцов принимал участие во всех этапах создания спектакля – от идеи до создания кукол. Он устроил себе кабинет под самой крышей театра – там, где находятся цеха, чтобы всегда быть в центре событий, чувствовать жизнь театра, видеть, как лепят, красят, шьют, набивают и одевают его кукол. Нередко он сам принимал участие во всех этих процессах. За это в театре его называли Хозяином. Театр занимал главное место в жизни Сергея Образцова, но одним лишь театром его жизнь и работа не ограничивались. Он также известен в мире кино как создатель жанра документального киномонолога. автор фильмов «Кинокамера обвиняет», «Удивительное рядом», «Невероятная правда», «Кому он нужен, этот Васька».
Многие спектакли Сергея Образцова вошли в золотой фонд не только театра, который носит его имя, но и отечественного, и мирового театрального искусства. Большое количество спектаклей, которые ставил сам мастер, и по сей день в репертуаре театра, и очень любимы зрителями. Эти спектакли связывают поколения! Люди, которые в детстве смотрели «По щучьему велению», «Нашу Чукоккалу», «Волшебную лампу Аладдина», приводят на эти спектакли своих детей, внуков. «Необыкновенный концерт» стал самым популярным кукольным спектаклем ХХ века и был занесён в Книгу Рекордов Гиннесса как спектакль, который посмотрело самое большое число зрителей во всём мире. Каждый показ этого спектакля проходит с аншлагом.
Сергея Владимировича не стало 8 мая 1992 года, ему было 90 лет. Похоронен Образцов на Новодевичьем кладбище. Для всех, кто знал Сергея Владимировича и работал с ним, он до сих пор жив. Жив в своих спектаклях, учениках, куклах, зрителях.

В 2006 году возле Центрального академического кукольного театра был установлен памятник С.В. Образцову. Скульптура выполнена по образцу фарфоровой фигурки, созданной в середине прошлого века скульптором Ильёй Слонимом. Бронзовый памятник, установленный на гранитный постамент, изображает режиссёра в полный рост. Он держит в руках куклу Кармен — героиню его любимого концертного номера из спектакля «Необыкновенный концерт».

© puppet.ru