Музыкальные жанры, направления и стили - Страница 2

cookies · 16.09.2011, 20:51

Музыкальный жанр — многозначное понятие, характеризующее роды и виды музыкального творчества в связи с их происхождением, условиями исполнения и восприятием. Понятие музыкального жанра отображает основную проблему музыковедения и музыкальной эстетики — взаимосвязь между в немузыкальными факторами творчества и её сугубо музыкальными характеристиками. Музыкальный жанр является одним из важнейших средств художественного отождествления.

Содержание:

стр.1 - Народная музыка. Фолк-музыка. Духовная музыка. Классическая музыка/Академическая музыка . Латиноамериканская музыка. Блюз. Джаз. Кантри. Рок
стр.2 - Инструментальная музыка. Электронная музыка. Chanson. Русский шансон. Авторская песня. Поп-музыка. Ска. Рэп (Хип-хоп). Саундтрек. Relax music
стр.3 - Детская музыка. Танцевальная музыка. Мюзикл. Марш. Гимн. Вокально-инструментальные ансамбли (ВИА). Из истории звукозаписи. Международный день музыки. Нота .

♫ Музыкальная энциклопедия ♬:
[ А | Б | В | Г | Д | Е | Ж | З | И | К | Л | М | Н | О | П | Р | С | Т | У | Ф | Х | Ц | Ч | Ш | Щ | Э | Ю | Я ]
[ A | B | C | D | E | F | G | H | I | J | K | L | M | N | O | P | Q | R | S | T | U | V | W | X | Y | Z ]

(Материал для темы использован: Википедия, Музыкальная энциклопедия и многочисленные источники из сети мировой паутины.)

cookies · 19.09.2011, 16:54

Детская музыка - предназначенная для слушания или исполнения детьми. Лучшие образцы её характеризуются конкретностью, живым поэтичным содержанием, образностью, простотой и чёткостью формы. Инструментальной детской музыке свойственны программность, элементы изобразительности, звукоподражания, танцевальность, маршевость, простота муз. фактуры, опора на фольклор. В основе муз. произв. для детей часто бывают нар. сказки, картины природы, образы животного мира.Песни, прибаутки, пляски, скороговорки, байки и др. часто служили основой проф. Д. м. Ещё в Др. Греции была известна нар. детская песня, в частности были распространены колыбельные песни. Исторические источники указывают на то, что неск. детских песен было сочинено греч. певцом и композитором Пиндаром (522-442 до н. э.). В Др. Спарте, Фивах, Афинах детей с раннего возраста обучали игре на авлосе, пению в хорах.

Cкрытый текст -

Раздачи: Детские песни

cookies · 19.09.2011, 17:08

Танцевальная музыка — музыка, специально написанная для аккомпанемента танцам. Она может представлять собой либо отдельную музыкальную работу, либо является частью музыкальной аранжировки. Исполняемая танцевальная музыка подразделяется на живую танцевальную музыку и на записанную танцевальную музыку. В 1970-е гг. появился жанр "Диско", танцевальная поп-музыка, названная по имени дискотек, для которых она записывалась и исполнялась. В 1980-х годах стала развиваться электронная клубная музыка, которая писалась специально для массовых дискотек — рейвов.

Cкрытый текст -

Записей танцевальной музыки древних времен не сохранилось. Мы можем судить о том, какими были в то время танцы и их музыкальное сопровождение лишь по известным памятникам литературы, живописи, архитектуры древних времен. Первые сохранившиеся образцы танцевальной музыки относятся к позднему средневековью (XIII век). Они, как правило, одноголосны, хотя среди историков музыки существует мнение, что в реальном исполнении дошедшие до нас мелодии служили лишь основой для импровизации аккомпанирующих голосов. Ранние записи многоголосной танцевальной музыки относятся преимущественно к XV—XVI векам. К ним принадлежали распространенные в то время хороводные пляски, пиршественные, застольные, общественные и бальные танцы, предназначающиеся для исполнения на лютне, органе и др. инструментах, для небольших ансамблей и даже – для пения.
Надо отметить, что история танцевальной музыки тесно соприкасается с развитием инструментария. Именно с танцем в первую очередь связано возникновение отдельных инструментов и инструментальных ансамблей. Так, не случайно значительную часть дошедшего до нас лютневого репертуара составляют танцевальные пьесы. Для исполнения танцевальной музыки создавались специальные ансамбли, подчас весьма внушительных размеров: древнеегипетский оркестр, сопровождавший некоторые танцевальные церемонии, насчитывал до 150 исполнителей (это согласуется с общей монументальностью египетского искусства); в Древнем Риме танцевальная пантомима также шла в сопровождении оркестра грандиозных размеров (также для достижения особой помпезности).
Еще с древних времен и античности в танцевальной музыке используются все виды инструментов (духовые, струнные, ударные и др.). Новейшие достижения в области инструментостроения (например, электронные инструменты современной эпохи) моментально находят свое применение. При этом сама специфика определенного инструментального звучания оказывает непосредственное воздействие на музыкальный облик танца и подчас нерасторжимо сливается с его выразительностью. Трудно представить венский вальс без тембра струнных инструментов, фокстрот 1920-х гг. — без звучания кларнета и саксофона, а новейшие танцы — вне динамического уровня, достигающего уровня болевого порога.

Танцевальные жанры XX века:

Cкрытый текст -

cookies · 19.09.2011, 19:43

Мюзикл - (англ. Musical) (иногда называется музыкальной комедией) — музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, важную роль играет хореография. Сюжеты часто берутся из известных литературных произведений, из мировой драматургии («Моя прекрасная леди» по Бернарду Шоу, «Целуй меня, Кэт!» по Шекспиру, «Человек из Ламанчи» по Сервантесу, «Оливер!» и «Ночь открытых дверей» по Диккенсу). Большое влияние на мюзикл оказали многие жанры: оперетта, комическая опера, водевиль, бурлеск. Как отдельный жанр театрального искусства долгое время не признавался. Мюзикл — жанр, как правило, сложный в постановочном отношении и потому дорогой. Многие бродвейские мюзиклы славятся своими спецэффектами, что возможно только в условиях стационарного мюзикла, где спектакли идут ежедневно в течение многих лет, пока они пользуются успехом у публики. В России пример такого наиболее успешного стационарного мюзикла — «Юнона и Авось».

Cкрытый текст -

Самым жизнеспособным, популярным и активным жанром музыкального театра в США является сегодня мюзикл (краткая форма от английского названия музыкальной комедии — musical play). Это жанр развлекательною «легкого» представления — пьеса с разговорными диалогами, эффектным сценическим оформлением, танцами, пением (ансамбли, иногда хоры, но главное — песни, именуемые зонгами). Чаще всего мюзиклы — веселые комедийные пьесы, в которых действие, сюжет служат как убедительный повод для развертывания музыкальной стихии спектакля. Сюжет обычно связан с современным бытом или популярными фабулами, взятыми из общедоступных произведений мировой литературы и драматургии (например, Шекспир, Шоу, О'Нил, Хелман).

Исторически начало мюзикла восходит к 60-м гг. прошлого века, когда в Нью-Йорке начали ставиться развлекательные пьесы с музыкой, танцами и экстравагантными сценическими эффектами. Тип «мюзикла» оформился около 1900 г. Сначала в нем не было единого сюжетного действия. Элементы менестрельного представления (жанр американского народного театра), водевиля, оперетты, балета и ревю нанизывались на какой-либо случайно избранный сюжетный стержень. Мюзикл как жанр достиг самостоятельности благодаря тому, что со временем серьезно возрос художественный уровень музыкальной стороны спектакля и одновременно — большого художественого совершенства и определенности жанровой специфики достиг литературный текст.

Внутри самого жанра мюзикл различают две основные разновидности: так называемую европейскую и собственно американскую. Разделение это весьма условно. Европейски ориентированный мюзикл создан теми композиторами и драматургами, которые положили в основу своих произведений оперетту (английский и австрийский ее варианты). Этот мюзикл имеет в числе своих создателей таких признанных мастеров, как Рудольф Фримль (р. 1879), пражский пианист, аккомпаниатор Я. Кубелика, ставший голливудским кинокомпозитором — автор всемирно знаменитой «Роз-Мари» (1924); Зигмунд Ромберг (1887—1951), венгерский инженер-переселенец, автор любимых в Нью-Йорке оперетт, ревю и музыкальных комедий; наконец, Джером Керн (1885—1945) — в свое время самый популярный из песенных композиторов США; далее Р. Роджерс (р. 1902) в тех его пьесах, которые сочинялись на тексты Оскара Хаммерштайна-сына среди них и знаменитая «Оклахома!», 1943); и Фредерик Лоу с «Моей прекрасной леди», широко известной бродвейской метаморфозой «Пигмалиона» Б. Шоу. Для этой разновидности мюзикла характерны в качестве сюжетного материала любовные истории на историческом или экзотическом фоне, романтически-сентиментальные мелодии, простые, легко поющиеся, и оркестр, в основном повторяющий состав обычного европейского опереточного оркестра.

Вторая разновидность мюзикла, которую принято характеризовать как более коренную — американскую, — в некоторых произведениях полностью отождествляется с жанром американской «народной оперы» (например, «Порги и Бесс» Гершвина). Сюжеты таких мюзиклов почти исключительно национально-американские и урбанистические, часто — с чертами пародии и сатиры и социально-критической проблематикой. Музыкальный стиль отличается значительно большей характерностью, современностью и остротой, чем в европейской разновидности. Значительно большую роль здесь приобретают технические средства джаза и материал национального фольклора, главным образом негритянского. Вершинами в развитии этой линии музыкальной комедии были «Maленький Джонни Джонс» М. Коэна (1904), произведения Гершвина, Р. Роджерса (написанные в сотрудничестве с либреттистом Л. Хартом); «Целуй меня, Кэт» Ч. Портера (1948); пьесы Ф. Лессера (р. 1910), М. Уилсона (р. 1902), Вернона Дьюка (1903-1969), автора популярного мюзикла «Хижина в небе» (1940), разнообразно использующего негритянский фольклор.

Новейший американский мюзикл, рассчитанный на «массовое потребление» продукт «индустрии развлечений», допускает сравнение с голливудским коммерческим кинематографом. Психологический примитив и «отвлекающий» от коллизий жизненной реальности тон этого искусства можно считать, нормой для этого жанра, однако современные мьюзиклы нередко входят в соприкосновение со злободневной общественной и политической проблематикой, а «Трехгрошовая опера» Брехта — Вайля, классическое произведение немецкого политического театра, по свидетельствам американской прессы, еще в 1961 г. шла на Бродвее в 2249-й раз и побила рекорд самых популярных американских мюзиклов; «Оклахома!» и «Моя прекрасная леди». Курт Вайль во время своей американской эмиграции сам участвовал в сочинении многих мюзиклов для театров Бродвея и под влиянием новый условий в значительной мере отошел от традиций своего немецкого периода в сторону могущественного американского «стандарта», однако этот «стандарт» был достаточно высокого художественного качества, и благодаря усилиям Вайля социально-критическая и политическая тенденции в американском мюзикле оставались весьма заметными.

Отступлений от «развлекательной» нормы в жанре американского мюзикла было немало. Не совсем обычна для музыкальной комедии Бродвея «Вест-Сайдская история» Л. Бернстайна (1957), обнажающая некоторые трагические аспекты американской действительности. Тенденцию политического театра в жанре мьюзикл развивал Марк Блицстайн (1905—1964), который создал ряд острых социально-критических произведений под влиянием К. Вайля и П. Дессау («Колыбель будет начаться», 1937; «Отвечать нечего», 1940; «Сакко и Ванцетти», 1960).

С начала 40-х гг. вообще значительно расширилась проблематика мюзикла вплоть до психоаналитической темы в пьесе К. Вайля «Леди в темноте» (1942) и расовой проблемы, заново поставленной второй мировой войной, в пьесах Р. Роджерса, Работа над созданием мьюзиклов превратилась в своего рода коллективное, синтетически-творческое предприятие с четким разделением труда: одновременное сотрудничество драматурга, композитора, поэта-сочинителя песенных текстов, художника — оформителя сцены, режиссера, хореографа, музыканта-аранжировщика и дирижера. Спектакль всегда предназначен для универсальных — поющих и танцующих — актеров. Все это гораздо больше напоминает коллективный процесс создания кинофильма, чем индивидуальное выполнение композитором заказа на оперу. Этот стиль «производства» мюзиклов получил свое окончательное завершение в многочисленных пьесах 60-х гг. Традиция американского мюзикла оказала влияние на музыкальную комедию других cтран, в первую очередь Англии, но также Франции и ФРГ.

Тип музыкально-драматического произведения, именуемого «народной оперой» или «песенной оперой», и музыкальная комедия — мьюзикл — оказались самыми устойчивыми и важными в развитии и становлении на американской почве оперного жанра. Притом во многих случаях между «народной оперой» и мьюзиклом трудно провести четкую разделительную черту. К тому же специфически американский мьюзикл обнаруживает знакомые европейскому слушателю черты немецкой песенной оперы в народном духе, зингшпиля, венской оперетты и французского ревю.

Одной из первых попыток создать американскую оперу был «Император Джонс» Луи Грюнберга (1933, по пьесе О'Нила), где обработанные негритянские песни и танцы чередовались с вокальной декламацией. Однако подлинного успеха в этом направлейии добился Джордж Гершвин, потомок выходцев из России, исключительно одаренный самородок, развивавшийся вне академических традиций профессиональной музыки. Гершвин — песенный композитор, автор множества популярных шлягеров — в своей оригинальной музыкальной драме «Порги и Бесс» стал создателем американского варианта так называемой «народной оперы» или «песенной оперы в народном духе», ассимилировавшей элементы негритянского фольклора, джаза и технические приемы оперы XX в. Песенно-танцевальный и фольклорный материал во многом определил и музыкальную форму и характер «Порги и Бесс», которая была поставлена впервые в 1935 г., но в полном виде, без сокращений, прозвучала лишь в 1942 г. Другой образец такой американской «народной оперы» можно найти у Курта Вайля. Это его «Уличное происшествие» (1947, по пьесе Э. Раиса), Американскую «народную балладу», уличную песню и симфоническую музыку соединил в своих операх «Дьявол и Даниэл Уэбстер» (1938) и «Баллада о Бэби До» (1956) композитор Дуглас Мур. Вирджил Томсон в опере «Наша общая мать» (1947, по драме Гертруды Стайн о Сусанне Б. Энтони, знаменитой участнице движения за эмансипацию женщин в Америке) применил традиционные оперные средства в чередовании с песнями, танцами и эпизодами ревю.

Джан Карло Менотти (Menotti) Форму «песенной» оперы использовал и Эрл Робинзон (р. 1910), ученик Эйслера,
автор многих известных песен (в том числе «Джо Хилл»), участник демократического музыкального движения в США. Для своей «песенной оперы» «Кроты» (1954, Нью-Йорк) композитор выбрал короткий рассказ Т. Драйзера о постройке ирландскими эмигрантами в 1880 г. в Нью-Йорке туннеля под рекой Гудзон. Голод вынуждает людей работать в опасных для жизни условиях, и преступная безучастность администрации приводит к катастрофе: вода заливает туннель, и «кроты» гибнут. Тема произведения — социальный конфликт и пробуждение классового сознания рабочих. Значение американской оперы сегодня еще сравнительно невелико, однако в США продолжают интенсивно создаваться новые произведения, как в жанре мьюзикл, так и в традиционных европейских формах. Видное место среди оперных композиторов США занимает Джан Карло Менотти, которого часто называют «неоверистом», подчеркивая его связи с итальянской оперной культурой. Менотти сочетает в себе способности опытного либреттиста, режиссера и композитора, умеющего быть и современным и доступным широкой публике. Секрет популярности Менотти, произведения которого ставятся в театрах Бродвея, в эффектной театральности его драматических замыслов, в актуальности его тем.

Значительную роль в американском оперном театре играет также творчество Сэмюэля Барбера (р. 1910), опера которого «Ванесса» была написана на либретто Дж. К. Менотти и с его режиссурой поставлена в 1958 г. в Метрополитен-опере. Это лирическая драма, таинственно-элегический тон которой напоминает о «Пеллеасе и Мелизанде» Дебюсси, а мелодика и вокальный стиль более непосредственно связаны с Пуччини. Последняя большая опера Барбера «Антоний и Клеопатра» сочинялась по специальному заказу для открытия нового здания Метрополитен-опера в Линкольновском центре искусств в Нью-Йорке (1966).

Поджанры:
Водевиль/Vaudeville
Мюзик-холл/Music hall

Раздачи: Мюзикл, Musical

cookies · 20.09.2011, 21:30

Марш - (ит. — marcia, франц. — marche, от франц. marcher — идти) - один из самых древних жанров, сопровождающей или рисующей стройные размеренные движения людей, преимущественно войска. Сложился в инструментальной музыке в связи с задачей синхронизации движения большого числа людей (в строю, праздничное шествие) и всегда соответствовал характеру этого движения - торжественному, неторопливому, или бодрому, энергичному. Марш пишется в четыре четверти или 2/4 в двухколенном или коленном складе, с трио. Ритм должен быть ясный, простой и энергичного характера. Для марша характерны строгая размеренность ритма, темп шага, двухдольный размер (хотя это совсем не обязательно, одно из таких исключений - вступление к хору мальчиков, 1 действие "Кармен" Бизе). Обычно марши имеют яркие, легко запоминающиеся мелодии, несложное, чаще всего аккордовое сопровождение.
Виды:
· торжественный - во время праздников и парадов
· военно-строевой, походный - когда марширует войсковая часть или другая организованная колонна людей - "Прощание славянки"
· спортивный - на физкультурных парадах и соревнованиях
· траурный - "Погребальное шествие" Листа
· сказочный - марш Черномора из "Руслана и Людмилы" Глинки
· юмористический - "Любовь к трём апельсинам" Прокофьева
· игрушечный - "Марш деревянных солдатиков" Чайковского
· детский - из "Детской музыки" Прокофьева
· песня-марш - "Вместе весело шагать"

Cкрытый текст -

Для марша характерны строгая размеренность ритма, темп шага, двухдольный размер (хотя это совсем не обязательно, одно из таких исключений - вступление к хору мальчиков, 1 действие "Кармен" Бизе). Обычно марши имеют яркие, легко запоминающиеся мелодии, несложное, чаще всего аккордовое сопровождение.
В маршах, предназначенных для исполнения оркестром, композиторы отводят значительную роль духовым и ударным инструментам, а особенно трубе.
Есть общие черты в музыкальной форме маршей. Практически всегда квадратная структура построений. В основе чаще всего лежит две или три темы, и чаще всего форма - трёхчастная, простая или сложная, тема средней обычно имеет другой характер. В "Детской музыке", например, серединка в субдоминантовой тональности, и, хотя тема та же самая, там больше развития, характер более скерцозный за счёт широких скачков без заполнения. В Погребальном шествии ситуация иная: середина сложной трёхчастной является более оформленным, самостоятельным эпизодом, построенным на новой теме. Мажорный лад, целеустремлённое движение вперёд образуют полный контраст первому разделу. Черты марша сменяют токкатность, этюдность. По О. В. Соколову такой случай называется ассимиляцией жанра.
Характерные ритмические рисунки ведут происхождение от барабанной дроби, фанфарных сигналов: острые пунктирные ритмы, синкопы, контрасты отрывистого и плавного движения. Фанфарными интонациями называются движение по звукам аккордов, яркие скачки (особенно тоническая кварта), повторения звука.
Марши можно встретить в музыке театральных произведений - в операх, балетах, драматических спектаклях. Здесь они всегда связаны с действием на сцене и обычно сопровождают какое либо шествие. Примером героического марша может служить марш из оперы Дж. Верди "Аида". Его исполняют симфонический оркестр, а также духовой оркестр, размещённый прямо на сцене. Весь марш строится по существу, на развитии одной темы. Характер музыки воинственный, ликующий, решительный, энергичный, ближе к концу становится светлее и праздничнее.
Марш из балета Чайковского "Щелкунчик" совершенно иного рода. Черты "игрушечности", скерцозности композитор придаёт в соответствии с сюжетом - колкий пунктир, острое стаккато, суетливая беготня в среднем разделе, преобладание верхнего регистра, невесомая мелодия флейты.
Самый распространённый пример смешения жанров (термин О. В. Соколова) относительно марша - это песня-марш; песня, организующая движение людей. Такая музыка в большинстве случаев жизнерадостна, уверенна, аккомпанемент всегда чёткий и бодрый, мелодические фразы небольшие, т. к. подразумевается исполнение во время ходьбы, всегда квадратность и двухдольность. Форма может быть куплетной. Очень много таких песен было написано в Советское время - Авиамарш, Марш Энтузиастов, песни о войне.
Тесно связанная с бытом людей, с различными сторонами их жизни, и, как бы участвуя в этой жизни, маршевая музыка имеет большое общественное значение.

Раздачи: Марш

cookies · 20.09.2011, 22:21

Гимн - (др.-греч. ὕμνος) — торжественная песня, восхваляющая и прославляющая кого-либо или что-либо (первоначально — божество).

· Религиозный гимн
· Христианская гимнография
· Литературный гимн
· Национальный гимн
· Корпоративный гимн
· Государственный гимн

Список государственных и национальных гимнов

Всё о Гимнах см.здесь

Раздачи: Гимн

cookies · 21.09.2011, 18:28

Вокально-инструментальный ансамбль (ВИА) — официальное наименование признанных государством профессиональных и самодеятельных музыкальных групп в Советском Союзе в 1966—1986 годах. Термин «ВИА» в советское время был синонимом термина «музыкальная группа» (мог применяться даже к иностранной группе), но со временем стал ассоциироваться именно с советскими рок-, поп- и фолк-группами.
Особой частью советской эстрады было движение ВИА, которое зародилось в конце 1960-х. ВИА представляли собой официальные коллективы из профессиональных музыкантов, исполняли песни, написанные профессиональными композиторами и поэтами (не обязательно членами группы), и прошедший утверждение худсовета. Вместе с тем, стиль этих ансамблей заметно отличался от «традиционной эстрады» и был ориентирован на молодёжь. Официальный статус отделял ВИА от «авторской песни» того же периода. Пластинки ВИА издавались на рекорд-монополисте, фирме «Мелодия». ВИА состояли из профессиональных музыкантов, во главе с художественным руководителем. Их составы бывали обширны — 6-10 и более человек, в них входили по нескольку вокалистов и мультиинструменталистов. Участники часто менялись, а различные песни могли исполняться различными солистами. Среди самых известных ВИА — «Песняры», «Поющие гитары», «Цветы», «Земляне», «Самоцветы». Иногда ВИА выступали как аккомпанирующий состав известного сольного исполнителя, как, например: Юрий Антонов с группами «Аракс» и «Аэробус», Алла Пугачёва и ВИА «Рецитал», София Ротару и ВИА «Червона рута», Валерий Ободзинский и ВИА «Верные друзья».
Стиль музыки, исполнявшийся ВИА, разнообразен и неоднороден. Он включал в себя как фолк и народные песни, так и диско, рок-музыку и новую волну. Среди характерных инструментов, кроме гитар и ударных, присутствовали синтезаторы, духовые инструменты, и народные инструменты. Звучание ВИА многие рассматривают как специфический жанр в советской популярной музыке

Репертуар:

Cкрытый текст -

Репертуар ВИА в основном составляли песни, написанные профессиональными композиторами и поэтами. Исполнялись также песни, написанные членами группы, основным композитором мог быть и художественный руководитель коллектива. Программа ансамбля официально утверждалась худсоветом, это было непременным условием для исполнения её на публике.

Стиль музыки, исполнявшийся ВИА, разнообразен. Он включал в себя как фолк и народные песни, так и диско, рок-музыку и синти-поп. Звучание ВИА рассматривают как специфический жанр в советской популярной музыке. Следует отметить, что именно ВИА сформировали и подготовили музыкальный пласт развития биг-бита и поп-музыки, сформировали зрительскую аудиторию для следующего музыкального направления в СССР — рок-музыки. Однако в исполнении музыки ярко выраженные рок-моменты будь то соло электрогитары или слишком громкий голос артистов не рекомендовался. Не приветствовались современные ритмы и новейшие направления, будь новая волна и пр. Потому песни у ВИА были как правило незамысловатые, не длящиеся более 3-4 минут и без серьезной импровизации.

В текстах песен ВИА звучали патриотические и военно-патриотические мотивы, любовная лирика (в крайне «платонизированном» варианте), чисто советские мотивы романтики труда, встречались песни-шутки, романсы, народные песни, песни на актуальные темы (вроде строительства БАМа). В основном песни несли выраженно позитивный заряд, прославляли советский образ жизни, говорили о счастье, радости, трудовых свершениях и боевых подвигах. Критика, протест, тема конфликта человека и общества допускались только в «обличительных» песнях о проблемах капиталистического мира. Не поощрялось и заострение проблем молодёжи.

Заметное место в репертуаре многих ВИА занимали кавер-версии песен западных групп (с текстами на русском языке, часто крайне далёкими от оригинала по смыслу, но, как правило, фонетически сходными с ним). В записях и в представляемых на утверждение программах выступлений кавер-версии иногда маскировались: менялись названия, музыка могла приписываться членам группы или несуществующим композиторам, песня именовалась «американской народной» и так далее. Также ВИА нередко использовали музыкальные фрагменты западных песен в собственных произведениях, подавая их как свою музыку. На концертах могли исполняться и оригинальные западные песни.

Вокально-инструментальные ансамбли СССР

Раздачи: ВИА (За исключением "ВИА Гра"

)

cookies · 23.09.2011, 20:00

Самая старая в мире звукозапись...
Исследователи из группы изучения истории звукозаписи First Sounds, обнаружили и смогли проиграть звуковую запись народной песни, сделанную французским изобретателем в 1860 году, за 17 лет до того, как Томас Эдисон изобрёл фонограф, сообщает Reuters. Протяжённость её составляет 10 секунд. На записи слышен предположительно женский голос, который поёт "Au clair de la lune, Pierrot repondit".
Она была сделана 9 апреля 1860 года парижским изобретателем Эдуардом-Леоном Скоттом де Мартенвилем с помощью устройства, называемого "фоноавтограф". Оно процарапывало звуковые дорожки на листе бумаги, вычерненном дымом от масляной лампы.

Один из историков, Давид Джованнони, говорит, что узнал о существовании записи 1 марта 2008 года. Она хранилась в парижском архиве. Эксперты из First Sounds уже перевели её в цифровой формат.
Джованнони говорит, что эта находка равноценна находке старейшей в мире фотографии, которая была бы сделана за 17 лет до изобретения камеры. Он, однако, говорит, что запись, изначально, не предназначалась для прослушивания. Единственным намерением изобретателя было запечатлеть визуально на бумаге звуковые колебания.
В апреле 1860 года Мартенвиль испытал фоноавтограф — устройство, которое так и не заменило стенографистку, но оставило нам самую первую звукозапись

Cкрытый текст -

Эдуар-Леон Скотт де Мартенвиль, книгоиздатель и хозяин книжного магазинчика в самом сердце Парижа, автор «Истории стенографии с древнейших времен до наших дней», долго бился над задачей, как облегчить труд стенографисток, и наконец придумал машину, которая фиксировала звук графически и которую он назвал «фоноавтограф». Улавливаемые при помощи рожка звуковые волны заставляли колебаться чувствительную мембрану с прикрепленной к ней иглой, которая оставляла след на покрытой сажей бумаге, обернутой вокруг вращающегося цилиндра. Но, увы, записанные таким образом звуки Мартенвилю прочитать не удалось. Лишь в 2008 году компьютер сумел, конечно же, не прочитать, а воспроизвести записанное. Первая из сохранившихся записей, сделанная 9 апреля 1860 года, оказалась французской детской песенкой Au clair de la lune («При свете луны»). Поскольку сам Мартенвиль делал записи на разных скоростях, не сразу удалось понять, кто поет — Мартенвиль или его дочь. Разбогатеть на своем изобретении француз не смог. Успех на этом поприще сопутствовал Томасу Алве Эдисону, создавшему в 1877 году фонограф — устройство, которое не только записывает звук, но и воспроизводит его (первой записью Эди*сона тоже станет детская песенка: Mary Had a Little Lamb, «У Мэри был барашек»).
Источник: Журнал “Вокруг света”. – 2010. – № 4. – С.23

Краткая история звукозаписи в России

Cкрытый текст -

cookies · 03.10.2011, 10:28

Международный день музыки - (International Music Day), который был учрежден по инициативе Международного музыкального совета (англ.) (IMC) при ЮНЕСКО, ежегодно отмечается во всем мире 1 октября. Решение о проведении Международного дня музыки было принято на 15-й Генеральной ассамблее IMC в Лозанне в 1973 году.
Одним из инициаторов учреждения Международного дня музыки является композитор Дмитрий Шостакович. Праздник отмечается ежегодно во всем мире большими концертными программами, с участием лучших артистов и художественных коллективов. В этот день звучат сочинения, вошедшие в сокровищницу мировой культуры.

30 ноября 1974 г. председатель Международного музыкального совета, сэр Иегуди Менухин и его заместитель Борис Ярустовский обратились к членам IMC с письмом:

Первый Международный день музыки, учрежденный Международным музыкальным советом, в соответствии с резолюцией 15-й Генеральной ассамблеи IMC, прошедшей в Лозанне в 1973 г., будет проведен 1 октября 1975 г.
Цель этого Дня:
- распространение музыкального искусства во всех слоях общества;
- реализация присущих ЮНЕСКО идеалов мира и дружбы между народами, развития культур, обмена опытом и взаимного уважительного отношения к эстетическим ценностям друг друга.

Тематическая группа
Раздачи

cookies · 19.10.2011, 14:08

Нота (лат. nota — знак, замечание) в музыке — это графическое обозначение звука музыкального произведения, один из основных символов современной музыкальной нотации. Вариации в изображении ноты, а также сочетания с другими символами позволяют задать такие характеристики обозначаемого нотой звука, как высоту, длительность и порядок исполнения по отношению к другим звукам.
Письменность, великое изобретение человечества, позволило накапливать и передавать грядущим поколениям мысли, идеи и впечатления. Другое изобретение, не менее великое, нотная запись, позволило передавать потомкам звуки, музыку.
Изобретатель современной системы нотной записи – бенедиктинский монах Гвидо Аретинский (Гвидо д'Ареццо) (990-1050). Ареццо – небольшой городок в Тоскане, неподалеку от Флоренции. В здешнем монастыре брат Гвидо обучал певчих исполнению церковных песнопений. Дело это было нелегким и долгим. Все знания и умения передавались устно в непосредственном общении. Певчие под руководством преподавателя и с его голоса последовательно разучивали каждый гимн и каждое песнопение католической мессы. Поэтому полный «курс обучения» занимал около 10 лет.

Cкрытый текст -

Гвидо Ареттинский начал отмечать звуки нотами (от латинского слова nota – знак). Ноты, заштрихованные квадратики, размещались на нотном стане, состоящем из четырех параллельных линий. Сейчас этих линий пять, и ноты изображают кружочками, но принцип, введенный Гвидо, остался без изменений. Более высокие ноты изображаются на более высокой линейке. Нот семь, они образуют октаву.

Каждой из семи нот октавы Гвидо дал название: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Это – первые слоги гимна св. Иоанну. Каждая строка этого гимна поется на тон выше предыдущей.

UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum,
SOLve polluti
LAbii reatum,
Sancte Ioannes.

(В переводе с латинского:
Чтобы слуги твои
голосами своими
смогли воспеть
чудные деяния твои,
очисти грех
с наших опороченных уст,
о, Святой Иоанн»)

Ноты следующей октавы называются так же, но поются более высоким или более низким голосом. При переходе от одной октавы к другой частота звука, обозначаемого одной и той же нотой, увеличивается или уменьшается вдвое. Например, музыкальные инструменты настраивают по ноте ля первой октавы. Этой ноте соответствует частота 440 Гц. Ноте ля следующей, второй, октавы будет соответствовать частота 880 Гц.

Названия всех нот, кроме первой, заканчиваются на гласный звук, их удобно петь. Слог ut – закрытый и пропеть его подобно прочим невозможно. Поэтому название первой ноты октавы, ut, в шестнадцатом веке заменили на do (скорее всего, от латинского слова Dominus – Господь). Последняя нота октавы, si – сокращение двух слов последней строки гимна, Sancte Ioannes. В англоязычных странах название ноты «си» заменили на «ти», чтобы не путать с буквой С, также используемой в нотной записи.

Изобретя ноты, Гвидо обучил певчих этой своеобразной азбуке, а также научил их петь по нотам. То есть тому, что в современных музыкальных школах называется сольфеджио. Теперь достаточно было записать нотами всю мессу, и певчие могли уже сами пропеть нужную мелодию. Отпала необходимость учить каждого каждой песне лично. Гвидо должен был только контролировать процесс. Время обучения певчих сократилось в пять раз. Вместо десяти лет – два года.

Надо сказать, что монах Гвидо из Ареццо был не первым, кто придумал записывать музыку при помощи знаков. До него в Западной Европе уже существовала система невмов (от греческого слова «пневмо» – дыхание), значков, проставляемых над текстом псалмов, чтобы обозначить подъем или понижение тона песни. На Руси для той же цели употребляли собственную систему «крюков» или «знамен».

Квадратные ноты Гвидо Аретинского, размещаемые на четырех линиях нотного стана, оказались самой простой и удобной системой записи музыки. Благодаря ей нотная грамота распространилась по всему миру. Музыка покинула пределы церкви и ушла сперва во дворцы владык и вельмож, а потом в театры, концертные залы и на городские площади, став всеобщим достоянием.

Мемориальная доска в Ареццо на улице Рикасолли на доме, в котором родился Гвидо. На ней изображены квадратные ноты.

Статуя Гвидо Аретинского во Флоренции неподалеку от галереи Уффици

19.09.2011, 17:08	#22
cookies Творческий организатор Гуру Форума Регистрация: 19.05.2007 Адрес: Media-Art-Club Сообщения: 1,582 Репутация: 1001	Танцевальная музыка — музыка, специально написанная для аккомпанемента танцам. Она может представлять собой либо отдельную музыкальную работу, либо является частью музыкальной аранжировки. Исполняемая танцевальная музыка подразделяется на живую танцевальную музыку и на записанную танцевальную музыку. В 1970-е гг. появился жанр "Диско", танцевальная поп-музыка, названная по имени дискотек, для которых она записывалась и исполнялась. В 1980-х годах стала развиваться электронная клубная музыка, которая писалась специально для массовых дискотек — рейвов. Cкрытый текст - Записей танцевальной музыки древних времен не сохранилось. Мы можем судить о том, какими были в то время танцы и их музыкальное сопровождение лишь по известным памятникам литературы, живописи, архитектуры древних времен. Первые сохранившиеся образцы танцевальной музыки относятся к позднему средневековью (XIII век). Они, как правило, одноголосны, хотя среди историков музыки существует мнение, что в реальном исполнении дошедшие до нас мелодии служили лишь основой для импровизации аккомпанирующих голосов. Ранние записи многоголосной танцевальной музыки относятся преимущественно к XV—XVI векам. К ним принадлежали распространенные в то время хороводные пляски, пиршественные, застольные, общественные и бальные танцы, предназначающиеся для исполнения на лютне, органе и др. инструментах, для небольших ансамблей и даже – для пения. Надо отметить, что история танцевальной музыки тесно соприкасается с развитием инструментария. Именно с танцем в первую очередь связано возникновение отдельных инструментов и инструментальных ансамблей. Так, не случайно значительную часть дошедшего до нас лютневого репертуара составляют танцевальные пьесы. Для исполнения танцевальной музыки создавались специальные ансамбли, подчас весьма внушительных размеров: древнеегипетский оркестр, сопровождавший некоторые танцевальные церемонии, насчитывал до 150 исполнителей (это согласуется с общей монументальностью египетского искусства); в Древнем Риме танцевальная пантомима также шла в сопровождении оркестра грандиозных размеров (также для достижения особой помпезности). Еще с древних времен и античности в танцевальной музыке используются все виды инструментов (духовые, струнные, ударные и др.). Новейшие достижения в области инструментостроения (например, электронные инструменты современной эпохи) моментально находят свое применение. При этом сама специфика определенного инструментального звучания оказывает непосредственное воздействие на музыкальный облик танца и подчас нерасторжимо сливается с его выразительностью. Трудно представить венский вальс без тембра струнных инструментов, фокстрот 1920-х гг. — без звучания кларнета и саксофона, а новейшие танцы — вне динамического уровня, достигающего уровня болевого порога. *Танцевальные жанры XX века:* Cкрытый текст - - Вальс-бостон Cкрытый текст - ВАЛЬС-БОСТОН — американский салонный танец лирического, часто сентиментального характера. Название танца происходит от названия американского г. Бостон. Возник в конце XIX века (примерно в 1870-х гг.), большое распространение получил в США и Европе в 20-х гг. XX века. Представляет собой разновидность медленного вальса. Музыкальный размер — 3/4. Характерной чертой его является пауза в аккомпанементе на 3-й доле такта (иногда на 2-й). Известен также как английский вальс. - Рэгтайм Cкрытый текст - РЭГТАЙМ (также регтайм, с англ. — букв. «разорванное время») — стиль афро-американской городской танцевально-бытовой музыки (преимущественно для фортепиано). Сформировавшись в США во 70-е годы XIX века, он становится популярным с середины 1890-х годов до 1918. Изначально бытовали и другие его названия — rag, rag music, rag piano playing, ragging и др. Три момента в их неразрывном сочетании определили новизну выразительности рэгтайма — ритм, манера фортепианной игры, приемы формообразования. Рэгтайм культивировал принципы композиции и свою особую виртуозность, не свойственные романтическому и импрессионистскому стилям, и основывался на необычных для рояля жестких «стучащих» звучаниях и столь же необычных акцентированных ритмах. Метроритмическая сфера занимала первое место среди средств выразительности, определяющих новизну рэгтайма. Характерным признаком жанра было подчеркнутое ритмическое несовпадение мелодии и аккомпанемента: левая рука равномерно чередует бас и аккорд в ритме 2-дольного или 4-дольного танца (польки, тустепа, экосеза) или марша, а правая исполняет свободно синкопированную («рваную») мелодию. Такое последовательное синкопирование, постоянное нарушение регулярной периодичности опровергали многовековую слуховую инерцию меломана западной культуры. Композиция «классических» рэгтаймов восходит к бытовой музыке США конца XIX века. Рэгтайм, не являющийся импровизационной формой, часто имел сложную 3-частную или рондообразную структуру со вступлением. Каждая часть представляла собой период объемом в 16 тактов, состоящий из повторяющихся и варьируемых 4-тактовых фраз. Исполнялся он в умеренном или быстром темпе, в ударной манере игры (подражая игре на банджо). В своих истоках рэгтайм восходил к архаическим разновидностям афро-американской инструментальной музыки и песням и танцам североамериканского менестрельного театра XIX века. От последних рэгтайм перенял блестящую эстрадность, юмористический характер, виртуозность исполнения. Ясно проглядываются заимствования также из иных музыкальных сфер — из марша для духового оркестра, польки, кадрили и сходных бальных танцев, популярных в викторианскую эпоху, из фортепианной музыки, звучащей в ночных барах и притонах. Музыка рэгтайма, пронизанная чувством танца (или марша), вместе с тем была отмечена нарочитой аэмоциональностью, была как бы отстранена от происходящего. От драматического пафоса, психологической рефлексии, живописной картинности романтиков, от созерцательного настроения и тончайшей звукописи импрессионистов в рэгтайме не было и следа. Он нес совсем другие ассоциации. Одновременно и танец, и пародия на него; красота свободного движения человеческого тела и искажающая ее утрированная точность почти механического характера; оголенная простота форм и вплетающиеся в нее сложноприхотливые, очень странные на слух, воспитанный XIX веком, ритмические узоры — все это создавало впечатление, будто наивное веселье неотделимо здесь от иронического взгляда со стороны. «Ни следа печали, буйных страстей… Перед нами замаскированная под невозмутимость ирония, которая исключает субъективные переживания. Музыка яркая, жесткая, упрямо бодрая, неисправимо веселая. В ее механическом облике есть даже нечто элегантное, заставляющее вспомнить негра-денди в кокетливом, сдвинутом набок канотье» (Mellers W. Music in a New Found Land. Lnd., 1964). С приходом рэгтайма открылся новый путь в искусстве, ясно порывающий с основами европейского композиторского творчества и окончательно реализовавшийся в джазовой культуре современности. «Эпоха рэгтайма» длилась всего два десятилетия — с середины 90-х годов XIX века до периода 1-й мировой войны, но, тем не менее, этот краткий отрезок времени имеет значение для музыки в мировом масштабе. Школа «классического» рэгтайма, главными представителями которой были С. Джоплин, Дж. Скотт, Дж. Р. Мортон, Дж. Лэм, достигла расцвета в 1-м десятилетии XX столетия. В начале XX века исполнительская манера рэгтайма прививается в оркестровой игре; возникают так называемые рэгтайм-оркестры. Рэгтайм оставил свой след и на композиторском творчестве европейской традиции, не соприкасающемся с легкожанровой сферой. Тенденция к воплощению эстетики и выразительных средств рэгтайма ясно ощутима у композиторов Европы, начиная с кейк-уока Дебюсси. Разочарование и скепсис, широко охватившие послевоенное поколение, резонировали в тон настроению выраженному в рэгтайме. В конце 1-го десятилетия XX века рэгтайм входит в моду в США и Европе как салонный и бальный танец, родственный кейк-уоку. От этого танца, для которого была характерна последовательность очень медленных и очень быстрых шагов в синкопированном ритме, в дальнейшем произошли тустеп, уанстеп, фокстрот. Кульминационная точка популярности рэгтайма приходится на самое начало 1910-х годов. После 1-й мировой войны рэгтайм уступает место джазу; в 20-х годах эти два вида существуют параллельно, но новый мощно наступает на своего предшественника и все больше и больше оттесняет его на задний план. К середине 20-х годов рэгтайм теряет свою популярность. - Танго Cкрытый текст - ТАНГО (слово, вероятно, африканского происхождения, хотя музыка и хореография танца, распространившегося в начале XX века по всему миру под названием «аргентинское танго», — креольские) — испанский и латиноамериканский танцевальный и песенный жанр. Музыкальный размер — 4/8, 4/4, 2/4, темп — умеренный или умеренно подвижный, ритм — активный, акцентированный, насыщенный синкопами и пунктиром. Первые упоминания о танго в Латинской Америке относятся к концу XVIII — началу XIX вв., когда этим словом обозначали негритянский праздник с танцами и пением, а также место, где он проходил. В Испании в 1-й половине XIX века у андалусийских цыган танго называли любой праздник с танцами. В то же время в Андалусии было известно (не позднее середины XIX века) «цыганское» танго — сольный женский танец, принадлежавший к группе танцев фламенко и, следовательно, не имевший никакой генетической связи с позднейшим аргентинским танго. Прежде всего, танго известно как парный бальный танец, в истории развития которого различаются три последовательных этапа: 1) андалусийское танго, 2) креольское танго, 3) аргентинское танго. Параллельно с танго-танцем возникла самостоятельная форма танго-песня. Андалусийское танго, очевидно, имеет общий источник с кубинской хабанерой, распространившейся в Испании около середины XIX века под названием американского танго. Мелодии его представляют собой 16-тактовый период, состоящий из двух 8-тактовых предложений (соответственно куплету и рефрену), в 2-дольном размере и умеренно подвижном темпе. Отличительная черта андалусийского танго — остинатная фактура гитарного аккомпанемента с постоянным ритмом. В конце 1870 — начале 1880-х гг. андалусийское танго распространилось в Аргентине, где к тому времени были очень популярны две мелодически и особенно ритмически схожие между собой (хотя и разного происхождения) и одновременно близкие андалусийскому танго песенно-хореографические формы: кубинская хабанера и аргентинская милонга. Смешение мелодических и ритмических элементов этих танцев оказало значительное влияние на формирование характерных черт креольского танго, возникшего в 1880-х годах. Креольское танго вначале представляло собой песню, а с конца 1880-х и в начале 1890-х гг. уже являлось танцем. От андалусийского танго и хабанеры оно взяло остинатную ритмоформулу аккомпанемента и 2-частную структуру периода, а от милонги — более острый ритм с синкопами на сильных долях. Исполнялось в сопровождении аккордеона, мандолины или маленьких уличных оркестров, состоявших из гитары, скрипки, арфы и флейты. Хореография креольского танго близка хабанере и милонге, это — парный танец, в котором партнеры танцевали отдельно друг от друга. Аргентинское танго возникло в результате изменений хореографии креольского танго, благодаря которым он превращается в парный танец, в котором партнеры движутся, обняв друг друга за плечи (как в современном танго). Впервые появилось на театральных подмостках Буэнос-Айреса в 1897 году. На протяжении 1-го десятилетия XX века были сочинены сотни аргентинских танго. Популярными авторами были А. Вильольдо, Р. А. Мендисабаль, Х. Мальо, Д. Санта-Крус Уилсон, позднее — Х. Сандерс, Э. Донато, Х. Матос Родригес («Кумпарсита»). Танго исполняли специальные оркестры в кафе, ресторанах, кинотеатрах и танцзалах, а также на улицах — уличные «дуэты» и «трио» музыкантов (обычно в составе аккордеона, концертины и бандонеона). В начале XX столетия аргентинское танго завозится в Париж. В 1909 году танец приобрел большую популярность во Франции и с 1920-х годов, усовершенствованный парижскими хореографами, он распространился по всему миру. - Тустеп Cкрытый текст - ТУСТЕП (франц. lancier, букв. — улан) (с англ. — двойной шаг) — салонный североамериканский парный бальный танец с установленной композицией. Темп — умеренный или быстрый, музыкальный размер — 2/4. Имеет сходство с полькой. Является предшественником уанстепа и фокстрота. Возник в США в конце 1880-х гг. и до начала 1910-х гг. был моден в Америке и Европе, когда его вытеснили уанстеп и квикстеп. - Уанстеп Cкрытый текст - УАНСТЕП (франц. — «буря») (с англ. — один шаг) — бальный танец, исполняющийся в быстром темпе, музыкальном размере 2/4 или 6/8. Развился из тустепа. Возник в начале XX века в Северной Америке. В 20-е гг. приобрел широкое распространение в Европе. К концу 20-х гг. был вытеснен квикстепом. Являлся один из предшественников фокстрота. - Квикстеп Cкрытый текст - КВИКСТЕП (также куикстеп, с англ. — быстрый шаг) — танец, разновидность фокстрота, возникший в середине 20-х гг. XX века. Музыкальный размер — 4/4, первая и третья доли такта акцентируются. Темп быстрый. Иногда словом «квикстеп» обозначается быстрый марш. - Фокстрот Cкрытый текст - ФОКСТРОТ (с англ. — лисий шаг) — бальный танец свободной композиции, основанный на скользящих шагах, выполняемый в паре (в положении друг против друга). Музыкальный размер — 4/4. Исполняется в умеренно быстром (slow foxtrot) и быстром (quick foxtrot) темпе. Возник из рэгтайма, тустепа и уанстепа в США около 1910-х гг. После 1 мировой войны (приблизительно в 1914—18 гг.) получил широкое распространение в Европе. Фокстрот в свою очередь породил другие танцы с элементами джазовой музыки, например, чарльстон, шимми. - Чарльстон Cкрытый текст - ЧАРЛЬСТОН — танец импровизационного характера афроамериканского происхождения, родственный рэгтайму. Подобно фокстроту исполняется в быстром или умеренно быстром темпе. Характеризуется острым синкопированным ритмом. Музыкальный размер — 2/2 или 4/4. В его хореографии наряду с типично афро-американскими элементами имеется сходство со старинной гальярдой (быстрые повороты стопы одной или обеих ног носками внутрь, сопровождающиеся одновременным коротким или ритмичным приседанием). В духе чарльстона в 1-й четверти XX века нередко танцевали фокстрот. Название танца произошло от одноименного города в штате Южная Каролина (США). Есть сведения, что негры танцевали его как сольный танец для забавы путешественников на паровозах. В 1924—27 гг., а также во 2-й половине 1950-х гг. чарльстон пользовался большой популярностью в Америке и Европе. Его включали в репертуар музыканты традиционного джаза. - Шимми Cкрытый текст - ШИММИ (с англ. — букв. «рубашка», «ночная сорочка») — бытовой импровизационный парный танец афро-американского происхождения, род рэгтайма. Музыкальный размер — 2/4 или 4/4. Название произошло от характерных движений танцоров, как бы пытающихся стряхнуть с плеч свои рубашки. В 1910—20-е гг. приобрел известность в США и Европе. Название «шимми» носит одна из частей фп. сюиты Хиндемита «1922». - Буги-вуги Cкрытый текст - БУГИ-ВУГИ (с англ. — звукоподр.) — фортепианный импровизационный стиль джаза, распространенный в 20-х гг. XX века, а также модный эксцентричный танец, получивший в 1920—50-е гг. большую популярность в США и Европе. Характерными чертами буги-вуги являются: блюзовая основа, музыкальный размер 4/4, темп умеренный или быстрый, 12-тактовая структура в основе темы, ударная манера звукоизвлечения с использованием тремоло, трелей, кластеров. На фоне аккомпанемента в виде так называемого «блуждающего баса» (преимущественно по секундовым интервалам с использованием аккордовых и проходящих звуков, чаще всего ломаными октавами) идет импровизация в свободном, остро синкопированном и пунктирном ритме. - Джиттербаг Cкрытый текст - ДЖИТТЕРБАГ (англ. jitter — трястись, bug — неврастеник, паникёр) — эксцентричный, импровизированный быстрый танец с резкими движениями (прыжки, тряска тела, вращение, перебрасывание партнерши и др.), который был популярен в США в 30-е годы XX века. Возник в танцевальных залах нью-йоркского района Гарлем (назывался также линди-хоп). В Европе широкую популярность получил в 1940-х годах. Имел большое сходство с буги-вуги и рок-н-роллом. Одним из синонимов джиттербага являлось название джайв (с англ. — пустая болтовня). Танцы стиля джиттербаг сопровождаются синкопированной музыкой. - Румба Cкрытый текст - РУМБА — афро-кубинский (на Кубе глагол «румбаре» означает просто «танцевать») импровизационный парный танец с характерными движениями бедер. Музыкальный размер — 2-дольный (чаще 4/4), ритм — синкопированный (характерно акцентирование последней, 4-й доли такта). Характерные признаки румбы — острые акценты на слабых долях такта, многократное повторение 8-тактовой мелодической фразы, остинатные ритмические фигуры, исполняемые на маракасах и др. ударных инструментах. Темп — умеренный или умеренно быстрый.В США румба стала известна с 1914, однако ее расцвет пришелся на 1930-е гг., когда в нее проникли элементы джаза. В Европе распространилась в 40-х гг. XX века. Румба послужила образцом для ряда латиноамериканских бальных танцев. - Самба Cкрытый текст - САМБА — афро-бразильский народный парный танец африканского происхождения (восходит в истоках к танцевальным ритмам чернокожих рабов, завезенных в Бразилию). Исполняется в быстром темпе, в 2-дольном музыкальном размере (2/4 или 4/4). Сопровождается пением и игрой на шумовых инструментах. Характер очень веселый, праздничный.Танец возник в середине 30-х гг. XX века и стал популярен в Европе в середине 1940-х гг. В латиноамериканских странах существует множество разновидностей самбы, которые значительно отличаются от бразильской (например, самакуэки, т. н. «креольская самба» в Аргентине и Перу, ламбада и др.). Для хореографии танца характерны частая смена положений партнеров, подвижность бедер и общий экспрессивный характер. Является одним из основных ритмов в латиноамериканском джазе. - Мамбо Cкрытый текст - МАМБО — парный импровизационный латиноамериканский (кубинский) танец, экспрессивный по характеру, родственный ча-ча-ча и румбе. В отличие от них мамбо не имеет четко выраженных фольклорных корней, т. к. создавалось искусственно. Музыкальный размер — 4/4, четкий остинатный ритм. Темп — от умеренного до быстрого. Разнообразные ритмы мамбо создаются звучанием целого ряда ударных инструментов (клавес, маракасы и др.).Возник в 30-е гг. XX века; в начале 1940—50-х гг. приобрел популярность в Европе. Первоначально танец был осужден католической церковью в ряде латиноамериканских стран или запрещен властями в других. - Ча-ча-ча Cкрытый текст - ЧА-ЧА-ЧА — кубинский танец умеренно быстрого темпа. Музыкальный размер — 4/4, последняя четверть такта делится пополам на две восьмых, первая доля акцентирована. Танец появился около 1953 года, впоследствии приобрел известность в Америке и Европе. Первоначально представлял собой упрощенный вариант мамбо и румбы, отличался от них более подвижным темпом. Характер танца — подвижный, яркий, игривый и кипучий – полностью отвечал характеру музыки. - Калипсо Cкрытый текст - КАЛИПСО — афро-американский танец-песня, возникший на основе негритянских фольклорных танцев южных и восточных островов Карибского архипелага (Ямайки, Тринидада и Тобаго). Восходит в своих истоках к традиционным африканским и вест-индским жанрам. Музыкальный размер — 4/4. Темп умеренный. Традиционные формы калипсо характеризуются использованием полиметрии и полиритмии. В середине 50-х гг. XX века приобрел популярность в Америке и Европе. Близок латиноамериканской самбе. Партнерша в танце повернута спиной к партнеру, они держат друг друга правыми руками, которые подняты над головой танцовщицы; левая рука между тем спокойно лежит на левом боку женщины. - Босса-нова Cкрытый текст - БОССА-НОВА (с португ. — новое увлечение) — парный танец южноамериканского происхождения, пришедший в танцевальные залы Европы и Америки около 1960 года. Танец развился из бразильской музыки под влиянием джаза в совсем новом ритме (new beat). Для него характерен скользящий затянутый шаг на месте или в передвижении по залу. Для музыкального сопровождения типичны размеры 2/2, 4/4, ритм с острыми синкопами и разнообразными акцентами. Также означает стиль современного джаза, получивший распространение в начале 60-х годов XX века. Стиль босса-новы основывается на равноправии мелодии, гармонии и ритма и на пении вполголоса. - Пасодобль Cкрытый текст - ПАСОДОБЛЬ (также пасодобле; исп. paso doble — двойной шаг) — испанский танец в характере умеренно быстрого марша. Имеет музыкальный размер 2/4, 3/4, 6/8. Был популярен в Европе в 50-е гг. XX века. Происхождение этого танца связано с испанскими народными праздниками — фиестами, во время которых проходили знаменитые бои быков — корриды. На этих праздниках исполнялись массовые народные танцы. И самым популярным среди них был пасодобль. Поэтому очень часто этот яркий, эмоциональный, но сложный танец является как бы иллюстрацией корриды. - Рок-н-ролл Cкрытый текст - РОК-Н-РОЛЛ (производное от англ. Rock and roll — раскачиваться и вращаться) — песенно-танцевальная форма и стиль современной массовой музыки, возникшие в США в начале 50-х гг. XX века. Рок-н-ролл характеризуется простой мелодией с несложной гармонией, с метрическими акцентами на слабых 2-й и 4-й долях такта. Музыкальный размер — 4/4, темп — от умеренно быстрого до быстрого. Исполняется певцом в сопровождении малого ансамбля (саксофон, электрогитара, контрабас или бас-гитара, фортепиано или орган, ударные инструменты). - Шейк Cкрытый текст - ШЕЙК (с англ. — букв. «трястись») — парный бытовой танец импровизационного характера (выражается резкими движениями плеч). Был популярным в США и Европе в 1-й половине 1960-х гг. Музыкальный размер — 4/4. - Твист Cкрытый текст - ТВИСТ (с англ. — букв. крутить, вертеть) — американский парный бытовой рок-танец импровизационного характера с характерными движениями бедер. Музыкальный размер — 4/4, темп — умеренно быстрый или быстрый. Характерны однообразные подчеркнутые акценты на сильных долях такта. Музыка твиста представляет собой разновидность рок-н-ролла.Партнеры стоят, не касаясь, друг против друга почти на месте, чередуя движения бедер и всего корпуса при легком переносе веса с ноги на ногу. Первоначально исполнялся под песню певца и композитора Хенка Боланда, записавшего на грампластинку в ноябре 1958 г. танцевальную пьесу «The Twist». Твист впервые стали танцевать в дансингах Нью-Йорка, но мода пришла к танцу спустя три года. В 1961—63 гг. был популярен в Америке и Европе. - Брейк-данс Cкрытый текст - БРЕЙК-ДАНС — танец, развившийся в 1980-е гг. в Америке и охвативший весь мир. Для него характерны несвязные, «рубленые» движения отдельных частей тела, которые представляют собой механические движения роботов, волны, проходящие по телу как электрический ток, и гимнастико-акробатические элементы.

23.09.2011, 20:00	#27
cookies Творческий организатор Гуру Форума Регистрация: 19.05.2007 Адрес: Media-Art-Club Сообщения: 1,582 Репутация: 1001	Самая старая в мире звукозапись... Исследователи из группы изучения истории звукозаписи First Sounds, обнаружили и смогли проиграть звуковую запись народной песни, сделанную французским изобретателем в 1860 году, за 17 лет до того, как Томас Эдисон изобрёл фонограф, сообщает Reuters. Протяжённость её составляет 10 секунд. На записи слышен предположительно женский голос, который поёт "Au clair de la lune, Pierrot repondit". Она была сделана 9 апреля 1860 года парижским изобретателем Эдуардом-Леоном Скоттом де Мартенвилем с помощью устройства, называемого "фоноавтограф". Оно процарапывало звуковые дорожки на листе бумаги, вычерненном дымом от масляной лампы. Один из историков, Давид Джованнони, говорит, что узнал о существовании записи 1 марта 2008 года. Она хранилась в парижском архиве. Эксперты из First Sounds уже перевели её в цифровой формат. Джованнони говорит, что эта находка равноценна находке старейшей в мире фотографии, которая была бы сделана за 17 лет до изобретения камеры. Он, однако, говорит, что запись, изначально, не предназначалась для прослушивания. Единственным намерением изобретателя было запечатлеть визуально на бумаге звуковые колебания. В апреле 1860 года Мартенвиль испытал фоноавтограф — устройство, которое так и не заменило стенографистку, но оставило нам самую первую звукозапись Cкрытый текст - Эдуар-Леон Скотт де Мартенвиль, книгоиздатель и хозяин книжного магазинчика в самом сердце Парижа, автор «Истории стенографии с древнейших времен до наших дней», долго бился над задачей, как облегчить труд стенографисток, и наконец придумал машину, которая фиксировала звук графически и которую он назвал «фоноавтограф». Улавливаемые при помощи рожка звуковые волны заставляли колебаться чувствительную мембрану с прикрепленной к ней иглой, которая оставляла след на покрытой сажей бумаге, обернутой вокруг вращающегося цилиндра. Но, увы, записанные таким образом звуки Мартенвилю прочитать не удалось. Лишь в 2008 году компьютер сумел, конечно же, не прочитать, а воспроизвести записанное. Первая из сохранившихся записей, сделанная 9 апреля 1860 года, оказалась французской детской песенкой Au clair de la lune («При свете луны»). Поскольку сам Мартенвиль делал записи на разных скоростях, не сразу удалось понять, кто поет — Мартенвиль или его дочь. Разбогатеть на своем изобретении француз не смог. Успех на этом поприще сопутствовал Томасу Алве Эдисону, создавшему в 1877 году фонограф — устройство, которое не только записывает звук, но и воспроизводит его (первой записью Эдисона тоже станет детская песенка: Mary Had a Little Lamb, «У Мэри был барашек»). Источник: Журнал “Вокруг света”. – 2010. – № 4. – С.23* Краткая история звукозаписи в России Cкрытый текст - Принцип записи звуковой волны первым описал французский поэт, музыкант и изобретатель-любитель Шарль Кро в 1877 году, однако до постройки аппарата, который был назван им "аутографический телеграф", дело не дошло. Томас Эдисон в 1878 году сделал такое же открытие независимо от изобретения Шарля Кро. Он первым построил аппарат и назвал его "фонограф". Фонографы получили необычайное распространение. Запись производилась на вращающийся металлический валик, который покрывали сначала специальным сплавом, потом использовали слой воска, оловянную фольгу. С помощью фонографа стали обучать иностранным языкам, лечить заикание, создавались записи сигналов военной и пожарной тревоги. Записывались голоса знаменитых певцов, артистов, писателей, популярные песенки и арии из опер, монологи из известных пьес, модные скетчи популярных комиков. Вот одна из таких записей 1898 года — запись шутливой песенки в исполнении американского артиста. В Россию фонограф пришел почти сразу после изобретения его Эдисоном. Благодаря фонографу сохранились записи игры С. И. Танеева, Антона Рубинштейна, мальчика-виртуоза Яши Хейфеца, юного Иосифа Гофмана, голосов Л. Н. Толстого, П. И. Чайковского, А. И. Южина-Сумбатова и многих других исторических личностей. Фонограф не исчез и с изобретением граммофона в 1880-х годах. Он охотно использовался обывателями еще долгие годы, вплоть до конца 1910-х годов. Однако фонограф имел тот недостаток, что его записи существовали только в одном экземпляре. Спустя только десять лет после появления фонографа, в 1887 году, немецкий инженер Эмиль Берлинер придумал аппарат, который записывал звук не на валик, а на пластинку. Это открывало дорогу массовому производству грампластинок. Берлинер назвал свой аппарат "граммофон" ("пишу звук"). Долго шли поиски материала для грампластинок, определение не искажающей звук скорости ее вращения. Только 1897 году остановились на диске из шеллака (вещества, вырабатываемого тропическим насекомым - лаковым червецом), шпата и сажи. Этот материал был довольно дорог, но замена появилась с изобретением твердых пластмасс в 1940-х годах. А скорость вращения в 78 об/мин была определена к 1925 году. Изобретение Берлинера породило настоящий граммофонный "бум". В Россию грамзапись пришла из-за границы, и до самого 1917 года граммофонное производство находилось в руках иностранцев. Первой фирмой, пришедшей на российский рынок, была фирма самого Эмиля Берлинера — "Граммофон Берлинер", в России просто "Граммофон". Фабричная марка фирмы — "Пишущий амур" — стала в России очень популярна. Почти одновременно начала деятельность в северной столице немецкая фирма "Интернациональ Зонофон" или просто - "Зонофон". В 1901 году парижская фирма "Братья Патэ" открыла магазин на Невском проспекте. В конце 1890-х на петербургском рынке появляются записи М. Г. Савиной, Ф. И. Шаляпина ,А.Д Вяльцевой, В. Ф. Комиссаржевской… В начале ХХ века появилась первая в России граммофонная фабрика. Она открылась в Риге в 1901 году. А в 1902-м англо-немецко-американское "Общество Граммофон", при участии петербургского инженера Василия Ивановича Ребикова, основало первую в Петербурге фабрику граммофонов и грампластинок. Фабрика Ребикова выпускала до 10 тысяч пластинок в год и делала в год до 1000 записей, в основном русского репертуара: это хор А. А. Архангельского, оркестр В. В. Андреева, оркестр лейб-гвардии Преображенского полка, народные исполнители, петербургские певцы и артисты: бас М. З. Горяйнов, тенор Н. А. Ростовский, актер Н. Ф. Монахов, певица Варя Панина В начале ХХ века в петербургских фирмах были записаны голоса певцов И. В. Ершова, Н. Н. Фигнер, Н. И. Тамара, И. А. Алчевского, хоры и оркестры, многие иностранные гастролеры. В 1907 году фирма "Братья Патэ" начала в Петербурге продажу "патэфонов" — переносных ("портативных") граммофонов. Помимо грамзаписи существовала механическая запись звука. Это — механические фортепиано. Запись в них производилась с помощью специального механизма на бумажную ленту — перфоленту. Патент на это изобретение первым взял в 1903 году Эдвин Вельте во Фрайбурге (Германия). Он назвал аппарат "Вельте Миньон". Вскоре появился подобный аппарат фирмы "Фонола". С 1904 г. и до начала первой мировой войны было записано несколько тысяч рулонов, запечатлевших искусство музыкантов разных европейских стран. Были сделаны записи Анны Есиповой, Александра Скрябина, Александра Глазунова, Клода Дебюсси, Густава Малера, Рихард Штрауса, Ферруччо Бузони и многих других. Тогда же в США были созданы два значительных производства механической записи — "Duo Art" и "Ampico". На них записывались Сергей Прокофьев, Ферруччо Бузони, Иосиф Левин, Александр Зилоти. Механическая запись оставалась популярной у пианистов до начала 1930-х гг. В фондах фонотеки хранятся грампластинки практически всех работавших в Петербурге фирм — "Граммофон", "Зонофон", "Телефункен", "Коламбиа" и др., в том числе с торговой маркой "Пишущий амур", "Голос хозяина", "Decca". Одна из первых советских грампластинок В конце 1920-х гг. была изобретена электрическая звукозапись, которая необычайно расширила возможности звукозаписывающей индустрии. Резко повысилось качество записей. Электрическая запись еще не столь совершенна, как электронная или поздняя цифровая, но она уже сильно превосходит электромеханическую грамзапись Берлинера. Хранящиеся в фондах фонотеки пластинок первых советских заводов 1920-30-х гг.: Грампласттреста (с торговой маркой SovSong), Апрелевского, Музпрома представляют особую ценность. Эти пластинки созданы с помощью техники электрозаписи. В те годы были сделаны уникальные записи голосов многих русских артистов, записаны концерты музыкантов, оркестров, хоров, оперных спектаклей. Электронная запись была изобретена в конце 1940-х годов. Это, а также создание твердых видов пластмассы, сделало возможным наладить выпуск в эти годы долгоиграющих пластинок. Цифровая запись появилась в конце 1950-х годов. В конце 1980-х, с появлением компьютерных звуконосителей, грампластинки стали выходить из употребления. Цифровая технология, появление CD и DVD-дисков, казалось, вытеснили грампластинку с мирового рынка. Однако специалисты вскоре пришли к выводу, что цифровая звукозапись имеет ряд недостатков, не позволяет воспроизводить в полном объеме все краски и все особенности музыкального звука. В конце 1990-х многие зарубежные фирмы вернулись к производству грампластинок и электронных проигрывателей. Эта индустрия развивается и сегодня. Техника записи, конечно, усовершенствовалась по сравнению с 1950-ми годами. Новые грампластинки иностранного производства появились в 1990-х и на российском рынке. Некоторыми из них располагает и фонотека РНБ. Источник: Российская Национальная библиотека

Опции темы	Поиск в этой теме
Версия для печати Отправить на email	Поиск в этой теме: Расширенный поиск

Здесь присутствуют: 1 (пользователей - 0 , гостей - 1)