Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco — «украшаю») — широкий раздел художественного творчества, который охватывает различные разновидности профессиональной творческой деятельности, направленной на создание изделий, тем или иным образом совмещающих утилитарную, эстетическую и художественную функции. Этот собирательный термин условно объединяет два обширных вида искусства: декоративное и прикладное. Иногда эту широкую область вместе с дизайном именуют предметным творчеством. В отличие от произведений изобразительного, или изящного искусства, предназначенных для эстетического и художественного восприятия вне окружающей среды и поэтому относящихся к «чистому искусству», многочисленные произведения декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление (прикладное искусство) или служить украшением в широком смысле этого слова (декоративное искусство). В первом случае ключевым понятием является утилитарность или утилитарная функция, во втором — декор. Таким образом, декоративно-прикладное искусство, наряду с архитектурой, относится к роду бифункциональных искусств (лат. bi — два, двойной и лат. functio — исполнение, действие).
Сложная структурная морфология декоративно-прикладного искусства определяет множество разновидностей, основанных на использовании различных методик, материалов и технических приёмов, многие из которых шлифовались веками в народном и профессиональном художественном творчестве. Так в обработке камня, дерева, кости используется резьба: резьба по камню, резьба по кости, резьба по дереву; В работе с тканями: ткачество, вязание, шитьё, золотное шитьё, лоскутное шитьё, ковроткачество, кружево, аппликация, батик и многое другое. В стеклоделии: выдувание, шлифование, гравировка, роспись. В металле: выколотка, чеканка, гравировка.

В этой теме размещаем картинки имеющие отношение к декоративно-прикладному искусству.
Под/над картинками размещаем письменные пояснения, которые имеют отношение к созданию или другие интересные факты связанные с сюжетом изображенного.
Картинки: не имеющие отношения к данной теме, а также без какого-либо описания под ними являются пустыми (ничтожными) и не имеющими никакого смысла для их размещения.
Размер не более 700 пикселей по горизонтали.
Количество постов от одного пользователя, в том числе и подряд - не ограничено.

Парадный нагрудник

Дата создания: около 1540 — 1545.
Материал: сталь, золото.



Бывший частью парадных доспехов, этот нагрудник является единственной подписанной работой Джованни Паоло Негроли,
двоюродного брата более известного Филиппо.

Филиппо Негроли (итал. Filippo Negroli; 1510—1579) — миланский оружейник, живший в XVI столетии.
Негроли был широко известен своим мастерством и может рассматриваться как известнейший оружейник всех времён.
Филиппо работал вместе со своими младшими братьями —
Джованни Баттиста (Giovan Battista, 1511—1591) и Франческо (Francesco, 1522—1600)
в семейной мастерской Негроли, принадлежащей их отцу — Джану Джакомо Негроли (Gian Giacomo Negroli, 1463—1543).
Филиппо специализировался на чеканке, в то время как его брат Франческо занимался инкрустацией доспехов золотом и серебром.
Работы Филиппо особо примечательны тем, что сработаны они из стали, а не из более удобного при работе железа.

К его работам относят парадные доспехи таких исторических личностей как Карл V, император Священной Римской империи,
и Гвидобальдо II, герцог Урбинский.



Сейчас поверхность нагрудника светлая, но первоначально она была другого цвета,
а рельефные и травленые участки были позолочены.



Из коллекции музея Метрополитен, Нью-Йорк, США.

Декоративно прикладное искусство Ханты и манси

Якутские поделки

Сувениры из оленьего меха

Резьба из кости мамонта Якутия

Амулет из бисера

Обереги Ханты и манси

Якутский бастына

Резьба по кости бивень мамонта

Куклы Камчатки . Анна Манько

Эвенкийские украшения из бисера

Декоративно-прикладное искусство

Поделки из кости. Магадан

Изделия из бивня мамонта

Бивень мамонта

Изделия из моржовой кости

Клык из бивня мамонта сувенир

Косторезный промысел Уэлен

Древние изделия из бивня мамонта

Человек, который видел голубое Эльдорадо,
И его крутое солнце, перевитое с дождем,
Краше жизни славит Солнце и вечерния лампады,
Те, которых даже в грезе, в сказке не найдем!..
Евгений Львович Шкляр

С наступающими Рождеством и Новым годом поздравляю
гостей и участников темы "Декоративно-прикладное искусство"

ЁЛОЧНАЯ ГИРЛЯНДА

"Мир будто убежал на много световых лет вперёд".

Котики из морских камешков.
Автор - Ozlem Araz

Медальон с изображением возвращения с весенней прогулки.

Дата создания: XVI век, династия Мин (1368 — 1644).
Место происхождения: Китай.
Материал: слоновая кость.



Мотив ученого господина, едущего верхом на фоне лунного света, очень часто встречается в китайском искусстве.



В этой богато украшенной резьбой сцене ученый едет верхом на лошади, в то время как четверо молодых слуг несут его вещи,
а пятый спешит открыть ворота семейного двора.



Подразумевается, что ученый господин возвращается с весенней прогулки, наполненной вином и поэзией.



Сейчас выставлен в музее Метрополитен, Нью-Йорк, США.

… Вокруг свечи сияет венчик.
И тишина. И сладко всем.
А старый год все меньше, меньше…
И вот уж нет его совсем.
И мы волненье ощущаем,
У года стоя на краю,
Хотя который год встречаем
Мы Новый год за жизнь свою.
Сухим снежком, морозцем вея,
Он к нам на празднество идет.
Но с каждым годом все новее,
Наш добрый гость, наш Новый год.

Константин Ваншенкин

Симпатичные идеи зимнего декора своими руками

Когда наступают холодные ночи, наступает время свитеров и горячих напитков.
Мы можем сделать наш дом намного ярче и теплее, выбрав те украшения,
которые поднимают нам настроение и делают наши дни ярче.
Многим людям нравится добавлять в вазы ветки с гирляндами,
чтобы скрасить темные углы.

С Новым годом дорогие Друзья!

Всего Вам самого удивительного в рукотворном творчестве.

Международный день ювелира отмечают 31 января.
Дата была выбрана не случайно: именно в январе ювелиры регистрируют свои клейма.

Ювелирное дело – это искусство обработки драгоценных материалов и изготовления украшений, разновидность декоративно-прикладного искусства. Его история уходит в далекое прошлое. Люди издавна украшали себя, изготавливая из ракушек, клыков, камней подвески, бусы и браслеты. Затем материалом для украшений стали металл: метеоритное железо, медь, бронза, золото, серебро, платина. Каждая эпоха создавала украшения по-своему, что находило отражение в выборе материала, способах его обработки, технике и языке художественных форм.

Ювелирное дело было широко распространено во всех странах мира, и у каждого народа были свои боги и святые, которые считались покровителями профессии. Обычно божество являлось покровителем одновременно ювелиров и кузнецов. Таким был Гефест в греческой мифологии.

Интересные факты

Самыми древними украшениями считаются ракушки Нассариус, найденные в марокканской пещере, им 82 000 лет.
Родиной ювелирного дела считается Древняя Греция. Именно ее мастера впервые выполнили резьбу по камню.
Золото и серебро – слишком мягкие металлы, и большинство украшений сделаны не из них, а из сплавов.
Бриллиант – вовсе не самый дорогой драгоценный камень. Таким считается александрит.

Бытует мнение, что синтетические камни ничего не стоят. На самом деле их отличает только то, что они выращены в специальных лабораториях. Структура же и внешний облик полностью совпадает с камнем природного происхождения, а отличить их друг от друга могут только опытные специалисты.

Самый известный ювелир – Карл Фаберже. Он положил начало целой династии мастеров ювелирного искусства.
Самым дорогим их знаменитых «яиц Фаберже» является «Ротшильдовское», или «зимнее». Изготовленное в 1902 году, оно было выкуплено в 2007 году за $18,5 млн. В настоящее время хранится в Эрмитаже.

Слово гаргулья - французское La Gargouille происходит от слов, имитирующих булькающий звук, журчание воды. В основе - производные от латинских gurgulio - дыхательное горло; gula - глотка, горло; gurges - водоворот, пучина, омут, поэт, воды (перевод по Латинско-русский словарь, сост. А.М.Малинин, 1952).

С ХХI века изображения страшных гаргулий стали вырезать из камня на наружных стенах романских и готических построек. Делали ли скульптуры гаргулий раньше - не известно, так как до этого в подобных целях использовали дерево, которое не имело шансов сохраниться до времен научного описания. Стоит отправиться в Европу и вот - они смотрят на нас со стен храмов то несчастные, то агрессивные, то смешные, то страшные. Чаще всего гаргульи "живут" на готической архитектуре, иногда на романской. Однако, и в позднейшей архитектуре, включая современные здания, встречаются довольно часто.

Свой строгий сакральный смысл имели и гаргойли и химеры.

– Вдумаемся в образ, – говорит он. – С неба льется вода, проходит через рот гаргойли и низвергается в мир… Гаргойли были как бы небесными кранами, посредниками между божественным и человеческим планом, связью между горним и дольним – и в таком контексте сам собор, проводник божественной силы, тоже представлял собою гаргойль, просто очень большую. Это, если я позволю себе профессиональное сравнение, как бы связка органных труб, где собор был главным калибром, а остальные гаргойли подчеркивали и высвечивали мистическую роль главной трубы, из которой обильно изливалась – во всяком случае, в теории – благодать.
– А химеры? – спрашивает Голгофский.
– Химеры возникают тогда, когда связь человека с небом утеряна, – отвечает Марголин. – Вместо органа, гремящего небесной музыкой, мы получаем его каменную копию, подделку.
– Но вот, – говорит Марголин, – приблизительно на рубеже Средних веков и Возрождения наступает эпоха, когда по какой-то причине небеса словно охладевают к человеку – и перестают посылать ему своих вестников… Скажите, вы ощущаете темную зону богооставленности, в которую вступило человечество?

Химера… Это нечто такое, что выдает себя за гаргойль.

Химеры во всем похожи на гаргойлей – это такие же сгустки чужой воли, принимаемой за свою: незримые указы, проецируемые на человеческое сознание. Но они приходят не с высших планов бытия, а создаются людьми – особыми оккультными организациями, контролирующими развитие человечества...
Виктор Пелевин «Искусство легких касаний».

Оксфорд



Современная химера в Городе искусств и наук, Валенсия, Испания, архитектор знаменитый Сантьяго Калатрава.

Все изображения взяты из сети. Где нужно - скомпоновал.
Краткую информацию и пояснения надписал на самих фото.

Все изображения так же из сети.
Надписи с пояснениями и компоновку сделал так же, как и в предыдущем посте.

Фибула (пряжка, застежка)

Готская фибула V века

Фибула (лат. fibula, скоба) — металлическая застёжка.
В отличие от большинства современных брошей,
фибулы одновременно служат украшением и выполняют практическую функцию:
булавка с «замком» для острого конца позволяет закрепить одежду.

Латенская фибула, 300-150 гг. до н. э.

Фибулы разнообразных форм были распространены с бронзового века до позднего Средневековья.
При всех изменениях формы и усовершенствованиях устройства общий их тип сохранился почти неизменным.
В средние века были вытеснены пуговицами, сохранились в качестве элемента национального костюма,
например, у латышей (сакта), эстонцев и скандинавов.


Римская бронзовая фибула (5 век до н.э.)

Большинство сделаны из бронзы (точнее, «медных сплавов») или железа или обоих.
Некоторые фибулы сделаны из драгоценных металлов, таких как серебро или золото .
Большинство сделаны только из одной или двух частей.
Многие фибулы украшены эмалью, полудрагоценными камнями, стеклом, кораллом или костью.

Серебряная пряжка (фибула) эпохи Модерна

Мода на фибулы менялась достаточно часто.
По фибулам в захоронениях можно точно датировать эпоху.

Серебряная пряжка (фибула) эпохи Модерна

Составными частями фибулы являются:

- игла, предназначенная для скрепления одежды
- иглодержатель — узкий канал или желобок, в который входит конец иглы;
имеет целью удерживать иглу в данном ей положении и предохранять от уколов;
- дужка, или корпус фибулы;
- пружина, соединяющая дужку с иглой.

Серебряная пряжка (фибула) эпохи Модерна

Серебряная пряжка (фибула) эпохи Модерна

Все части фибулы на протяжении доисторического периода подверглись многочисленным изменениям,
которые особенно отразились на дужке, игравшей роль украшения,
и на иглодержателе и пружине, от устройства которых зависела практическая пригодность фибулы.

Серебряная пряжка (фибула) эпохи Модерна

Современная пряжка (фибула)

Каждая эпоха оставила на фибуле отпечаток своих эстетических понятий,
технического совершенства и, может быть, своего культа,
вследствие чего фибула имеет громадное значение для доисторической хронологии.

Cкрытый текст -

 

Кинцуги - это японское искусство восстановления керамики. Берут осколки чашки или вазы и склеивают их лаком, смешанным с золотым порошком - так, что получается нечто новое.

И ценится такая вещь дороже новой (тут мне сразу вспоминается наше "за одного битого двух небитых дают"))

И это не только про бережливость и прочее мари-кондовое, это про то, что каждая вещь в этом мире хрупка. А ещё про то, что почти всё можно восстановить. Почти всё.

Многим из нас нужно какое-то кинцуги, чтобы склеить обратно себя и свой мир… мне вот точно нужно.

И для меня этот золотой лак - чудесная формула "Во мне есть и горе, и радость, и я больше этого".

Я больше - значит, могу дать пространство и тому, и другому. И могу удерживать равновесие.

Это золотое ощущение возникает, когда мы присоединяемся к тому, что можно назвать "системой бОльшего масштаба". Для кого-то это духовное измерение, для кого-то природа, места силы, для кого-то творчество или пребывание в кругу своих.

Порталы для этого соединения везде! Везде, где есть любовь и нежность, игра и радость, восхищение и трепет - всё, что выносит нас за пределы эго-скафандра, где мы забываем-ся.

И музыка очень часто работает для меня таким порталом. Особенно хоровая! Вообще, петь в хоре - значит быть внутри улья, который делает самый правильный на свете мёд ☺️

Музыка - это моё кинцуги. Прям уверена, что каждый раз, когда мы поём с вами вместе, каждый может внутри себя срастись по-новому. Как-то так.
✨✨✨



Аннотация к книге
"Кинцуги. Искусство исцеления ран"

Cкрытый текст -

 

Аннотация к книге
"Кинцуги. Искусство исцеления ран"
Писательница, тренер, блогер, специалист в области арт-терапии Селин Сантини много лет занималась изучением самых разных методик саморазвития: гипноз, медитация осознанности, смехо-терапия, биоэнергетика, акупунктура. цигун, фэн-шуй, работа с мандалами… В 41 год Селин, по ее словам, по настоящему влюбилась с первого взгляда в… кинцуги. Древнее японское искусство помогло ей исцелить собственные душевные раны, - в книге автор откровенно рассказывает об этапах своего исцеления и дает множество полезных советов тем, кто не знает, как "собрать себя заново" и начать жить счастливо, несмотря на все испытания.
Кинцуги-терапия поможет исцелить душевные раны и увидеть новую дорогу, которая ведет туда, где живет красота, но не боль.
. "…Всю жизнь я стремилась мчаться на высокой скорости. Каков был мой девиз? Скорость и результат!" Полностью сконцентрированная на вопросах управления своей фирмой, закрывая глаза на проблемы в отношениях и стрессы, я мчалась наперекор всему. Жизнь иногда имеет специфическое чувство юмора, на всей той скорости, с которой я мчалась, она меня буквально отправила в канаву. В один прекрасный день, возвращаясь домой, я не вписалась в поворот и попала в серьезную аварию. Серьезную для машины, которая буквально сложилась в гармошку. Что касается меня, то каким-то чудом я отделалась одной только маленькой царапиной в миллиметре от глаза. Это стало моим первым "увечьем", шрамом, вспоминая который я и сегодня дрожу. Он служит для меня метафорой и порой помогает одуматься… Но в тот момент до меня не дошло, я продолжала мчаться быстро, быстро, еще быстрее… Пока однажды вся моя жизнь не пролетела передо мной в мгновение ока - сначала в день моего развода, а затем, через год, когда наложила на себя руки моя мать. В этот момент я действительно должна была остановиться раз и навсегда…"
Селин Сантини .

Мы с детства знаем обычные сказки — мы к ним привыкли, они прекрасны, их сюжет, в основном завершен. А вот витражные сказки представляют собой многоходовую партию, как драконий покер. Их наполняют вечно переменчивые краски и ноты слов, мелодии света и теней, им присуща недосказанность или незавершенность. Витражные сказки более загадочны и совершенны, чем обычные, потому что настоящее совершенство — это и есть неизвестность и вечное движение!

Витраж — это искусство, которое преображает окружающее пространство, превращая мир из обыденного в цветной и многоликий. Красота витражной росписи завораживает, она особенно проявляется при попадании света, когда в его преломлении краски «играют» яркими оттенками и цветами.

Прекрасные принцессы, мудрые короли, злобные враги, мудрые волшебники, таинственные друзья, роковые некроманты, могущественные маги и… даже фамильяры. И все это пришло к нам из детских сказок. Сегодня, в день витражных сказок, у нас появился чудесный повод предпринять новое путешествие в волшебный мир фэнтези.

Американский творец витражей - Джон Лафарж.

Джон Ла Фарж (англ. John La Farge; 1835—1910) — американский художник-монументалист, создатель витражей и декоратор.
Член Национальной академии дизайна с 1863 года, был награждён орденом Почётного легиона.

Интерес к искусству начал проявляться во время учёбы в университете Mount St. Mary’s University в штате Мэриленд и колледже St. John’s College
(ныне Фордемский университет) в Нью-Йорке.
Предполагал изучать юриспруденцию, но всё изменилось после его первого визита в Париж в 1856 году.
Здесь он учился вместе с Тома Кутюром и познакомился с известными литераторами.
В Соединенных Штатах Ла Фарж обучался у живописца Уильяма Морриса Ханта (англ. William Morris Hunt) в Ньюпорте, штат Род-Айленд.



Ла Фарж содержал собственную студию в Гринвич-Виллидже, являвшейся частью колледжа Eugene Lang College нью-йоркского университета Новая школа.
В 1860—1870 годах он иллюстрировал произведения Альфреда Теннисона и Роберта Браунинга.
В 1870-х годах Ла Фарж начал делать фрески, которые в то время стали популярны в общественных зданиях и церквях.





Его первая фреска была выполнена в церкви Троицы в Бостоне в 1873 году.
Затем последовали другие монументальные работы.
Ла Фарж путешествовал по Азии и южной части Тихого океана, побывал в 1866 году Японии,
затем в 1890—1891 годах в южных морях, в частности на Таити и Гавайях.
В этих поездках его сопровождал в качестве попутчика американский историк и писатель Генри Адамс.



В 1892 году Ла Фарж был приглашен в качестве преподавателя в художественную школу Metropolitan Museum of Art Schools в Нью-Йорке.
Занимал с 1899 по 1904 год пост президента общества National Society of Mural Painters.
Знал несколько языков, был эрудирован в области литературы и искусства.

Джон Лафарж. Пионы на ветру (около 1880 г.)

Джон Лафарж, вместе с Луисом Комфортом Тиффани, перевернул представление об американском витраже.
Одно из его ранних окон, Пионы на ветру, восходит к китайскому свитку с изображением цветущих пионов.
Данная работа стала первой из серии, по меньшей мере, семи витражных окон, созданных Ла Фаржем в этой теме в период с 1879 по 1909 годы.
Этот витраж выполнен в новой технике, из драгоценных камней, кабошонов, литого и прессованного, а также рифленого переливчатого стекла.
Разнообразие текстуры и яркая цветовая палитра создают экзотический и праздничный эффект.
Это витражное окно, изготовленное в Нью-Йорке, было установлено в Ньюпорте (Род-Айленд), в особняке Генри Дж. Марканда.

«Рыба и цветущая ветка», 1896.

Музей изобразительных искусств, Бостон, США.

Джон Ла Фарж также коллекционировал японские гравюры.
Путешествия на Дальний Восток привили ему вкус к экзотике.
Не удивительно, что мотивы японских гравюр появились в его творчестве.
Заинтересовавшись в сорокалетнем возрасте созданием витражей, Ла Фарж стал изобретателем опалесцентного стекла (или стекла Тиффани).
Он подошел к новому искусству как художник и заинтересовался достижением пространственного эффекта и модуляцией цветов.
Популярности Ла Фаржа могли позавидовать лучшие мастера данного направления.

Другие работы мастера - под спойлером

Cкрытый текст -

 

Статуи, бюсты, барельефы, квадриги и декоративные композиции на фасадах зданий являются предметами одного из самых древних видов изобразительного искусства. Скульптура (от лат. sculptura - "высекать", "вырезать") представлена как монументальными изваяниями богов, царей, колесниц и других объектов, сделанных из металла, чугуна, гипса и мрамора, так и небольшими статуэтками из глины, кости и камня. На Руси этот вид искусства именовался ваянием, берущим свое начало от деревянных языческих идолов.

Большое количество скульптур осталось человечеству в наследие от древних египтян, римлян, греков и китайцев. Фигуры божеств использовались при проведении религиозных обрядов индийцами, коренным населением Африки и Америки. Самые ранние образцы скульптур относят к позднему палеолиту. Одна из древнейших дошедших до наших дней статуэток "Венера из Холе-Фельс" была вырезана из бивня мамонта 35 000 лет назад.

Эпоха Возрождения подарила миру настоящие шедевры, созданные европейскими мастерами - Бенвенуто Челлини, Донателло, Чивитали, Микеланджело, Лука делла Роббиа, Леонардо да Винчи. Эстафету от скульпторов Ренессанса приняли в ХХ в. Майоль, Пикассо, Роден, Сальвадор Дали, Модильяни, Вера Мухина и Евгений Вучетич. Этот вид искусства продолжает активно развиваться и в наши дни. Поэтому в последнюю субботу апреля ежегодно отмечается Международный день скульптуры.

Бенвенуто Челлини

Бенвену́то Челли́ни (итал. Benvenuto Cellini) — выдающийся итальянский скульптор, ювелир, живописец, воин и музыкант эпохи Ренессанса. Челлини родился 3 ноября 1500 года во Флоренции, в семье землевладельца и мастера по изготовлению музыкальных инструментов. В 1527 году участвовал в обороне Рима от имперских войск. После поражения римлян покинул город. В 1529 году вернулся в Рим и получил должность начальника папского монетного двора, которую занимал до 1534 года. Все его ювелирные произведения той эпохи (за исключением нескольких медалей) не сохранились — они были позднее переплавлены.
С 1540 года жил при французском королевском дворе в Фонтенбло, где завершил работу над единственным дошедшим до нас ювелирным произведением, подлинность которого не подлежит сомнению, — большой солонкой Франциска I (1540—1543).

Во Франции мастер освоил технику бронзового литья и с этой поры начал выполнять крупные скульптурные заказы. С 1545 по 1553 годы Челлини находился на службе у герцога Козимо I Медичи во Флоренции, где создал знаменитую статую Персея, держащего голову Медузы-Горгоны. Здесь он исполнил и ряд других скульптур, реставрировал античные произведения.

Я видела эту скульптуру во Флоренции.
Но фотографироваться на её фоне не стала

Скульптор скончался 13 февраля 1571 года в родной Флоренции. Был похоронен с большими почестями в Церкви Благовещения.

Современники высоко ценили Челлини как ремесленника, относительно же его художественного дарования мнения разделились; однако, несмотря на это, он представлял скульпторов на торжественной церемонии погребения Микеланджело.

Варки и Вазари с похвалой отзывались о его таланте ювелира. Вазари, например, писал, что Челлини — непревзойдённый мастер медальерного искусства, превосходящий даже древних, и величайший ювелир своего времени, а также замечательный скульптор. Из созданных им произведений ювелирного искусства сохранилось немногое: солонка Франциска I (1540—1543, Вена, Художественно-исторический музей), медали и монеты, сделанные для папы Климента VII и Алессандро Медичи, а также эскизы декоративной застёжки для облачений Климента VII.

Солонка Франциска I (1540—1543)

КАПЕЛЛА САН-СЕВЕРИНО

Удивительно, но в наш век – век расцвета технологий, мы до глубины души поражаемся творениям,
созданным мастерами в период с 16 до 19 века.
Когда в руках скульптора был только примитивный ручной инструмент,
водимый то ли талантом, то ли при помощи недошедших до нас техник.
Мастера-камнерезы порой склонны к мистическим версиям создания этих скульптур, ибо объяснить это просто невозможно.
Перенесемся в Неаполь, а именно – в расположенный в нем небольшой дворец, который носит название капеллы Сан-Северино.

Капелла Сан-Северо (итал. Cappella Sansevero) — в прошлом частная капелла и усыпальница знатной семьи Сангро,
носивших титул князей Сан-Северо в Неаполе, Италия.
Содержит известные скульптурные шедевры XVIII века «Христос под плащаницей», «Целомудрие» и «Избавление от чар»,
а также многочисленные мраморные надгробия, представляющие собой аллегории различных добродетелей.
Расположена в центре города по адресу: via Francesco De Sanctis, 19/21,
в непосредственной близости от одной из «больших» церквей — Сан-Доменико-Маджоре на одноимённой площади.
В настоящее время является музеем.



Капелла была построена в 1590 году как частная усыпальница для княжеского рода Сан-Северино.
Известный же ныне вид она приобрела в 18 веке.
Тогда за ее реконструкцию взялся один из самых образованных и загадочных людей Неаполя той эпохи – герцог Раймондо де Сангро.
Знаток науки и искусств Раймондо полностью разработал концепцию нового внутреннего убранства капеллы.
Он собрал в одном месте уникальные шедевры скульптуры, объединенные либо темой религии, либо истории рода герцога.
Искусствоведы же находят многочисленные масонские символы на ее территории.
Никто из художников, работавших в капелле, не знал общей идеи.
В результате капелла приобрела вид законченного произведения искусства, выверенного до мелочей.

Познакомимся детально с тремя главными шедеврами, расположенными на ее территории.

Многие скульптурные композиции представляют собой надгробия для дорогих герцогу родственников,
некоторые – аллегории на тему смерти и жизни.

«ХРИСТОС ПОД ПЛАЩАНИЦЕЙ»

Главной ценностью и центральным элементом экспозиции является
легендарная скульптура Джузеппе Санмартино «Христос под плащаницей» («Cristo Velato»).



Герцог доверил ее создание на тот момент никому не известному Джузеппе,
и она стала главным творением его жизни.
Эта бесподобная тонкость и убедительность складок тончайшей ткани на теле мертвого Христа поражает воображение.
Ею восхищались и современники мастера, и искусствоведы нашего времени.
Даже великий Антонио Канова заявил, что отдал бы 10 лет своей жизни, чтобы стать автором этой скульптуры!



Интересным кажется сочетание орудий пыток (тернового венца, клещей и гвоздей) и двух пышных подушек под головой Христа.
Это, на первый взгляд, кажется непоследовательным, но скульптор заложил в этом сакральный смысл.
Ведь смерть – это то, с чем столкнется каждый человек, каждый встретит тот момент наедине со своим опытом и своим следом на земле.
Что, вне зависимости от уюта и комфорта, жизни всегда следует помнить о реальности смерти и о плодах своей жизни.

«ЦЕЛОМУДРИЕ»

Также одной из самых известных композиций того времени стала скульптура «Целомудрие».
Это памятник матери Раймондо, который был выполнен руками великого Антонио Коррадини.
Мать герцога - Чечилия Гаэтани – умерла в юном возрасте около 20 лет, вскоре после родов мальчика.
Постоянную тоску по ней и горечь от ее ранней смерти герцог пронес через всю жизнь.



Коррадини, которому всегда удавалось создать струящуюся ткань из мрамора,
в этот раз сотворил самую изысканную из своих иллюзий.
Голое тело женщины покрыто тонкой материей, не скрывающей ни одного изгиба.
Её бедра украшены венком из роз.
Разбитая плита с эпитафией и увядшее дерево под ногами символизируют то, что ее жизнь оборвалась так рано.
Несмотря на почти полностью обнаженное тело, герцогиня выглядит невинно.
Ее голова и лицо также покрыты тканью, отчего ее образ приобретает загадочность и отстраненность.

«ИЗБАВЛЕНИЕ ОТ ЧАР»

Скульптура «Избавление от чар» была выполнена скульптором Франческо Квироло, итальянцем по происхождению.
Это единственный мастер, который согласился выполнить столь тонкую работу.
Для остальных приглашенных скульпторов было очевидно, что этот заказ невозможно выполнить.
Без лишних раздумий они отказались, а Франческо поставил на карту все… и выиграл.



И по сей день это одна из самых сложных с технической точки зрения скульптур.
Более того – многие опрошенные скульпторы нашего времени так и не понимают, как Квироло смог это сделать.
Поэтому приходится склоняться к версии утерянной техники выполнения.



Все, кроме сети, выполнено из светлого каррарского мрамора.
А вот сеть (трудно поверить) вырезана из вулканической пемзы – мягкого и пластичного природного материала.

Интересен и тонок символизм и этой композиции.
Это надгробие для отца герцога - Антонио де Сангро.
После смерти своей жены герцог Антонии вел беспорядочный образ жизни,
полностью передав воспитание сына в руки деда.
Спустя долгие годы бесцельного разгула отец Раймондо пересмотрел свой образ жизни,
отказался от всех излишеств и пороков и даже принял сан священника.
Герцог сын рассматривал это событие как пробуждение отца, обретение чистого взгляда, «избавление от чар».
Эта скульптурная композиция особенно богата на масонские символы:
глобус под ногами (символ обманчивых человеческих ценностей), светоч из головы ангела (как высшее знание).



В капелле присутствуют и другие скульптуры, интересные по символизму,
художественной ценности и технике выполнения.

Джейсон Коэн родился в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, и рос, наблюдая, как его отец Карлос работает в домашней студии мозаики. Джейсон вскоре заинтересовался мозаичным искусством и начал проявлять желание учиться. Карлос начал передавать свою мудрость и технику, и Джейсон создал свою первую мозаику в возрасте десяти лет. Он работал бок о бок со своим отцом и участвовал в нескольких заказанных проектах во время учебы и получения степени бакалавра в области бизнеса.

Джейсон никогда не терял связи со своей художественной стороной и продолжал создавать мозаику для частных заказов и личных проектов. Он постоянно совершенствует свои навыки и интегрирует множество современных методов в эту древнюю форму искусства.

​

Все изображения взяты из сети.
Краткие пояснения указаны внизу каждого изображения.

Абстрактная печать на холсте Жикле Андрея Процука

Красивая шелкография ручной печати с глянцевыми
лакированными участками и выпуклыми красками

Что важнее – линия или цвет? Как выявить характер героя картины? Стоит ли обращаться к живописи общепризнанных художников прошлого, и как при этом найти собственную манеру? Живописец Андрей Процюк, получивший классическое художественное образование, в своих картинах показывает, как лучшим образом использовать вековой опыт искусства, не теряя своего стиля.

С самого детства Андрей Процюк, родившийся в Донецке, обладал незаурядным талантом. Уже в шестилетнем возрасте он поразил своих родителей скульптурной композицией из индейца и коровы. После этого юного художника ждал еще долгий путь обучения, начавшийся в Луганске и закончившийся в залах петербургской Академии Художеств, где его признали одним из лучших мастеров композиции. Хотя его полотна высоко оценивали еще в период ученичества, современные работы живописца пользуются гораздо большим вниманием зрителей.

Мне нравится в картинах Андрея позитив: трогательный, юный, наивный, озорной, смешливый, эротичный, броский, щедрый на эмоции, карикатурный, придающий настроению дня этакую бесшабашность, ощущение триумфа, праздника жизни, радости от самых простых удовольствий – свободы, вина и общества друг друга.