Музыкально-танцевальная Аркадия

Наткнулся в сети на интересный материал. Текст, правда, длинный. За что приношу свои извинения. Но, тема серьезная и, как мне кажется, весьма актуальная.

Почему современная музыка настолько ужасна?

6 декабря 1966-го года ливерпульская четвёрка вошли в студию Abbey Road и начали записывать альбом. 333 часа спустя The Beatles объявили о новом альбоме под названием "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band". Позже по всему миру было продано более 32-х миллионов копий, а сам альбом назван величайшим альбомом всех времён по версии Rolling Stone.

По сути он был экспериментальным. В нём использовались новые техники и множество необычных музыкальных инструментов. Это шедевральный альбом, который описывает Лето любви и за прошедшие годы он нисколько не потерял своей актуальности, оставаясь любимым альбомом многих и по сей день.

44 года спустя, в 2010 Джастин Бибер выпустил свой хитовый сингл "Baby" и многие согласятся с идеей, что лучше бы он его не выпускал. Что же пошло не так?
Почему раньше иконой был Боб Дилан, а теперь Бритни Спирс? Раньше мы слушали Led Zeppelin, а теперь Леди Гагу и Кэти Перри вместо The Kinks.

Конечно если бы всё сводилось только к ностальгии, говорить было бы не о чём. Но когда люди говорят, что музыка уже не та, это довольно объективно и подтверждением этому служат научные эксперименты.

Изучение изменений музыкальных предпочтений продолжается уже более 30-ти лет. Как показало исследование 2012, выполненное сотрудниками национального научно-исследовательского совета Испании, мнения людей, которым не нравится современная музыка основаны на фактах. Музыка действительно с каждым годом становится всё хуже и хуже.

В рамках этого исследования было использовано около 500 тысяч записей различных жанров в период с 1955-го по 2010-й. Их пропустили через ряд сложных программных алгоритмов. Для каждой песни алгоритм высчитал три значения: гармоническая сложность, тембральное разнообразие и громкость. Наиболее шокирующим результатом исследования оказалось то, что на протяжении последних десятилетий разнообразность тембра существенно обеднела.

Тембр - одна из характеристик звука, определяющая специфику его звучания. Иными словами - выразительность и полноту звука. Согласно исследованиям, пик насыщенности обертонами припал на 1960-е и с тех пор дела начали становиться только хуже. Тембральная окраска становится всё более однообразной, что значит, что песни всё меньше и меньше отличаются друг от друга.


Разницу можно чётко увидеть на примере одного из общепризнанных шедевров The Beatles - "A Day In A Life". Сингл был записан при участии симфонического оркестра, состоящего из 40-ка музыкантов, но при этом его нельзя отнести к классической музыке, ведь это поп. В пятиминутной композиции были задействованы скрипки, альты, виолончели, контрабасы, кларнеты, арфа, флейты, трубы и это ещё не считая инструменты самих Битлов. С другой стороны - "Blurred Lines" Робина Тика, в которой из всех инструментов лишь одна драм-машина. Разумеется, это крайность и, собственно, песня и обрела известность благодаря такому необычному подходу. Автору удалось создать запоминающийся мотив при помощи одного инструмента. Но тем не менее она отражает тенденции в современной поп-музыке, которые были установлены в ходе научного исследования.

Вместо того, чтобы экспериментировать с новыми музыкальными техниками и инструментами, музыканты используют одну и ту же комбинации клавиш, драм-машины, сэмплера и компьютерное программное обеспечение.

При всей кажущейся прогрессивности подобное ведёт к тому, что творчества и креативности в музыке становиться всё меньше и меньше. Во время прослушивания радио в машине ловили ли вы себя на мысли "Всё звучит слишком одинаково"? Что же, исследователи обраружили, что мелодии, ритмы и даже вокал популярной музыки начиная с 1960-х становятся всё более и более схожими.

Однообразие поп-музыки проявляется в явлении, которое обнаружил музыкальный блогер Патрик Метцгер. В песнях эстрадных исполнителей задействована одна и та же последовательность нот: от пятой до третьей ступени мажорной гаммы и обратно, которые сопровождаются типичными завываниями "Уа-О-Уа-О". Эту "музыкальную фразу" называют "Уханьем тысячелетия". Она встречается в сотнях поп-композиций последних лет, которые попали на вершину чартов. От "California Girl" Кэти Перри до "Baby" Джастина Бибера, буквально каждый сингл включает в себя "уханье тысячелетия". Но почему? Ну, дело как раз таки в схожести.

Наш мозг хорошо воспринимает всё знакомое. То есть чем больше мы слушаем одни и те же звуки, тем больше они нам нравятся. "Уханьем тысячелетия" стало могущественным и предсказуемым способом доходчиво сказать публике "Эй, послушайте эту песню, она правда крутая и непременно вам понравится, ведь звучит так знакомо. Вы слышали что-то подобное уже сотни раз, почему бы не послушать сто первый". И в нашем малопредсказуемом мире это заставляет нас чувствовать себя в большей безопасности. Штампированная музыка даёт людям ощущение спокойствия и этого нельзя отрицать.

А что насчёт текста? К сожалению тоже плохие новости. В ещё одном исследовании, посвящённом вычислению так называемого интелектуального уровня текста сотни песен с вершин чартов были проанализированы с учётом таких параметров, как комплексная читаемость, которая отражает сложность для понимания и литературное мастерство автора.

Как выяснилось, на протяжении последних десяти лет интеллектуальный уровень текстов упал на целую единицу. Тексты становятся всё короче и всё чаще повторяются. Подавляющее большинство треков с вершин чартов за последние несколько лет появились лишь благодаря двум людям. Вопрос: что общего у Бритни Спирс, Тейлор Свифт, Элли Гулдинг, Робина Тика, Джесси Джея, Джастина Бибера, Кэти Перри, Арианы Гранды, Джастина Тимберлейка, Maroon 5, P!nk, Леоны Льюис, Кристины Агилеры, Кеши, Backstreet Boys, Адама Ламберта и Will.i.am? Ответ - тексты.

Разумеется не для всех 100%, но для большей части перечисленных выше исполнителей слова для песен написал один человек - Макс Мартин. Ему одному мы обязаны больше чем 20 синглами топ-1 и тысячами композиций, которые на протяжении последних десятилетий попадали в сотню лучших. Его песни знают все. Это "I Kissed A Girl", "Baby One More Time", "Since U Been Gone", "Shake It Of" и многие другие. Ну а если текст песни принадлежит не ему, то практически наверняка Лукашу Готвальду. Он также известен как Dr. Luke и вместе с Мартином является автором многих поп-композиций. Вы скорее всего и не слышали никогда о них ведь светить этими именами не принято. Без них не было бы каждой второй песни, которая крутится на радио, и вы ещё удивляетесь почему всё звучит одинаково.

Безусловно, музыканты, которые пишу слова к своим трекам сами и при этом пробиваются на вершины чартов, никуда не делись, вот только прийдётся постараться, чтобы найти их.

Исследователи также выяснили, что так называемые хуки, то есть части песен, которые цепляют больше всего и на которые слушатель "подсаживается" встречаются в современной музыке в начале комозиции. Считается, что это из-за того, что когда мы слушаем музыку, то теряем концентрацию и если в песне не за что зацепиться, то рука автоматически тянется скипнуть её. Само ослабление концентрации объясняется тем, что в наше время доступны миллионы различных композиций стоит лишь коснуться сенсорного экрана. Раньше же приходилось приходить в магазин, чтобы купить пластинку или позже касету, вернуться с ней домой и уж затем слушать. Естественно потратив деньги можно слушать несколько песен бесконечно, со временем научившись воспринимать все тонкости, которые создатель заложил в сингл или альбом.

Уже с появлением iPod людям сталы доступны тысячи песен на одном устройстве, а со временем даже пропала необходимость их скачивать. В наше время листая список треков в Яндекс.Музыке нам уже нет особого дела до смысла или посыла песни. В результате музыканты сотрудничают со звукозаписывающими компаниями, максимально наполняя песню хуками, которые не позволяют отвлечься от песни.

Помимо этого используется ещё один скрытый приём. Весьма действенный, но в то же время губительный для музыки. На прожении последних нескольких лет между создателями музыки идёт самая настоящая война, название которой - война за громкость. Суть в том, чтобы создать музыку громче чем у конкурентов. Но как можно сделать музыку "громче" если каждый слушатель самостоятельно регулирует громкость в своих динамиках. Что же, используется компрессия. Вы возможно слышали о динамическом диапазоне. Компрессор сжимает динамический диапазон, устраняя слышимую разницу между громкими и тихими частями. Таким образом кажется, что вся песня более громкая вне зависимости от того, какую громкость установил слушатель на своём устройстве.

Представьте, что стоите посреди улицы и тихо бормочете. Иногда тише, иногда громче. Даже если кто-то и заметит, то не обратит внимания. Но если сжать динамический диапазон голоса, то каждое слово превратится в оглушительный самодовольный рев. Все сразу же обернутся посмотреть что за ненормальный орёт посреди улицы.

Этого эффекта и пытаются достичь музыкальные продюсеры с тех пор как поп-музыка начала становиться всё более однообразной. Песня просто должна быть громче, чем все остальные, чтобы её банально услышали.

Но цена за эту громкость высока. Злоупотребление сжатием динамического диапазона превращает создание музыки в насмешку над самим собой. Нельзя сделать звук громче, не потеряв при этом его качества. Страдает в первую очередь насыщенность тембра, обертоны сливаются, а тонкие музыкальные оттенки, которые придают музыке некого очарования, исчезают на общем фоне музыкального сопровождения.

Мелодии становятся ненее звучными, менее выразительными и в целом производят меньше впечатлений. В этом, собствеенно, и заключается причина по которой современные музыканты предпочитают следовать одним и тем же методикам: стандартный бит драм-машины, штампованные тексты без капли фантазии, дежурные рифмы, позаимствованные из старых хитов и, естественно, то самое "уханье тысячелетия".

В 50-е, 60-е и 70-е студии звукозаписи еженедельно получали сотни демозаписей от начинающих музыкантов, каждая из которых внимательно прослушивалась с целью поиска наиболее талантливых музыкантов, с которыми позже заключались контракты. Но даже тех, кто не были достаточно талантлив, могли раскрутить и если они цепляли публику хоть чем-то, то обретали широкую известность. Ключевой момент заключался в том, что за музыкантов и песни слушатели "голосовали ушами". Именно люди выносили окончательный приговор. Поэтому музыканты, которые хотели произвести достаточное впечатление и остаться на плаву должны были постоянно находиться в творческом процессе. В итоге работа сутдий звукозаписи была сопряжена с повседневным риском вложиться в тех, кто в итоге не оправдает ожиданий и не окупится. Однако все эти затраты окупались тем, кто всё же "выстрелил".

В наши же дни раскрутка новой группы куда дороже. Затраты на продвижение новой звезды на мировой сцене за последние годы взлетели до небес. По информации IFPI, сейчас заключение контракта с последующим продвижением бренда стоит от 500 тысяч до 3 миллионов долларов. Хотели бы вы рискнуть тремя миллионами? Вот и владельцы студии тоже. Таким образом, нынешняя ситуация в музыкальной индустрии - следствие минимализации рисков. Зачем искать истинный талант если можно найти смазливую юную мордашку, обычно с какого-то талант-шоу, и просто раскучивать её до посинения пока аудитория не "подсядет" на неё.


Вместо того, чтобы воспитывать вкус аудитории путём ознакомления с действительно хорошим творчеством, которое задаёт определённую планку восприятия и делает возможным формирование собственных предпочтений, музыкальная индустрия просто приучает нас с удовольствием потреблять то, что дают.

Вы спросите "А каким образом можно подсадить людей на музыку?", но неужели вы никогда не замечали, что от очередного "хита" буквально нет спасения? Он играет на всех радиостанциях, во всех магазинах и уж тем более в интернете. Ради того, чтобы отбить те самые 3 миллиона, студия постарается сделать так, чтобы хит звучал на каждом углу.

Помните об эффекте узнавания? Это психологический феномен под названием "эффект знакомства с объектом". Он означает возникновение симпатии к чему-то неоднократно услышанному и увиденному. При первых звуках услышанной ранее несколько раз песни вырабатывается дофамин и с каждым последующим прослушиванием его вырабатывается всё больше. Вспомните как вы впервые реагировали на очередной новый хит. Нравился ли он вам в первый раз или же вызвал чувство отторжения? Была ли мысль "А что я сейчас слушаю вообще?". Однако после нескольких прослушиваний уже возникало желание, что что-то в песне цепляет. Затем ваши друзья начинали слушать её всё время и внезапно хит становится одним из самых любимых. Если такое с вами случалось, то вас однозначно "подсадили" на песню.

Не стоит объяснять, что в случае с действительно хорошей композицией не будет необходимости первое время насиловать уши, чтобы она начала нравиться. К сожалению нас постоянно подсаживают на массовый продукт, создавая условия, когда невозможно уйти от прослушивания. Всё разнообразие наших музыкальных вкусов буквально размывается, превращаясь в однородную субстанцию.

Никто не спорит с тем, что в наше время полно фантастических групп и музыкантов, но заключить контракт для них большая проблема. Это банально слишком рисково ведь их музыка не соответствует определённому попсовому шаблону. Каждая из них индивидуальна и индивидуальность - ключевое слово. Кто-то может возразить: "Ну и что с того, что я подсел на современную попсу если она мне нравится? В конце концов, разве не слово "нравится" - ключевое".

Поскольку в музыке каждый из нас видит отражение собственного "Я", слушать в своё удовольствие никто не запрещает. Но не менее важно не допустить того, чтобы музыка перестала развиваться, чтобы в ней осталось творчество. Музыка как вид искусства исчезает на наших глазах, превращаясь в продукт разового потребления, более не задевая струн души. И если мы и дальше позволим себе безучастно смотреть на победное шествие безликих мелодий, то уже в скором времени вся красота, вся палитра душевных переживаний, что дарила нам музыка, станет лишь воспоминанием о том, что не повториться уже никогда.

Слушайте хорошую музыку

Источник: dzen.ru



P.S.Размещаю данный текст как бы для "затравки". Полагаю, что у каждого любителя музыки будет, что сказать.
P.P.S. Не хочется заканчивать на грустной ноте и потому предлагаю послушать: Ry Cooder & The Moula Banda Rhythm Aces - "Maria Elena"

hocum сказал(a):

Музыка как вид искусства исчезает на наших глазах, превращаясь в продукт разового потребления, более не задевая струн души. И если мы и дальше позволим себе безучастно смотреть на победное шествие безликих мелодий, то уже в скором времени вся красота, вся палитра душевных переживаний, что дарила нам музыка, станет лишь воспоминанием о том, что не повториться уже никогда.

Бродил вчера на досуге по "YouTube" в поисках чего-либоинтересного. И, нашел! Думаю, что не все так мрачно. Думаю, что все же есть шанс, что музыка не умрет. Оказывается, есть среди молодого поколения те, кому было бы по плечу этого не допустить. Если, конечно, они сумеют пробиться сквозь то зловонное болото, что являет собой современный шоу-бизнес.

Laura & Anton - "I'll See You In My Dreams"




Que reste-t-il de nos amours? (Charles Trenet) – Tatiana Eva-Marie & Avalon Jazz Band

И всё же музыка жива,
И мир наполнен нотами.
Ложатся на неё слова
Поэзии заботами.
Звучат оркестры и виа,
Мы слышим всюду песни.
И будет музыка всегда
Мир делать интересным.

hocum сказал(a):

Tatiana Eva-Marie & Avalon Jazz Band

По-поводу последнего моего поста. Хотел бы поделиться любопытной информацией о музыкантах из второго ролика. Нашел в Сети. На самом деле тут все серьезно. Итак.

Tatiana Eva-Marie & Avalon Jazz Band

Татьяна Ева-Мари родилась в музыкальной семье. Ее отец композитор Луи Крелье, француз из Швейцарии, а мать Анка Мария, румынка с цыганскими корнями, профессиональная скрипачка.

В 11 лет она начала свое профессиональное обучение в актерской школе "Theater Populaire Romand" в Швейцарии, а затем в 14 лет в Американской академии драматических искусств в Нью-Йорке.

В пятнадцать лет она переехала в Париж, где изучала английскую средневековую поэзию в Университете Сорбонны и выступала в некоторых из самых известных театров Франции, включая
Comedie Francaise и Theater du Rond Point.

Татьяна Ева-Мари написала и поставила две театральные пьесы «Рапсодия» и «Волшебная скрипка», которые были успешно представлены на Авиньонском фестивале, и работала над танцевальными коллаборациями с русско-цыганским танцором Петей Юрченко, персидским хореографом Шахрохом Мошкиным Галамом и актером-режиссером Иваном Шибанова из Гоголь-центра в Москве.

Татьяна Ева-Мари - руководитель группы, певица и актриса из Бруклина. Она наиболее известна своей работой в качестве лидера "Avalon Jazz Band" и недавно была включена вместе с Сирил Эме и Сесиль МакЛорин Салвант в список восходящих джазовых звезд, выбранный "Vanity Fair". Регулярно выступает в Нью-Йорке и гастролирует по всему миру.

Гастроли включают в себя фестиваль джаза и наследия в Новом Орлеане, "Jazz Aspen Snowmass", "SummerStage" в Центральном парке, "Midsummer Night Swing" в Линкольн-центре, Зимний джаз-фестиваль в Нью-Йорке, джазовый фестиваль "The Riverboat Jazz Festival", "New York Hot Jazz Festival", "Столетие Эдит Пиаф" в Iridium (в качестве исполнителя и музыкального руководителя), "Tanzcafé Arlberg Festva"l, концерты в Джаз в Линкольн-центре, французском посольстве, Plaza Татьяна Ева-Мари часто поет в свинг-бэнде пианиста Гордона Вебстера.



Sunshine (Irving Berlin) – Tatiana Eva-Marie & Avalon Jazz Band

Совершенно неважно было, какие ноты звучали,
потому что главным была невероятная харизма,
умение создать на сцене и передать слушателю
ощущение джазового счастья, музыки, рождающейся
прямо на глазах у публики.

15 августа 90 лет со дня рождения дирижера, композитора,
саксофониста, народного артиста Российской Федерации
Георгия Гараняна (15 Августа 1934 - 11 Января 2010)



♫ Г. Гаранян - Караван ♫

Руководитель легендарного ансамбля «Мелодия» с 1973 по 1982 годы, саксофонист, аранжировщик и композитор Георгий Гаранян был одним из важнейших действующих лиц советского джаза с конца 1950-х годов и до последних дней жизни. Его саксофон слышала самая широкая публика в стране — он звучит в фильмах «Бриллиантовая рука», «Остров невезения», «Мы из джаза» (Гаранян солирует — за кадром, конечно — в финальных номерах фильма), в мультсериале «Ну, погоди!»… Он написал (и записал как дирижёр Оркестра кинематографии) музыку к десяткам фильмов. В 1998 году Гаранян встал во главе Краснодарского биг-бэнда и оставался его руководителем до последнего дня жизни — он и умер в Краснодаре, прилетев дирижировать оркестром в январе 2010 году.

Краснодарский Биг-бэнд Георгия Гараняна, последний
оркестр великого советского и российского джазового музыканта.

♫ Биг-бэнд Георгия Гараняна "Бриллиантовая рука - Серенада" ♫



♫ Г. Гаранян - Чёрный орфей ♫

Billie Eilish - What Was I Made For?

Для чего была я создана? (саундтрек из фильма "Барби" 2023)

Раньше парила я, теперь просто падаю я.
Раньше знала я, но теперь не уверена я,
Для чего была я создана.
Для чего была я создана?

Становлюсь хуже я, а ведь была идеалом я.
Как живая выглядела я, а оказалось, что ненастоящая я —
Просто вещь, за которую вы заплатили.
Для чего была я создана?

Потому что я — это я,
Не умею чувствовать я,
Но хочу попробовать я.
Не умею чувствовать я,
Но когда-нибудь я смогу,
Когда-нибудь я смогу.

Когда всё закончилось? Вся эта радость?
Мне грустно вновь. Не говорите моему парню.
Это не то, для чего создан он.
А для чего была я создана?

Потому что я — это я,
Не умею чувствовать я,
Но хочу попробовать я.
Не умею чувствовать я,
Но когда-нибудь я смогу,
Когда-нибудь я смогу.

Кажется, забыла я, как быть счастливой,
Забыла, кем не являюсь я, но кем могу стать,
Забыла, чего я жду,
Забыла, для чего я была создана,
Забыла, для чего я была создана…

Искрящий молодостью джаз!




Когда взор грустью затуманен,
И кажется недобрым час,
Когда нет сил и нет желаний,
Ты слушай старый, добрый джаз!

Когда на сердце снова рана,
И дождь вот-вот польёт из глаз
От чувств невыразимых гаммы,
Ты слушай старый, добрый джаз!

Когда руины от таланта,
И жизнь как есть, жизнь - без прикрас,
Иди к друзьям ты - музыкантам,
Которые играют джаз!

И будет для тебя лекарством
Медовый саксофона глас...

Вновь дарит братство музыкантов
Искрящий молодостью джаз!

Елена Герун
2023.

«Би Би Кинг представил нам утончённый стиль
гитарного соло, основанный на плавном бендинге
и блестящем вибрато, повлиявший практически
на каждого последователя электрогитарного блюза».

Обычная блюзовая история

16 сентября 1925 года ( Берклер, Миссисипи, США) родился Би Би Кинг — американский блюзовый гитарист, певец, автор песен. Обладатель 13 «Грэмми» и, как его тогда называли «Правящий король блюза». А для кого-то он — король блюза навсегда. К тому же Би Би Кинг — один из очень немногих блюзменов, кто создал настоящий мировой поп-хит — балладу 1970 года «The Thrill Is Gone». Но, как говорится, любим мы его не только за это.

В церковном хоре Би Би Кинг впервые услышал музыку. В той же церкви проповедником служил некий Арчи Фаир, который хорошо умел играть на гитаре. Однажды Кингу удалось дотронуться до инструмента, и он тут же представил, как играет и поет. Похоже, не он выбрал гитару, а гитара выбрала его. Арчи показал мальчику несколько аккордов, но собственный инструмент Кинг приобрел не сразу. В двенадцать лет ему удалось приобрести за пятнадцать баксов гитару под названием Stella, на которой играл много лет.

В 1943 году он пошел в армию. Там научился водить машину, поэтому после демобилизации сумел устроиться на престижную работу — трактористом. Как ни странно, благодаря трактору Кинг стал профессиональным музыкантом. «Однажды мой трактор перегрелся, мотор сгорел. Я испугался и сбежал в Мемфис (там жил его кузен Бука Уайт, - А.Б.), прихватив свою гитару». Вскоре тракторист, правда, засовестился, вернулся к хозяину и обещал расплатиться за испорченное средство производства. Но вернулся в Мемфис, где еще в прошлый побег успел познакомился с легендарным блюзменом Сонни Боем Уильямсоном. Тот дал ему возможность выступить на радио. В Мемфисе Кинг прижился: выступал в барах и на радио. Там же и получил свое прозвище «Блюз-бой».

♫ Live at the Regal 1964 год ♫

Среди поклонников Кинга существует почти единодушное мнение, что альбом «Live at the Regal» — одна из его самых прекрасных работ и вообще классика концертных записей. Эта запись 1964 года — выступление Кинга c крепким секстетом в чикагском Regal Theater. Слышно, как он доводит молодую аудиторию до безумия своими способностями умелого шоумена, эмоциональной гитарой и медовым голосом. Один из самых драгоценных бриллиантов в короне «Live at the Regal» — это «Sweet Little Angel», авторская вещь Кинга и гвоздь программы его концертов в 50-е и 60-е. После «Live at the Regal» у Кинга вышел ряд блистательных альбомов, но следующей его хитовой работой стал «Completely Well» 1969-го года, на котором был чрезвычайно важный для его карьеры хит «The Thrill Is Gone» («Волноваться больше не о чем»). Здесь заметно, что Кинг отходит от своих корней, джамп-блюза 50-х, и вырабатывает собственный стиль. Хотя в мрачном минорном Thrill играют довольно слезливые скрипки (записаны наложением), альбом по большей части состоит из нервных, сырых и мясистых звуков.

♫ BB King, Eric Clapton, Jeff Beck, Buddy Guy, Albert Collins (All Together) ♫

От Кинга фанатеют рок-музыканты всех поколений.
Сотрудничество с ним — высший знак качества и признание блюзовой элитой.

♫ B.B. King - The Thrill Is Gone [Crossroads 2010] (Official Live Video) ♫

РУССКИЙ ДЖАЗ



Конец свету приближается...

Булат Шалвович Окуджава. Джазисты

"Джазисты уходили в ополченье,
цивильного не скинув облаченья.
Тромбонов и чечеток короли
в солдаты необученные шли.

Кларнетов принцы, словно принцы крови,
Магистры саксофонов шли, и, кроме,
Шли барабанных палок колдуны
Скрипучими подмостками войны.

На смену всем оставленным заботам
Единственная зрела впереди,
И скрипачи ложились к пулеметам,
И пулеметы бились на груди.

Но что поделать, что поделать, если
Атаки были в моде, а не песни?
Кто мог тогда их мужество учесть,
Когда им гибнуть выпадала честь?

Едва затихли первые сраженья,
Они рядком лежали. Без движенья.
В костюмах предвоенного шитья,
Как будто притворяясь и шутя.

Редели их ряды и убывали.
Их убивали, их позабывали.
И все-таки под музыку Земли
Их в поминанье светлое внесли,

Когда на пятачке земного шара
Под майский марш, торжественный такой,
Отбила каблуки, танцуя, пара
За упокой их душ.
За упокой."

1959

В плеяду музыкальных достижений
Ворвался смело искромётный джаз.
Он стал любимцем многих поколений,
Пленял своим звучанием не раз.

А красотой своих импровизаций,
Джаз дерзко бурю вызывал оваций.
Его поклонников росли ряды,
К сердцам людей не зря искал ходы.

Джаз много значит в музыкальной жизни,
Была б она совсем неполной без него.
Шампанского напоминая брызги,
Не оставляет равнодушным никого.

1 октября Международный день музыки

О музыке можно говорить только с человеком,
постигшим смысл вселенной, - Герман Гессе.

«Истоки музыки – далеко в прошлом. Она возникает из меры и имеет корнем Великое единство. Великое единство родит два полюса; два полюса родят силу темного и светлого.

Когда в мире мир, когда все вещи пребывают в покое, тогда музыка поддается завершению. Когда желания и страсти не идут неверными путями, тогда музыка поддается усовершенствованию. У совершенной музыки есть свое основание. Она возникает из равновесия. Равновесие возникает из правильного, правильное возникает из смысла мира. Музыка покоится на соответствии между небом и землей, на согласии мрачного и светлого.
Гибнущие государства и созревшие для гибели люди тоже, правда, не лишены музыки, но их музыка не радостна. Поэтому: чем бурнее музыка, тем грустнее становятся люди, тем больше опасность для страны. Таким же путем пропадает и суть музыки.

Классическая музыка является экстрактом и воплощением культуры, потому что она – самый ясный, самый характерный, самый выразительный ее жест. В этой музыке мы владеем наследием античности и христианства, духом веселого и храброго благочестия, непревзойденной рыцарской нравственностью.

Жест классической музыки означает знание трагичности человечества, согласие с человеческой долей, храбрость, веселье! Грация ли генделевского или купереновского менуэта, возвышенная ли до ласкового жеста чувственность, как у многих итальянцев или у Моцарта, или тихая, спокойная готовность умереть, как у Баха, – всегда в этом есть какое-то „наперекор“, какое-то презрение к смерти, какая-то рыцарственность, какой-то отзвук сверхчеловеческого смеха, бессмертной веселости.

Пусть же звучит музыка во всей нашей жизни,
во всём, что мы делаем и испытываем.

Emil Gilels plays Liszt Hungarian Rhapsody



Luigi Boccherini - Minuet - String Quintet

Что может быть прекрасней звуков
В тебе рождающих прилив,
С любимым прожитых досугов,
И сердца музыки разлив.

1 октября День музыки и кофе

Союз из музыки и кофе
Стал вдохновителем идей.
И разрушая стен оковы,
Выходит праздник в мир аллей.

Мелодия вдруг зазвучала,
Осенний открывая бал.
Сама природа подсказала,
Как украшать для бала зал.

Деревья все в одежде новой,
По мановенью волшебства,
Парк превратился в рай пунцовый,
Сияет золотом листва.

Под музыку танцует ветер,
Предвосхищая листопад,
И запах кофе в этот вечер
Разносит ветер наугад.

В сопровожденье музыкальном
И кофе кажется вкусней.
Союз такой феноменальный
И музыка и кофе с ней.

Belle Époque

После поражения Наполеона III во франко-прусской войне 1870 года и последующего экономического кризиса до 1896 года, Франция пытается восстановиться и залечить свои раны, погрузившись в беззаботность, праздники и легкость. Это новое дыхание, которое охватывает всю страну, особенно ощущается в Париже, городе всех излишеств. В самом сердце французской столицы, которая сама претерпевает урбанизацию и модернизацию, парижане из среднего класса пользуются экономическими достижениями и наслаждаются кафе, кабаре и концертными залами.

Moulin Rouge впервые открывает свои двери 6 октября 1889 года. Расположенный у подножия Монмартра, кабаре сразу же становится популярным. Видение двух предпринимателей, руководящих им, оказывается удачным: Жозеф Оллер и Шарль Зидлер отлично знают вкусы парижан и хотят сделать это место настоящим штаб-квартирой для самых известных ночных бабочек города. Публика откликается на приглашение. Буржуа в поисках разврата приходят сюда, чтобы флиртовать с проститутками. Художники и писатели пьют и наслаждаются энергетикой этого кабаре, вдохновляясь для создания своих самых прекрасных произведений.

Декор кабаре узнаваем среди тысячи других: мельница с широкими крыльями, полностью окрашенная в красный цвет, украшена мельником и мельницей, кажущимися обменивающимися сообщением взглядами у окон. Внутри тусовщики обнаруживают огромный танцпол с небольшой сценой. Стены покрыты зеркалами, отражающими приглушенное освещение, исходящее от больших люстр, висящих с потолка. За мельницей скрывается сад, предназначенный для хорошей погоды, в котором стоит огромный слон из гипса в натуральную величину, прибывший с Всемирной выставки 1889 года. Внутри слона восточная танцовщица захватывает воображение пьяных гостей. Декор, придуманный французским художником и карикатуристом Адольфом Леоном Вилеттом, на тот момент был совершенно революционным. Нет ни одного другого места, похожего на Moulin Rouge, и его триумф является монументальным.

Мулен Руж, храм праздника и танца, набирает самых знаменитых танцовщиц своего времени. Но именно танец, называемый Кадриль и созданный в 1850 году танцовщицей Баль Мабий, Селест Могадор, привёл к появлению самого знаменитого парижского танцевального шага - Французского канкана. На пылких ритмах Жака Оффенбаха танцовщицы кадриля уже сводят с ума всех городских буржуа. Но на самом деле Французский канкан был придуман таким, каким мы его знаем, на другом берегу пролива, в Лондоне. Этот танец, вдохновленный Кадрилью и усовершенствованный английским продюсером Чарльзом Мортоном в 1861 году, вызывает настоящую безумную страсть в мире танца.

♫ Вот так вот выглядел настоящий "Канкан" ♫

Встречайте - Артур «Арт» Тэйтум — американский джазовый пианист-
виртуоз и композитор

Отличительные черты его страйд-техники — частое использование гамм и арпеджио, а также перегармонизация джазовых стандартов, обладатель феноменальной техники исполнения в стиле «страйд». Его эксперименты в области мелодической и гармонической импровизации предвосхитили стиль бибопа.

Тэйтум родился слепым (врожденная катаракта), перенес серию операций и восстановил зрение одного глаза — мог различить контуры предметов. Учился в Колумбусе в школе для слепых, в 13 лет играл на скрипке и фортепиано, в дальнейшем никакого формального образования не получил. Стал выступать в клубах Толидо, играл на радио и его программы передавались на всю страну.

В 1932 году приехал в Нью-Йорк как аккомпаниатор Аделаиды Холл, работал в клубе Onyx, привлекая всеобщее внимание своей уникальной манерой игры. В 1935—1936 годах руководил оркестром в чикагском клубе Three Deuces, затем вернулся в Нью-Йорк и через год собрал секстет, с которым в 1938 году выступал в Лондоне. В 1943 году собрал трио (Слэм Стюарт — контрабас, Тайни Граймс — гитара), кроме того сотрудничал с Коулменом Хоукинсом, Барни Бигардом, Милдредом Бэйли, записал дуэт с Биг Джо Тёрнером.

Уникальность экспериментов Арта заключалась в том, что он не просто пробовал что-то новое в рамках гармонической основы, но перекраивал ее всю, что не было принято в джазовой практике до него. Способность музыканта окружать основную мелодию нестандартными пассажами без искажения гармоничной линии, удивляла его слушателей и коллег. Он без труда исполнял двойные тона и арпеджио в быстром темпе, что подвергало окружающих в изумление — напомним, Тэйтум почти слеп и не имеет специального образования. Самые сложные обороты давались ему, казалось, с дьявольской легкостью и непринужденностью, он элегантно справлялся с тем, что до него никто в джазе даже не пытался сделать. Так, композиция «Tiger Rag» была исполнена в темпе 370 ударов в минуту, а «I Know That You Know» — 450. При этом бешеная скорость не была самоцелью — Артур не исказил ни одного своего фирменного элемента. Просто… он играл быстрее других.

Репертуар Тэйтума состоял в основном из музыки Great American Songbook — Tin Pan Alley, Broadway и другой популярной музыки 1920—1940-х годов. Он играл собственные обработки нескольких классических фортепианных пьес, в частности, большую известность ему принесло исполнение «Юморески № 7» Антонина Дворжака и «Элегии» Жюля Массне. Хотя Арт не проявил себя в качестве композитора, его версии популярных мелодий были очень оригинальными и граничили с собственными сочинениями.

Young and Healthy (Live)

Art Tatum plays "Morning Noon And Night"

Art Tatum plays "When Day Is Done"

Chinatown, My Chinatown (Live)

Посвящается Ольге Чарской.

Российская цыганская поэтесса, актриса и певица.
Заслуженная артистка РСФСР (1915 — 7 февраля 2016)

Происходила из семьи цыган-котляров, в детстве кочевала. Работать на эстраде начала ещё до войны.
Вышла замуж за цыганского артиста из Ленинграда, Алексея Дулькевича. В годы войны выступала перед
ранеными бойцами. Работала в театре «Ромэн».
Автор замечательных цыганских песен и книги «Судьба цыганки».



♫ НИНА ДЕМЕТР Вася чя ♫

♫ OLGA DEMETER - CHARSKAYA ♫

Всемирный день гитары объявлен в странах-членах ООН, и его
ежегодно отмечают во всем мире 18 октября, а первое официальное
празднование состоялось в понедельник, 18 октября 2021 года.

Деревянный акустический инструмент с четырьмя, шестью и большим
количеством струн востребован при исполнении блюза и бардовской
песни, произведений в стиле рок, джаз, фламенко и кантри.



Выпьем за Сличенко, за Николая дорогого!
Свет ещё не видел певца и танцора такого!

Николай Сличенко "Две гитары"

Николай Сличенко "Зазнобило"

Михаил Жаров и Николай Сличенко "Милая"

Николай Сличенко "Ехали цыгане"

Николай Сличенко - Романс "Письмо матери" (1969)

Николай Сличенко "Гитара семиструнная" (1970)

Николай Сличенко "Только раз" (1983)

Николай Сличенко "Очи чёрные"



Один музыкант объяснил мне пространно,
Что будто гитара свой век отжила, —
Заменят гитару электроорганы,
Элекророяль и электропила…
Гитара опять
Не хочет молчать —
Поет ночами лунными,
Как в юность мою,
Своими семью
Серебряными струнами!..
Я слышал вчера — кто-то пел на бульваре:
Был голос уверен, был голос красив, —
Но кажется мне — надоело гитаре
Звенеть под его залихватский мотив.
И все же опять
Не хочет молчать —
Поет ночами лунными,
Как в юность мою,
Своими семью
Серебряными струнами!..
Электророяль мне, конечно, не пара —
Другие появятся с песней другой, —
Но кажется мне — не уйдем мы с гитарой
В заслуженный и нежеланный покой.
Гитара опять
Не хочет молчать —
Поет ночами лунными,
Как в юность мою,
Своими семью
Серебряными струнами!..

Владимир Высоцкий 1966

Всем знакома эта пара,
Бард и звонкая гитара.
Первый зазвучит аккорд,
Выбегают все во двор.

Под гитару льётся песня,
Раздвигая свод небесный.
Так гитара хороша,
Окрыляется душа.

Её струны,словно нервы,
Выдают мелодий перлы.
Завораживает слух
От гитары страсти звук.

Роль гитары в нашей жизни,
Безусловно высока.
Без неё нет романтизма,
Шарма нет нверняка.

"Изобретатель трубы знал, что есть вещи,
которые на этом инструменте реализовать
нельзя, но он забыл сказать об этом Диззи…", –
сказал как-то Бенни Картер об игре великого
джазового трубача Диззи Гиллеспи.

Диззи Гиллеспи виртуозно играл на трубе и превосходно импровизировал. Прожив 75 лет, успел невероятно много. Вместе с саксофонистом Чарли Паркером в 40-е годы производит революцию в джазе, создавая новый стиль – бибоп; записывает сотни эпохальных пьес и альбомов, которые входят в золотой фонд джаза; создаёт несколько малых составов и биг-бэндов, каждого из них достаточно для увековечивания памяти.

В течение многих десятилетий Гиллеспи олицетворяет собирательный образ «головокружительного» джазмена. Он недосягаем как виртуоз и оказывает влияние на многих молодых музыкантов.

Гиллеспи удалось завоевать признание как шоумену. Он был одним из мастеров скэта, то есть вокально-слогового пения, законодателем новой сценической моды (экстравагантные костюмы и головные уборы пришли на смену фракам, типичным для эпохи свинга), остроумным конферансье и часто шокировал общественность своими выходками.

♫ Manteca - Dizzy Gillespie ♫



Jazz Icons (Dizzy Gillespie - Live In 1958, 1970) / 2006 / БП / DVDRip

«Мистик-пантеист, наделенный языковой мощью Таулера,
воображением Экхарта и визионерским пылом Грюневальда,
в XIX веке — воистину чудо!»

Брукнер Антон «Готический монах» классической музыки...(1824 - 1896)

Антон Брукнер появился на свет в австрийском городе Ансфельде в семье крестьянского учителя. Любовь к музыке мальчик проявил с самых ранних лет. Ещё в четыре года маленький Антон подбирает на скрипке несколько церковных мелодий, чем невероятно удивляет местного священника. Мать Брукнера часто берёт мальчика в церковь, где поёт в хоре, а отец – учитель музыки – периодически уступает сыну место за органом. Игре на этом инструменте юноша серьёзно начинает учиться в одиннадцать лет. Уже тогда пишет свои первые произведения.

После смерти отца Антон продолжает обучение в капелле певчих монастыря Святого Флориана. Здесь он не только поёт, но и играет на органе, фортепиано и скрипке. Затем Брукнер становится учителем в местном монастыре. В это время Антон завершает композиторское образование у Симона Зехтера и Отто Кицлера, знакомится с Ференцом Листом и Гектором Берлиозом. А в 1865 году в Мюнхене, во время первого представления «Тристана и Изольды» судьба дарит композитору встречу с Рихардом Вагнером. Оба музыканта сразу же чувствуют родство душ. Музыка Вагнера вдохновляет Брукнера на некоторые отступления от классической гармонии.

Известным композитором Антон Брукнер становится только в сорок лет. Он настолько скромен и строг к себе, что долгое время не решается писать крупные формы. Но когда всё же появляются первые симфонии, а за ними мессы, слава Брукнера начинает стремительно расти. Он поражает Европу мастерством органной импровизации. В 1868 году Антон Брукнер получает звание придворного органиста, переезжает в Вену, где становится профессором Венской консерватории по классу генерал-баса, контрапункта и органа. Через несколько лет он читает лекции по гармонии и контрапункту в Венском университете. Один из учеников Брукнера — Густав Малер.

Всё это время композитор не перестаёт сочинять музыку. За 30 лет Брукнер написал 11 симфоний! Причём в разных редакциях, каждая из которых достойна стать отдельным произведением. Антон Брукнер удивительным образом проявил в сочинениях не только глубокую веру в Создателя, но и, вместе с тем, гордое, необычное для католицизма представление о человеке как центре мира. Его музыка — устремление к свету, единение с гармонизованным космосом.

Bruckner, Symphony Nr 4 Es Dur 'Romantische' Claudio Abbado, Wiener Philharmoniker

4 симфония считается лучшей, мне же нравится 7 симфония

Bruckner: 7. Sinfonie ∙ hr-Sinfonieorchester ∙ Christoph Eschenbach