«Ванвителлианская художественная галерея»

Ян Вермеер «Девушка с жемчужной сережкой», 1660-е годы

История картины:

Картина голландского живописца Яна Вермеера Делфтского «Девушка с жемчужной сережкой». Размер портрета 44.5 x 39 см, холст, масло.

Картина художника Вермеера очень проста и лаконична, в ней нет ни одной лишней детали. Темный фон, который изначально был темно-зеленым (потерял свой цвет в результат старения картины), разделен портретом на неравные части, что придает картине только больше жизненности и реальности. Складки вертикально ниспадающей желтой ткани модного в Нидерландах 15-17 веков тюрбана подчеркивают нежный овал лица юной девушки. Поза портретируемой довольно необычна для портрета, вероятно, Вермеер стремился запечатлеть (и это ему вполне удалось) мгновение непринужденного или порывистого движения. Девушка смотрит с портрета на зрителя уже более трехсот лет и все это время хранит загадочное молчание, хотя рот ее полуоткрыт, но слова девушки так и остались тайной художника.

Современники живописца высоко оценили в портрете девушки с жемчужной сережкой талант Яна Вермеера Делфтского, картина иногда представлялась как «Мона Лиза Севера» или «Голландская Мона Лиза». Бытует несколько версий о том, кто позировал художнику.

Наиболее распространено предположение, что моделью художника для этой картины была старшая дочь Вермеера Мария, которой в ту пору было около тринадцати лет. Существует также мнение, что на картине изображена её ровесница, дочь известного делфтского мецената Рюйвена, который являлся покровителем и ценителем искусства Вермеера.

Этот портрет Вермеера является самой известной картиной живописца. Существует книга «Девушка с жемчужной сережкой» писателя, автора вольных исторических новелл Шевалье Трейси, в котором высказывается предположение, что моделью Вермеера на портрете была молоденькая служанка и любовница художника Грид, а также снятый по мотивам романа фильм.

Источник

"Земля же была безвидна и пуста, и тьма над бездною"
Бытие. Глава 1.

К нам хАос заглянул в окно -
Первоисходный мрак,
Его понять нам не дано,
Ну не понять никак!

В нём света нет и тени нет,
Он весь сплошная тьма,
И он загадка и секрет
Для нашего ума.

Мы и не пробуем всерьёз
Понять, что значит он.
В мозгах у нас сплошной хаОс,
Вопросов миллион.

Вопросов много, нету сил,
Чтоб получить ответ -
Надолго ль хАос отступил,
Надолго ль вспыхнул свет?

23.01.2018 г.

Logry сказал(a):

По этой картине, пожалуй, у каждого что-то написано

Я так вижу

Я стою, прислонившись к берёзе,
Ностальгия накрыла лавиной,
Не стираю со щёк своих слёзы,
Это сок моей родины дивной.

Были в жизни и радость, и горе,
Как со множеством красок палитра,
Но в глазах - цвет убийственно чёрен,
И грустят сейчас муза и лира.

Свою душу Руси в такой позе
Отдаю за частичкой частичку,
Я так плотно уткнулся в березу,
Что лишь вижу её чечевичку.
14.05.2021

«Предназначение искусства не в том, чтобы
изображать какие-то предметы. Предназначение
искусства в том, чтобы освободиться от предметов,
не составляющих его сути, и быть искусством,
которое существует само по себе».

Казимир Малевич

Каковы же истоки этого «Черного квадрата»? Сам Казимир Северинович об этих истоках неоднократно пишет в своих работах. Он неоднократно проводит своих читателей по этой тропинке к своему истоку. И этим истоком является очень древняя китайская художественная конституция, или художественный алфавит, который сами китайцы называют «ба-гуа». Вспомним возвращение к первичности, к звуку до слова, к звуку до музыки – это был Китай аж III тысячелетия до новой эры. С помощью системы ба-гуа китайцы описывали все. Это был язык, в котором можно было описать все что угодно – от вселенной до деталей и частностей жизни. А вселенную они как изображали, так и нынче изображают, ничего с этой системой не произошло. Вселенную они изображали как соединение шара и квадрата, где шар означал небо, а квадрат означал землю. По системе ба-гуа земля квадратная. Почему так? Потому что она имеет четыре времени года, четыре времени суток, четыре стороны света – север, юг, запад, восток. Она имеет четыре равных характеристики, и значит она – квадрат. Небо – круг или шар. Почему? Потому что оно безначально и бесконечно. И каждое из этих мистико-символических обозначений имеет свой цвет. Китайцы тоже рассматривают цвет и форму как очень глубокие смысловые обозначения. Небо, или круг, имеет синий цвет. Черный цвет, как вам скажет каждый человек, кто занимается оптикой, это цвет света. Максимальная концентрация света дает черноту. Но это не тот черный цвет, каким пишет фломастер, это сложно составленный черный цвет.

Паола Волкова

Таким образом, «Черный квадрат» Малевича, несмотря на кажущуюся примитивность, стал не просто вызовом публике, он стал символом некоей новой «религии». И – закономерный результат. Роберта Фладда, Берталя и Альфонса Алле сегодня знают лишь специалисты, а имя Казимира Малевича знает весь мир.

Леди Годива. Джон Кольер.

Художественная галерея и музей Герберта в Ковентри.



Согласно легенде, подданные графа страдали от непомерных налогов, и Годива упрашивала своего мужа снизить налоговый гнёт. Однажды на очередном пиру, будучи сильно пьяным, Леофрик пообещал снизить налоги, если его жена проедет на лошади по улицам Ковентри обнажённой. Он был уверен, что это условие будет совершенно неприемлемо для неё. Однако Годива поставила свой народ выше собственной стыдливости и пошла на этот шаг: 10 июля 1040 года она проехала через весь город верхом на лошади, будучи полностью обнажённой. Жители города, любившие свою покровительницу и уважавшие её за её доброту, были предупреждены заранее и в назначенное время выполнили её просьбу: закрыли ставни и двери своих домов, никто не вышел на улицу, поэтому никто не видел прекрасную обнажённую всадницу. Граф был поражён самоотверженностью женщины и сдержал слово, снизив налоги.

Леди Годива

Графиня едет на коне...
Как на подводной лодке люки,
В домах закрыты окна. Люди
Замолкли комнат в глубине.

Как будто пьяное пари
Граф заключил с самим собою.
Графиня платит наготою -
Во все глаза, народ, смотри!

Непрост народ, хоть и простой,
Глазами в пол - не надо дива.
Без дела слово - звук пустой!
Не так ли, добрая Годива?

Дороже денег уговор,
Граф сдержит слово дворянина -
ОблЕгчит жизнь простолюдина,
Жену отправив на позор.

Спасибо молодой жене -
Совсем тобою не любимой -
Ты, граф, прославил своё имя!
Графиня едет на коне...

03.04.2016 г.

Алексей Саврасов – Грачи прилетели



Мой акростих.

Глядите - весна, глядите - грачи!
Рисует Саврасов картину умело,
А солнца лучи не совсем горячи,
Чистое небо, и снег белый, белый.
Истина в том, что тепло на подходе,
Птицы не зря путь проделали дальний.
Радуясь ясной весенней погоде,
Из веточек строят гнёздышки - спальни.
Летают меж веток родимых берёз,
Есть только забота - работать присели,
Теперь не вернётся суровый мороз,
Если грачи к нам опять прилетели.
Ласков сегодня, видать, птичий бог -
Им он вернуться обратно помог.

19.05.2022

Поль Гоген

По замыслу художника это полотно нужно читать справа налево. В крайнем углу изображены три женщины и младенец — символ начала жизни. Группа людей в центре — иллюстрация зрелости, старуха в левом углу — знак неизбежности и приближающейся старости. Произведение стало знаковым в жизни художника Мастер сам заявил, что это превосходная картина и лучше он уже ничего не напишет. После завершения работы Гоген даже хотел покончить с собой, но так и не отважился. Мастер умер спустя 5 лет, так и не написав чего-то более гениального.

Потрясающая картина, незабываемая когда ты знакомишься с ней, узнаёшь её историю и какую знаковую роль она сыграла в жизни не только самого художника, но и множества людей её увидевших и сумевших её никогда не забыть!

Тициан Вечеллио. Италия

1477−1576

Тициан Вечеллио. Венецианское Возрождение

Тициан - великий венецианский художник, один из титанов эпохи Возрождения.
Его творчество наполнено красотой и радостью жизни, вера в счастье человека.
Необыкновенное богатство, тонкость и праздничность цветов сделали его одним из крупнейших живописцев мира.
Он прожил около ста лет и оставил миру множество блистательных работ.
Темы его картин разнообразны: мифология и религия, портрет и пейзаж,
во многих произведениях он воспитывает прекрасное нагое человеческое тело.
В раннем периоде Тициан работал вместе с Джорджоне,
и его произведения этого периода перекликаются с произведениями Джорджоне,
например, "Любовь земная и небесная", "Флора" - они безмятежные по настроению,
знойные и глубокие по краскам.
Но Тициан по сравнению с Джорджоне менее лиричен и утончен,
его женские образы более земные, но по-своему не менее обаятельны.
От них исходит успокоительное веяние душевной свежести и здоровья.
Спокойные, золотоволосые, пышнотелые женщины Тициана - то обнаженные,
то в богатых нарядах - это как бы сама невозмутимая природа, сияющая "вечной красотой",
не добрая и не злая, не умная и не глупая и в своей откровеннной чувственности
абсолютно целомудренная.
Работая в различных жанрах,Тициан непрерывно совершенствовал свою живописную "технику"
и достиг в ней такого совершенства, такой свободы и смелости,
которая поражала тогда и поражает сейчас.
Тициан прожил 99 лет, причем самым плодотворным и самым значительным оказался поздний период его жизни.
В конце его жизни страну постигает бедствие: ее опустошает эпидемия чумы,
от чумы и умер Тициан.

Кающаяся Мария Магдалина (1565)

Можно без конца стоять в Эрмитаже перед "Кающейся Марией Магдалиной" и наслаждаться такой жизненностью,
такой естественностью, в которой, кажется, не хватает только ее дыхания.
Следы слез на цветущем лице, припухшая верхняя губа и покрасневшая кожа над ней,
то, как струятся по плечам и груди густые волны волос металлического отлива,
- все дает зрителю такую полноту чувственного погружения, на какую только способна живопись.
В "Кающейся Магдалине" чувствуется душевная скорбь Тициана:
никогда раньше его кисть не решилась бы написать молодое прекрасное женское лицо воспаленным от слез,
и пейзажный фон у него никогда не был таким тревожным.

Любовь земная и любовь небесная (1516)

У родника, сделанного в виде античного мраморного саркофага,
из которого льется струя прозрачной воды, сидят две прекрасные, похожие друг на друга женщины:
обнаженная богиня любви Венера и нарядно одетая золотоволосая земная женщина,
олицетворяющая земную любовь.
Меж ними, склонившись к воде, маленький Амур вылавливает лепестки роз.
Пейзаж в картине полон безмятежного покоя.
Эта картина звучит как гимн красоте и любви и проникнута наслаждением жизни

Не прикасайся ко мне!

Картина запечатлела момент встречи только что воскресшего Христа,
выдающего себя за крестьянина, с обессилевшей от горя и отчаяния Марией Магдалиной.
Эта последняя их встреча происходит на фоне прекрасного идиллического пейзажа,
полного света и умиротворения.
Распростертая у ног Спасителя Мария Магдалина тянет к нему руку.
Но слова Христа останавливают ее - он уже принадлежит другому миру.
Художнику удалось запечатлеть удивительное слияние любви земной и любви небесной.

Портрет Изабеллы Португальской (1548) - жены Карла V

Успение Богородицы (1518)

Флуктуация центра силы на Восточно-Европейской равнине в батальной живописи

Эту равнину также называют Русской
https://en.wikipedia.org/wiki/East_European_Plain

Навеяло постом Walkman2020
//forum.kinozaltv.life/showthread.p...49#post4858549

Киевская Русь



Золотая Орда (столица Сарай аль-Джедид)
(Не надо думать, что Куликовская битва привела к освобождению от власти Золотой Орды.
Мамай был всего лишь местечковым узурпатором.
Настоящее освобождение от Орды наступит лишь через сто лет.)



Московское царство


Бородинская битва. Louis Lejeune, 1822
См. также: //forum.kinozaltv.life/showthread.p...49#post4858549

Российская империя (столица Санкт-Петербург)

Вы спросите, а чем же определялись эти флуктуации? Да в основном, биогеографией. Границей леса и степи (с ее многочисленными ордами кочевников). А также "диффузионным" культурным влиянием - сначала Османской империи (Московское царство), затем Запада (Российская империя).
Подробнее:
//kinozaltv.life/details.php?id=1138340
//kinozaltv.life/details.php?id=1139361

Описание картины Исаака Левитана “Тропинка в лиственном лесу”

Картина Исаака Левитана “Тропинка в лиственном лесу”, Фото: evg-crystal.ru

Картина “Тропинка в лиственном лесу” написана художником Исааком Левитаном в 1890 году,
в самый расцвет его творчества.
В это время, несмотря на тяжелую болезнь и думы о скорой кончине,
художником были написаны многие замечательные полотна,
которые получили признание обществом ценителей и любителей великого пейзажного искусства.

Исаак Левитан входил в число художников-передвижников,
но несмотря на это ему удалось противостоять условностям этого жанра.
Художнику удавалось, не прорисовывая всех подробностей картины,
улавливать настроение и передавать его зрителю.
Даже ранние его пейзажи были удивительно просты и лиричны.

Художника преследовала тяжелая болезнь,
отголоски которой можно увидеть на всех его пейзажах
— ощущение трагического будущего, одиночества и тоски.
Красота леса всегда привлекала и пленила Левитана,
заставляла его рисовать новые и новые пейзажи и
искать сюжеты для своих картин.
На картине изображен густой лиственный лес и узкая лесная тропинка,
убегающая вдаль.
Лес у художника нарисован густыми, перетекающими красками,
кажется, что невозможно выбраться из него и попасть домой.
Зеленая тягучая чаща изображает настроение художника,
его тягостные мысли о смерти, о невозможности выбраться из своей болезни.
Тонкая извилистая тропинка, убегающая вдаль,
как будто путеводная нить Ариадны, которая выводит его из мрачных темных зарослей
своих раздумий и показывает светлое окончание тяжелого тернистого пути.
Густой лес на картине выглядит живым, словно настоящим.
Глядя на полотно, как будто окунаешься в эту тихую умиротворенную атмосферу.
Природа тиха и беззвучна, мысли медленны и спокойны
— именно так художник растворялся в своих работах,
словно уходя в глубину своих шедевров, отрекаясь от действительности.
Каждой работе художника настоящие ценители искусства давали самую высокую оценку,
называя Левитана “рисовальщиком природы”.
Художник словно сливался со своими картинами, используя сложные цветовые решения
и лишь ему одному присущие техники исполнения лесного пейзажа.

*****

Художница Одальчук Ольга родилась 25 апреля 1965 г. в городе Новокузнецке.
С раннего детства увлекалась рисованием, училась в изостудии. В 1981 г.
окончила Новосибирское художественное училище, по окончании жила и работала
художником-дизайнером на Украине.
В своём творчестве она отдаёт преимущество реалистическому стилю живописи.
Дипломант Международного конкурса художников «2000 лет под звездой
1998г. Дипломант 1-го 2006г. 2-го 2007г. Международных арт-фестивалей Киева.
Дипломант Международного пленэра в Черногории 2009г.
На протяжении творческой деятельности Ольга приобрела редкий дар художника
работать в разных жанрах и направлениях в живописи.

Но главное преимущество отдает классическому реализму.
В её картинах реализм - это искренность и правдивость. Ольга непревзойденный
мастер переднего плана, - создается впечатление, что цветов, написанных её
кистью, можно коснуться и ощутить их аромат.
Нежные и яркие, овеянные дыханием ветра и жаром солнца, написанные с душой
картины несут в себе то невероятно-позитивное тепло, которого нам так порой
не хватает в ненастные будни.

Ольга постоянная участница выставок и конкурсов, проводимых как за границей,
так и на Украине. Её работы приобретены и представлены в Администрации
Президента Украины, Конституционном суде Украины, в Мариинском дворце Киева,
в Москве, а также в частных коллекциях на Украине и за рубежом.

"Красота форм в природе" (1904)

Это коллекция иллюстраций немецкого биолога-эволюциониста Эрнста Геккеля, который более сорока лет изучал строение организмов. Многие представленные в собрании виды были впервые описаны им самим. Книга выдвигает на первый план эстетическую составляющую в научном исследовании, которая часто воспринимается как чуждая науке.

Вы скажете, да в наше время можно и покрасивше цветные фотки снять. Так-то оно так, но здесь тема про рисование. )

<table>
</table>

<table>
</table>

<table>
</table>

<table>
</table>

<table>
</table>

Cкрытый текст -

 

Остальное на //evolution.powernet.ru/library...nstformen.html

Описание картины Бориса Кустодиева “Матрос и милая”

Б.Кустодиев, “Матрос и милая”, 1920 год, Фото: artchive.ru

Молодые люди – матрос в форме и девушка – прогуливаются по набережной.
Высокий, плечистый мужчина с легким превосходством смотрит на зрителя.
В зубах он держит сигару, а бескозырка залихватски сдвинута на затылок.
Весь его образ демонстрирует бесстрашие и насмешку над любыми трудностями.
Девушка нарядилась на свидание в лучшее, что есть в ее гардеробе.
Короткое платьице с кружевным подъюбником, который кокетливо выглядывает из-под верхнего слоя ткани,
отделано атласными лентами.
Обута героиня картины в модные высокие сапожки на шнуровке.
Из-под маленькой шляпки выбиваются коротко остриженные золотистые волосы.
Девушка словно не замечает, что на них кто-то смотрит.
Ее мечтательный взгляд слегка затуманен.
Роза – видимо, подарок поклонника – завершает ее образ.

“Матрос и милая” представлена двумя рисунками, на которых изображены одни и те же персонажи.
Но полотно 1920 года отличается по композиции и нескольким деталям от повторения того же сюжета годом позже.
Сравнивая эти два варианта можно увидеть,
как менялось отношение художника к своим моделям.

На более раннем варианте картины пара изображена в фас.
Матрос держит свою спутницу под руку могучей рукой.
Толстые пальцы на крупной кисти расположены точно в центре композиции.
Он смотрит искоса на девушку, что в сочетании с почти хозяйским жестом руки говорит о том,
что у него серьезные намерения.
Удалой характер подчеркивается грудью нараспашку,
на которой красуется татуировка в виде якоря.

Девушка одета со вкусом и по моде тех лет.
Шляпка и платье розового составляют ансамбль.
Образ дополнен меховой горжеткой с мордочкой куницы.
Смелое декольте украшено золотой цепочкой с кулоном.
Девушка держит в зубах розу на манер сигареты и смотрит прямо на зрителя,
но словно не видит его.

В таком варианте автор явно иронизирует над представителями “нового времени”, новых хозяев жизни.
Их образы напоминают карикатуру.
В более поздней версии девушка и матрос изображены сбоку.
Они прогуливаются по набережной и будто на мгновение оглянулись на зрителя.
Голубая шляпка девушки больше похожа на старый чепец и не гармонирует
с желтым платьем, отделанным коричневыми лентами.
Образ девушки уже романтический, а не кричащий.
Да и матрос выглядит куда скромнее.
Видимо, в этом варианте художник уже менее критично относится к современной ему молодежи
и изображает их молодыми романтиками, а не новыми хозяевами.

*****

Картины французского художника Жюля Бастьена-Лепажа

Ж. Бастьен-Лепаж. Жанна д'Арк (1879), Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Самая известная, пожалуй, картина Бастьена-Лепажа – «Жанна д’Арк».
Среди множества других «жанн», изображенных живописцами нескольких веков, она не затерялась, и даже наоборот, обратила внимание ценителей на творчество этого французского мастера.
Это воплощение на картине образа Орлеанской девы возвращает зрителей к любимой теме художника – к деревне, красоте крестьянок и трогательной лиричности провинциального пейзажа.

Художник из деревни

Всего 36 лет прожил этот художник, не успев, по всей видимости, даже приблизиться к тем высотам, которые мог бы достичь, проживи он на свете еще пару десятилетий.
Но, несмотря на это, он успел прославиться еще при жизни, стать одним из ведущих мастеров нового для тех времен направления в реализме – натурализма.
Бастьен-Лепаж завоевал даже любовь импрессионистов, в частности, Клода Моне, который увидел в картинах молодого художника нечто близкое своей собственной философии и манере творчества.

Портреты отца и матери художника

Жюль Бастьен-Лепаж родился 1 ноября 1848 года в деревне Данвиллер в Лотарингии.
Отец его занимался виноградниками, дед держал фруктовый сад. Мальчик рано увлекся рисованием и первые уроки получал от родителей; отец и сам хорошо владел кистью, мать покупала сыну репродукции известных картин для копирования.
Потом Жюль учился живописи в Вердене, а в 1867 году отправился в Париж.

Автопортреты художника. Набросок справа сделан незадолго до его ухода в мир иной

Там, в столице, он поступил в Школу изящных искусств, где три года учился под руководством художника Александра Кабанеля.
Там же, в школе, он встретил единомышленников и друзей – тех, кто не хотел ограничивать свое творчество академическими сюжетами, кому было интересно изображать жизнь бедняков, крестьян, их быт и повседневность.
В отличие от других художников-реалистов, стремившихся заострить внимание на проявлениях социальной несправедливости, на лишениях, на уродливых чертах бедности, Жюль Бастьен-Лепаж видел и воплощал в своих «деревенских» сюжетах трогательную скромную красоту.

Бастьену-Лепажу удавалось видеть красоту деревенской жизни и показывать ее другим
Октябрь. Сбор картофеля (1878), Национальная галерея Виктории, Мельбурн

Успех дедушкиного портрета и свой собственный стиль

В двадцать два Бастьен-Лепаж оказался на немецко-французской войне. Он был тяжело ранен и восстанавливать здоровье приехал в родной Данвиллер.
Там писал портреты своей семьи, соседей. Не пренебрегал он и выставлять свои работы в Парижском салоне – первые два оказались для Бастьена-Лепажа неудачными,
а вот выставка 1874 года принесла ему успех.

«Портрет моего дедушки» привлек внимание к работам художника; справа - скульптурное изображение Бастьена-Лепажа работы Огюста Родена.

Это был «Портрет моего дедушки», принятый публикой очень хорошо и удостоенный медали III степени.
Тогда же была выставлена «Песня весны», картина, на которой была изображена крестьянская девушка в окружении лесных нимф.
Следующие годы лишь увеличивали успех и популярность художника. Его работы стали сравнивать даже со знаменитым мастером портретов, Гансом Гольбейном.
«Благовестие пастухам» принесло художнику второе место в конкурсе на Римскую премию и участие во Всемирной выставке в Париже.

В работе Бастьен-Лепаж предпочитал приглушенные, неяркие краски.

А вот «Приама у ног Ахиллеса» публика не оценила; Бастьен-Лепаж снова вернулся к деревенским сюжетам.
Они, да еще портреты и составили основное наследие мастера.
За «Портрет мадемуазель Сары Бернар» он получил крест Почетного легиона и приглашение изобразить на холсте принца Уэльского, что и было сделано.
Во Франции, да и за ее пределами, Бастьен-Лепаж стал известен как лидер школы натуралистов, поклонником его творчества был писатель Эмиль Золя.

Любовь к деревне и «Деревенская любовь»

В восьмидесятых годах XIX века Бастьен-Лепаж совершил несколько долгих путешествий – по Англии, по Италии.
Уже серьезно больной раком, он отправился в Алжир в надежде поправить там свое здоровье. Увы, это сделать не удалось.
10 декабря 1884 года Жюль Бастьен-Лепаж скончался в своей мастерской в Париже.
Он был похоронен в родной деревне, вокруг места погребения его брат Эмиль, тоже художник и архитектор, спроектировал и создал парк.

Персонажами полотен художника часто становились молодые крестьянки

Последней датированной работой Бастьена-Лепажа стала «Кузница».
Весной 1885 года в память о художнике в Школе изящных искусств были выставлены более двух сотен его работ.
Некоторые из картин Бастьена-Лепажа оказались на Всемирной выставке в Париже в 1889 году.
Самая известная работа художника в России – большое полотно «Деревенская любовь», приобретенное еще Сергеем Третьяковым для своей коллекции.
Валентин Серов, передвижник, высоко ценил эту работу и с уважением отзывался о наследии французского мастера.

«Деревенская любовь» и «Продавщица цветов»

Неизвестно, как мог бы развиваться творческий путь Бастьена-Лепажа, если бы ему была уготована долгая жизнь.
Он мог бы вернуться к академическим стандартам и создавать картины на библейские и исторические темы.
Или примкнуть к импрессионистам, которым он был близок по духу.

Полотна Бастьен-Лепажа размещены в крупнейших музеях мира:
в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Мельбурне, Филадельфии.
В ГМИИ им. А. С. Пушкина две работы: «Деревенская любовь» (1882 г., масло, 194х179 см) и «Девушка с граблями» (уголь, 49,5х38 см).

Аркадий Пластов: биография художника и картины

Аркадий Александрович Пластов (Arkady Alexandrovich Plastov;
родился 31 января 1893 — умер 12 мая 1972 гг.)
— признанный классик советского реализма, лауреат Сталинской и Ленинской премий.
И все же творчество мастера не вписывается в жесткие рамки соцреализма.
У Аркадия Пластова есть официальные портреты вождей и сцены колхозных праздников.
Но более важное место занимает изображение крестьянских будней и красоты российской земли.
Жизнь человека в гармонии с природой — вот лейтмотив творчества этого художника,
что делает его наследником и продолжателем национальной художественной традиции.
Это классик не только советской, но и русской живописи,
внесший большой вклад в развитие отечественной культуры.


Аркадий Пластов. > Сенокос < 1945

Аркадий Пластов. > Купание коней <, 1938

Биография художника Имя Аркадия Пластова тесно связано с селом Прислониха Ульяновской губернии.
Здесь будущий художник родился в 1893 году,
а затем жил с любимой женой, лишь на время уезжая в Москву.
Его родители были небогатыми крестьянами, но дед и прадед — иконописцами.
До 19 лет Аркадий успел проучиться в школе, духовном училище и Симбирской духовной семинарии.
Родители хотели сделать его священником.
Но наблюдение за работой иконописцев так впечатлило Аркадия,
что он решил изменить свою жизнь.


А. Пластов 1946г. > Первый снег < *** А. Пластов 1952г. > Родник <

Пластов уезжает в Москву для получения художественного образования.
Сначала занимается в студии Ильи Машкова, потом поступает в Строгановское училище.
Завершением образования стало столичное Училище живописи, ваяния и зодчества.

После революции художник вернулся в родную деревню,
стал секретарем сельсовета и жил, занимаясь преимущественно сельским хозяйством.
На искусство времени оставалось мало.
В основном, в 20-е годы прошлого столетия создавались политические плакаты и книжные иллюстрации.
Все изменилось после большого пожара в 1931 году,
когда в пламени были уничтожены многие деревенские дома,
а также все имущество художника и его этюды.
Пластов, которому было уже почти 40 лет, решает полностью посвятить себя творчеству.
Уже в 1935-ом его картины с успехом демонстрируются в Москве


А. Пластов. >Колхозный ток<1949г

В дальнейшем Аркадий Пластов участвует во всех важных событиях мира искусства,
а его слава растет с каждым годом.
В 1946-ом ему дают Сталинскую премию первой степени за работы «Сенокос» и «Жатва»,
еще через год принимают в Академию художеств.
В 1962-ом мастер становится народным художником,
а четырьмя годами позже получает Ленинскую премию.
Посмертно он был награжден премией имени Репина.
Умер живописец в 1972 году в родном селе.
В браке с Натальей фон Вик, девушкой дворянского происхождения,
у него родился сын, тоже ставший художником.
Внук живописца продолжает семейную традицию и входит в Союз художников.


Аркадий Пластов. «Деревенский март», 1964

Самые известные картины художника на тему крестьянского труда —
«Сенокос», «Жатва», «Колхозный ток» и «Ужин тракториста».
Несколько опоэтизированная деревенская жизнь изображена на полотнах
«Купание коней», «Первый снег», «Родник», «Мартовское солнце», «Весна» и «Юность».


Аркадий Пластов. «Весна», 1954

Военная тема отражена в работе «Фашист пролетел».
Эта работа висела в советском посольстве, где проходило совещание лидеров антигитлеровской коалиции
и было решено открыть Второй фронт.
Среди поздних произведений многие посвящены теме материнства, например, «Солнышко» и «Мама».


Аркадий Пластов. «Фашист пролетел», 1942

Более сотни картин Пластова выставлено в Ульяновском художественном музее.
Отдельные работы можно увидеть в Третьяковской галерее, Русском музее и других собраниях.
Приобрести полотно такого уровня в частную коллекцию — сложная задача,
но сайт Very Important Lot делает ее возможной.
На аукционах нередко встречаются картины лучших русских и советских художников,
которые с годами только растут в цене.


Аркадий Пластов. «Солнышко», 1966

***

Ренуар Пьер «ложа» описание картины, анализ, сочинение

Пьер Огюст Ренуар. Масло, 1874 год

Это, очевидно, самая знаменитая из работ, представленных Ренуаром
на первой выставке импрессионистов в 1874 году.
Картина представляет собой блестящий образец великолепной техники художника,
характерной для того периода его творчества.

Бледная кожа женщины создаёт незабываемый контраст с интенсивными чёрными полосами на её костюме.
Женской моделью была профессиональная натурщица по имени Нини
(у неё ещё малоприятное прозвище Гель-де-Ре или Рыбное лицо).
Моделью для мужской фигуры был брат Ренуара Эдмон.
Несмотря на то, что эта картина получила на выставке неплохие отзывы,
она не сразу нашла покупателя,
и Ренуар продал её торговцу только в 1875 году за 475 франков скромная сумма,
на то время и она была жизненно необходима художнику,
чтобы расплатиться долгами.

Огюст Ренуар - Танец в деревне (Алина), 1882-1883

В 1882-1883 годах Ренуар пишет три больших полотна (с фигурами почти в натуральную величину),
на которых изображена танцующая пара.
Пара картин называется «Городской танец» и «Деревенский танец».
Известно, что Ренуар был по существу противником того,
чтобы с помощью своих холстов рассказывать истории,
однако «Деревенский танец» и «Городской танец» написаны с явным желанием противопоставить два образа жизни
— утончённый городской и здоровый деревенский.

Зонтики, 1881-1886

Над этой картиной Ренуар работал на протяжении ряда лет, как раз в то время,
когда произошли кардинальные перемены в его манере письма.
Он начал эту картину незадолго до отъезда в Италию, где находился в 1881-1882 годах,
но работа оставалась незавершенной ещё как минимум пять лет.
Картина «Зонтики» была последним большим полотном,
на котором Ренуар изобразил сцену из современной ему жизни.
После этого он обращался к более «вечным» темам

Огюст Ренуар - Молодая женщина в лодке (Лиза), 1870

Огюст Ренуар - Лиза в белой шали, около 1872 - Музей искусств Далласа (Даллас, США)

"Лиза в белой шали" - cчитается, что это последний портрет Лизы Трео,
написанный Ренуаром перед их расставанием.
В начале творческой карьеры Лиза была любимой моделью художника,
чаще всего появляясь в портретных и сюжетных сценах.
За несколько лет их творческого союза было создано около 20 картин с ее участием.
24 апреля 1872 года Лиза Трео выходит замуж.
Этот сентиментальный портрет, вероятно, был свадебным подарком Ренуара.
Белая шаль, наброшенная на голову, придает девушке скромность,
а жест руки акцентирует внимание зрителя на лице с большими темными глазами.
Довольно крупный план портрета подтверждает духовную близость Трео и Ренуара.
Картины "Лиза за вышивкой" и "Лиза в белой шали"
находились в собственности Лизы Трео и ее семьи вплоть до их передачи в музей.

Тропинка в высокой траве, 1876-77

Несмотря на бедность, именно в эти годы художник создал свои основные шедевры:
«Большие бульвары» (1875), «Прогулка» (1875), «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876),
«Обнажённая» (1876), «Обнажённая в солнечном свете» (1876), «Качели» (1876),
«Первый выезд» (1876/1877), «Тропинка в высокой траве» (1876/1877).

Огюст Ренуар - Бал в Мулен де ла Галетт, 1876

Огюст Ренуар - Разговор в лодке (Алина и Ренуар), 1880-1881

Джон Уильям Годвард и его прекрасные итальянки.

Почему жизнь художника сложилась трагически?

Начало творческого пути Джона Годварда

Отъезд в Рим

Джон Уильям Годвард (John William Godward) — последний значительный художник-неоклассицист в Британии.
Отдельные исследователи причисляют его к поздним прерафаэлитам.
Он создавал картины, полные света и красок. Но сам был замкнутым человеком,
страдавшим от жесткой критики современников.
На рубеже веков набирало популярность современное искусство,
и творчество этого мастера осталось недооцененным при жизни.
Художник страдал от осуждения не только критиков-авангардистов,
но и собственной семьи.



Джон Уильям Годвард. Римская красавица 1908



Джон Уильям Годвард. Античная красавица 1892

Начало творческого пути Джона Годварда
Джон Годвард родился в 1861 г. в семье обеспеченной и респектабельной, но пуританской.
Как старший сын и наследник, он должен был продолжить дело отца,
занимавшегося страхованием и инвестициями.
Когда будущий художник предпочел писать картины,
родители не поддержали его и сочли это занятие недостойным.
Тем не менее, Годвард прожил с семьей до 26 лет.
В 1888 г. он успешно дебютировал на выставке,
вступил в сообщество викторианских художников и снял отдельную студию



Джон Уильям Годвард. Мелисса 1898 - Джон Уильям Годвард. Письмо 1899

Основную тему творчества Годвард выбрал в юности и придерживался ее всю жизнь.
Мастера вдохновляли девушки греко-римского типа,
которых он изображал в античной одежде с драпировками.
Фоном часто становятся мраморные террасы с цветами и морским пейзажем на заднем плане.
Изображение античности было популярным в то время.
Но современники художника чаще изображали англичанок в соответствующем антураже.
И только Годвард искал среди эмигрантов модели итальянского происхождения.

В 90-е годы художник стал известным.
О нем узнали за границей, включая США.
Репродукции картин часто печатали в журналах.
Годвард стал признанным мастером классического стиля и жанра.
Финансовое благополучие позволило ему переехать в солидный дом с отдельной одноэтажной студией.
За его оградой живописец вел уединенную жизнь, но работал много и плодотворно.
Однако круг поклонников был узким из-за усиливавшихся антитрадиционных настроений.
По этой причине с 1894 г. Годвард перестал выставляться в Обществе британских художников



Джон Уильям Годвард. Праздность 1900

Отъезд в Рим

Первую поездку по Италии Джон Годвард совершил в 1905 г.,
и тогда же устроил первую выставку в Париже.
С этого момента он все больше отдалялся от художественной жизни в Британии,
хотя его покупателями оставались, в основном, соотечественники.
Поездке способствовало получение наследства от тети.
Другой причиной называют строительство шумного стадиона рядом с его домом.
В 1910 и 1911 гг. Годвард ездил в Рим повторно с целью подыскать дом со студией. А в 1912-м переехал окончательно.
К этому времени авангардное движение на родине стало более организованными,
и критики-модернисты нещадно нападали на последних классицистов.
Переезд связывают и с романтическими отношениями Годварда с девушкой-итальянкой из бедной семьи.
Эта связь шокировала мать художника и,
без того сложные отношения с семьей, испортились окончательно.

Джон Уильям Годвард. Нерисса 1900

Первые годы в Италии были успешными.
Исследователи предполагают, что мастер остановился на той же вилле,
где ранее работал Илья Репин.
Авангардные настроения здесь были еще не так сильны,
Рим оставался оплотом неоклассического искусства.
Картины мастера получали признание.
Работа «Бельведер» в 1913 г. получила золотую медаль на проходившей в Риме международной выставке.
Но к 20-м годам обстановка ухудшилась.
У Годварда портилось здоровье, а радикально настроенные фовисты и кубисты стали собираться
в непосредственной близости от его дома.
В 1921 г. группа таких художников захватила его студию,
так что выселять их в последствии пришлось через суд.
Мастер вернулся в Британию, но и здесь не нашел благополучия.
Он обнаружил классическое искусство окончательно сдавшим позиции.
Картины с античными красавицами не вписывались в новую среду.
Все это привело к тому, что в 1922 г. художник совершил самоубийство.

Джон Уильям Годвард. Молодая красавица 1909

Мать и братья Годварда сочли его поступок оскорбительным.
Спасая репутацию, они пытались скрыть факт самоубийства,
а главное, уничтожили все его имущество и фотографии.
Поэтому не сохранилось ни одного изображения мастера.
Также практически не осталось незаконченных работ, чтобы исследовать технику его работы.
Родня оставила только подходящие для продажи картины.
На полвека Джон Годвард был забыт, но в 70-е к нему снова вернулась известность.
Сейчас его картины так же популярны, как творчество Лейтона, Бугро и Уотерхауса.
В 1995 году полотно «Dolce Far Niente» было продано на аукционе за 567 000 долларов.
Даже далекие от искусства люди знают отдельные его работы,
поскольку эти сюжеты часто используют в дизайне для украшения интерьера.

Джон Уильям Годвард. Бельведер 1913

ПОЛЬ ЭМИЛЬ ШАБАС- "СЕНТЯБРЬСКОЕ УТРО"

"Сентябрьское утро" — картина французского художника Поля Эмиля Шабаса, написанная в 1912 году и ставшая известной благодаря скандалу в США.
...Сентябрьским утром вода была уже холодной. Марта вздрогнула, а художник одобрительно крикнул с берега: "Это то, что нужно!". Он принялся за работу немедленно, и быстро сделал эскиз. С тех пор два летних сезона каждое утро Поль Эмиль Шабас доводил свою работу до совершенства. На Парижском салоне в 1912 году картину отметили… медалью. Однако французы не пришли в восторг от работы художника: в Париже уже не раз видели прекрасную обнаженную натуру. Тогда Шабас поехал в Чикаго, выставляться там. И тут же попал в историю. Мэр американского города был возмущен: "Что за невероятная картина! К чему она? Зачем она?". Шабаса обвинили в неуместном поведении, а на владельца галереи, где была вывешена картина, подали в суд. Но мэр проиграл процесс. А Шабас моментально стал знаменитым. Каждый хотел посмотреть на картину, которая привлекла столько внимания!
"Сентябрьское утро" - так называлось полотно – приобрел наследник русского нефтяного магната, Левон Манташёв. После революции ему удалось отправить полотно за рубеж, и даже выгодно его продать. Сейчас картина находится в Метрополитен-музее. Девушка Марта, позировавшая для полотна, по версии самого художника удачно вышла замуж за богатого промышленника и стала матерью троих детей. Правда, на протяжении XX века по меньшей мере еще две женщины заявили, что именно они изображены на картине.

Французский художник Леон Огюстен Лермитт

Леон Огюстен Лермитт (31 июля 1844 - 28 июля 1925)

Леон Огюстен Лермитт (фр. Léon Augustin Lhermitte) — французский живописец, рисовальщик и гравёр.
Представитель французской реалистической живописи, натурализма. Член французской Академии изящных искусств.
Являлся сыном учителя, который, заметив его талант, поощрял сына к рисованию.
Обучался в специальной художественной школе рисования и математики (ныне Национальная школа декоративного искусства в Париже).
Позже, благодаря стипендии от Александра Колонна-Валевского — в Школе изящных искусств в Париже под руководством Горация Лекока де Буабодрана, учившего его рисовать, используя метод запоминания.

Расчёт за уборку урожая (1882), Париж, Музей Орсе.

Леон Огюстен Лермитт Дебютировал в Парижском салоне в 1864 году.
В течение долгих лет художественной деятельности неоднократно награждался, в том числе в 1884 году был удостоен Ордена Почётного легиона.
А в 1889 году — Гран-при на Всемирной выставке в Париже.

Сбор колосков (1887). Художественный музей Филадельфии, США

Леон Огюстен специализировался на изображении простонародного быта во всей его простоте и правде, без всякой идеализации.
Картины Л. Лермитта, выполненные масляными красками, отличаются прекрасным рисунком, свежим колоритом и нередко большой выразительностью, характерностью представленных типов.

На покосе (1887). Амстердам, музей Винсента Ван Гога.

Художник уделял особое внимание материнству, отношениям матери и ребёнка.


Материнство или Счастливая семья

Сначала Л. Лермитт использовал масляную технику, позже предпочитал пастели, создал ряд офортов.
Превосходны его рисунки, сделанные углём (фюзеном), в том числе «Внутренность кузницы в Мон-Сен-Пере», «Похороны», «Английский нищий», «В церкви», «Жатва».
Его кисти принадлежит декоративная живопись в здании университета Сорбонны.

«Друг смиренных» («Ужин в Эммаусе») (1892). Музей изящных искусств (Бостон, США).

В 1950-е годы работы Лермитта повлияли на развитие социалистического реализма в живописи в странах социалистического лагеря.

Отдых крестьянки (1903). Художественный музей Цинциннати, США.

Художник Сохранял активность до последних лет своей жизни.
Картины Л. Лермитта экспонируются в музеях по всему миру.
Среди прочих в Париже, Бостоне, Вашингтоне, Чикаго, Монреале и Москве.

Сбор колосков (1920). Национальный музей западного искусства (Токио).

В родном городе художника (Мон-Сен-Пер, Пикардия, Франция) в его честь установлен памятник.
Именем Л. Лермитта названа улица в Париже.