27 марта - Всемирный День Театра

Клуб эрудитов, знатоков и театралов поделится с вами афоризмами и анекдотами о театре. В составе сборной Знатоков:
Полковник в отставке, полубезумный проф "Док", сирота-японка Мико, благородный Дон Идальго и натурщица-передвижница Флабетта!
Полковник

— Лишь немногие, кого мучает кашель, обращаются к врачу. Большинство же идет сразу в театр…

"Док"

- Театр ведь лечит, а как по-доброму завидуют соседи...




Мико

- Весь мир — театр, но билеты на хороший спектакль достать так тяжело. Того и гляди вытянешь фальшивый


"Док"

- В театре опять аншлаг. Что привлекает зрителей на этот спектакль?

Флабетта

- Дело в том, что главная героиня там часто меняет наряды. Это привлекает женщин.

Дон Идальго

- А меняет она их прямо на сцене. Это привлекает мужчин.



И вновь Полковник делится воспоминаниями о боевой молодости

- В народе бытует мнение, что военные — ограниченные люди. Ничего подобного. Например, я в первый раз в жизни пошёл в театр, когда служил в армии. И не потому,
что хотел этого, а потому что это был приказ. Приказ всей ротой идти в театр! Такой, знаете, культурно—развлекательный марш—бросок. Но нам нравилось, потому что
всё—таки без противогазов и при полном параде…



Флабетта мечтательно закатывает глаза...

- Вот, если бы я играла в театре, то жемчуг, который я там бы носила — должен был бы быть настоящим!

На что Дон язвительно замечает:

- Как скажете, мэм! Все будет, разумеется, настоящим... и жемчуг в первом акте, и яд в последнем!


Док

- А вот кто ответит на такой вопрос: какое преимущество будет у дамы, имевшей театральную ложу на балконе, перед дамой, сидящей в партере?

Мико

- Могла бы надеть шляпку с перьями любой величины?

Дон Идальго

- Партнер дамы с балкона мог бы иметь рога любого размера!

Флабетта

- Дама в партере всегда имеет преимущество, так как её декольте могли оценить и балкон и нижние ряды и даже СЦЕНА! Тогда как дама с балкона уныло
довольствовалась бы вялым вниманием немногочисленных и чопорных посетителей балкона и лысых привратников!


Полковник читает разворот газеты:

"Два удовольствия по цене одного!
Как известно, театр начинается с вешалки! Но, когда, выходя из театра, вы не находите на вешалке своего пальто — вот тогда начинается цирк!
За драйв приходится платить!"


А что является продолжением вешалки, как считаете, коллеги?

-Театр?

- Нет, обыкновенная виселица! Только в одном случае висит оболочка, а в другом - сам бренный носитель!

- Как сказал бы сам Станиславский, от вешалки до виселицы - один шаг!
(или один мат, потому что без мата последний шаг не сделать!)

- как бы нас не перепутали в гардеробе, а то глядишь мы останемся висеть, а наши пиджаки займут места в зале!

- новые русские пиджаки)

- на месте Гоголя я бы написал продолжение Носа...в грандхаусе...КОЖА

- и снял бы по нему блокбастер!


и последняя на сегодня шутка:
- Друзья, так как правильней сказать: маски на Театральном Днеили маски на театральном дне?
- Маски намедне!


Вот так и родилось название коллектива на этом стихийном то ли капустнике, то ли арбузнике или а может быть даже морковнике!

С вами весь вечер на манеже была комик-труппа масок на КиноЗале "Намедне"

Играя роль...

Играя роль, не забывай, что текст
не главное, куда важней поступки
и поступь. Оглянись окрест
внимательно – в трагедии есть шутки,

а в шутках не всегда заложен смех,
но чаще осознание той боли,
которая касается не всех,
отчаянья, а может быть и боле.

Ведь вымысел реальнее, чем быт,
прекраснее, страшнее голой правды.
Я был уже десяток раз убит –
и в этом кайф публичности эстрады.

Играя роль, не забывай, что ты
играешь роль, а не король на троне.
Играя роль, не преступи черты,
безумствуя, будь внутренне спокоен.

Когда ты плачешь, слёзы лей шутя,
но верь, что горько, а когда хохочешь,
не нарушай традиции шута –
рыдай, но не заметно, между строчек.

Играя роль, выдумывай, твори,
отстороняйся и вживайся в образ,
отрепетируй смерть и зазубри,
чтоб в вопле был естественным твой голос.

И, главное, когда играешь роль,
пойми, что это главное, неважно
всё после и до этого – вся соль
сей час, сию минуту и однажды.

6 марта – 3 апреля 2008



Валентин Гафт
Театр

О, Театр! Чем он так прельщает,
В нем умереть иной готов,
Как милосердно Бог прощает
Артистов, клоунов, шутов.

Зачем в святое мы играем,
На душу принимая грех,
Зачем мы сердце разрываем
За деньги, радость, за успех?

Зачем кричим, зачем мы плачем,
Устраивая карнавал,
Кому-то говорим - удача,
Кому-то говорим - провал.

Что за профессия такая,
Уйдя со сцены, бывший маг,
Домой едва приковыляя,
Живет совсем, совсем не так.

Не стыдно ль жизнь, судьбу чужую,
Нам представлять в своем лице.
Я мертв, но видно, что дышу я,
Убит и кланяюсь в конце.

Но вымысел нас погружает
Туда, где прячутся мечты,
Илюзия опережает
Все то, во что не веришь ты.

Жизнь коротка, как пьесы читка,
Но если веришь, будешь жить,
А театр - сладкая попытка
Вернуться, что-то изменить.

Остановить на миг мгновенье,
Потом увянуть, как цветок,
И возродиться вдохновеньем.
Играем! Разрешает Бог!

Мизансцена

Всем известно, Жизнь - Театр.
Этот - раб, тот - император,
Кто - мудрец, кто - идиот,
Тот - молчун, а тот - оратор,
Честный или провокатор,
Людям роли Бог дает.
Для него мы все - игрушки,
Рсставляет нас с небес...
Александр Сергеич Пушкин,
А напротив - Жорж Дантес!

Артист

Артист - я постепенно познаю,
Какую жизнь со мной сыграла шутку злую:
Чужую жизнь играю, как свою,
И, стало быть, свою играю, как чужую.

Владимир Высоцкий
ЕНГИБАРОВУ - ОТ ЗРИТЕЛЕЙ

Шут был вор: он воровал минуты —
Грустные минуты, тут и там, —
Грим, парик, другие атрибуты
Этот шут дарил другим шутам.

В светлом цирке между номерами
Незаметно, тихо, налегке
Появлялся клоун между нами
Иногда в дурацком колпаке.

Зритель наш шутами избалован —
Жаждет смеха он, тряхнув мошной,
И кричит: “Да разве это клоун!
Если клоун — должен быть смешной!”

Вот и мы... Пока мы вслух ворчали:
“Вышел на арену, так смеши!” —
Он у нас тем временем печали
Вынимал тихонько из души.

Мы опять в сомненье — век двадцатый:
Цирк у нас, конечно, мировой, —
Клоун, правда, слишком мрачноватый —
Невеселый клоун, не живой.

Ну а он, как будто в воду канув,
Вдруг при свете, нагло, в две руки
Крал тоску из внутренних карманов
Наших душ, одетых в пиджаки.

Мы потом смеялись обалдело,
Хлопали, ладони раздробя.
Он смешного ничего не делал —
Горе наше брал он на себя.

Только — балагуря, тараторя, —
Все грустнее становился мим:
Потому что груз чужого горя
По привычке он считал своим.

Тяжелы печали, ощутимы —
Шут сгибался в световом кольце, —
Делались все горше пантомимы,
И морщины глубже на лице.

Но тревоги наши и невзгоды
Он горстями выгребал из нас —
Будто обезболивал нам роды, —
А себе - защиты не припас.

Мы теперь без боли хохотали,
Весело по нашим временам:
Ах, как нас прекрасно обокрали —
Взяли то, что так мешало нам!

Время! И, разбив себе колени,
Уходил он, думая свое.
Рыжий воцарился на арене,
Да и за пределами ее.

Злое наше вынес добрый гений
За кулисы — вот нам и смешно.
Вдруг — весь рой украденных мгновений
В нем сосредоточился в одно.

В сотнях тысяч ламп погасли свечи.
Барабана дробь — и тишина...
Слишком много он взвалил на плечи
Нашего — и сломана спина.

Зрители — и люди между ними —
Думали: вот пьяница упал...
Шут в своей последней пантомиме
Заигрался — и переиграл.

Он застыл — не где-то, не за морем —
Возле нас, как бы прилег, устав, —
Первый клоун захлебнулся горем,
Просто сил своих не рассчитав.

Я шагал вперед неукротимо,
Но успев склониться перед ним.
Этот трюк — уже не пантомима:
Смерть была — царица пантомим!

Этот вор, с коленей срезав путы,
По ночам не угонял коней.
Умер шут. Он воровал минуты —
Грустные минуты у людей.

Многие из нас бахвальства ради
Не давались: проживем и так!
Шут тогда подкрадывался сзади
Тихо и бесшумно — на руках...

Сгинул, канул он — как ветер сдунул!
Или это шутка чудака?..
Только я колпак ему — придумал, —
Этот клоун был без колпака.

1972 г.

Большой театр

Большой театр - национальное достояние страны. Старейший музыкальный театр России расположен практически в самом центре Москвы, на Театральной Площади, недалеко от Кремля. Полное наименование - Государственный Академический Большой театр оперы и балета России, но в народе прочно закрепилось название «Большой», что говорит о его исключительной роли в культурной жизни страны.

История

Начинался театр с небольшой частной труппы князя Петра Урусова. Постановки талантливого коллектива часто радовали императрицу Екатерину II, которая отблагодарила князя правом руководить всеми увеселительными мероприятиями столицы. Датой основания театра считается 17 марта 1776 года - день, когда Урусов получил эту привилегию. Уже через полгода после волеизъявления императрицы князь возвёл деревянное здание Петровского театра на берегу Неглинки. Но, не успев открыться, театр сгорел. Новое здание требовало больших денежных вложений, и у Урусова появился партнёр — обрусевший англичанин Медокс, успешный антрепренёр и артист балета. Строительство театра обошлось британцу в 130000 рублей серебром. Новый трёхэтажный кирпичный театр распахнул свои двери перед публикой в декабре 1780 года. Через несколько лет из-за денежных неурядиц англичанину пришлось передать управление театром государству, после чего храм Мельпомены стал называться Императорским. В 1805 году здание, выстроенное Медоксом, сгорело. Несколько лет театральная труппа выступала на домашних подмостках московской знати. Новое здание, появившееся на Арбате в 1808 году, проектировал архитектор Карл Иванович Росси. Но и этот театр был уничтожен пожаром 1812 года.
Через десять лет началось восстановление театра, закончившееся в 1825 году. Но, по печальной традиции, и этому зданию не удалось избежать пожара, случившегося в 1853 году и оставившего после себя только наружные стены. Три года длилось возрождение Большого. Главный архитектор Императорских театров Альберт Кавос, руководивший восстановлением здания, увеличил его высоту, добавил колонны перед входом и портик, над которым возвышалась бронзовая квадрига Аполлона работы Петра Клодта. Фронтон был декорирован двуглавым орлом - гербом России.
В начале 60-х годов XIX века Большой был арендован итальянской оперной труппой. Итальянцы выступали несколько раз в неделю, в то время как для русских постановок остался всего один день. Конкуренция двух театральных коллективов пошла на пользу русским вокалистам, вынужденным оттачивать и улучшать своё мастерство, но невнимание администрации к национальному репертуару мешало русскому искусству добиться популярности у зрителей. Через несколько лет дирекции пришлось прислушаться к требованиям публики и возобновить оперы «Руслан и Людмила» и «Русалка». 1969 год ознаменовался постановкой «Воеводы» - первой оперы Петра Чайковского, для которого Большой стал основной профессиональной площадкой. В 1981 году репертуар театра обогатился оперой «Евгений Онегин».


В 1895 году в театре был проведён капитальный ремонт, окончание которого ознаменовалось такими постановками, как «Борис Годунов» Мусоргского и «Псковитянка» Римского-Корсакова с Фёдором Шаляпиным в роли Ивана Грозного.
В конце 19-го века и в начале 20-го века происходит становление Большого как одного из ведущих центров театрально-музыкальной мировой культуры. В репертуаре театра — лучшие мировые произведения («Валькирия», «Тангейзер», «Паяцы», «Богема») и выдающиеся русские оперы («Садко», «Золотой петушок», «Каменный гость», «Сказание о невидимом граде Китеже»). На сцене театра блещут своим талантом великие русские певцы и певицы: Шаляпин, Собинов, Грызунов, Савранский, Нежданова, Балановская, Азерская; над декорациями трудятся знаменитые русские художники Васнецов, Коровин и Головин.
Большому удалось полностью сохранить свою труппу во время революционных событий и Гражданской войны. На протяжении сезона 1917-1918 годов публика увидела 170 оперных и балетных спектаклей. А в 1919 году театру было присвоено звание «Академический».
20-е и 30-е годы прошлого века становятся временем возникновения и развития советского оперного искусства. На сцене Большого впервые ставятся «Любовь к трём апельсинам», «Трильби», «Иван-солдат», «Катерина Измайлова» Шостаковича, «Тихий Дон», «Броненосец «Потёмкин»».

Во время Великой Отечественной войны часть труппы Большого была эвакуирована в Куйбышев, где продолжались создаваться новые спектакли. Многие артисты театра выезжали с концертами на фронт. Послевоенные годы отмечены талантливыми постановками выдающегося балетмейстера Юрия Григоровича, каждый спектакль которого был заметным событием в культурной жизни страны.
С 2005 по 2011 год в театре была осуществлена грандиозная реконструкция, благодаря которой под зданием Большого появился новый фундамент, были воссозданы легендарные исторические интерьеры, значительно улучшилось техническое оснащение театра, увеличилась репетиционная база.
На сцене Большого родилось более 800 спектаклей, в театре проходили премьеры опер Рахманинова, Прокофьева, Аренского, Чайковского. Балетная труппа всегда была и остаётся желанным гостем в любой стране. Артисты, режиссёры, художники и дирижёры Большого много раз удостаивались самых престижных государственных и международных премий.

1. Как заканчивается афоризм: “Нет маленьких ролей, есть маленькие ...”?
А. Актёры.

2. Как заканчивается название одной из пьес А.Н. Островского “Свои люди - ...”?
Б. Сочтёмся.


3. Как часто называют театральное училище при Государственном академическом Малом театре?
В. Щепка.


4. Какая театральная премия существует в нашей стране?
Б. “Гвоздь сезона”.


5. Как в 20-х годах называли американскую танцовщицу Айседору Дункан?
А. Великая босоножка.


6. Как называется часть костюма балерины?
Б. Пачка.


7. Как называется самодеятельное шуточно-юмористическое представление?
В. Капустник.


8. Как заканчивается крылатая фраза: “Талантам надо помогать, бездарности ...”?
Б. Пробьются сами.


9. Как звали одну из древнегреческих муз, покровительствующую комедии?
Б. Талия.


10. Закончите шуточное определение оперы: “Опера - это когда человека убивают, а он ещё ...”
Б. Поёт


11. Во времена Шекспира все женские роли в театре исполняли мужчины.
Если спектакль задерживался, то шутники об исполнителе роли королевы говорили: “Королева...”.
Что же, по их мнению, делает королева
Б. Бреется.


12. Самый приятный для артистов шум во время спектакля - это... Что?
Г. Аплодисменты.

1. Достоевский
2. Конан Дойл
3. Хемингуэй
4. Чехов
5. Стругацкие
6. Зощенко
7. Маркес
8. Даниэль Дефо
9. Уэллс
10. Паланик
11. Оруэлл
12. Кафка
12. Воннегут

Я в восхищении от знаний всех, кто так блестяще угадывает все ответы.
Спасибо Вам за отклик!
Я лично не знала выражения "Королева бреется",
и писатели у меня были некоторые под вопросами.

А задам-ка я еще вопросы
И еще раз напомню, что интереснее, если, отвечая, никто не пользуется поисковиками.

А какая часть зрительного зала ближе всего к буфету?

По версии одного русского поэта-сатирика, как называется опера для глухих?

В каком городе расположен оперный театр, название которого слышится, как русский глпгол женского рода прошедшего времени

Кто в театре самый главный невидимка?

В чем различия баядеры и баядерки!?!

1. Балкон

2. БАЛЕТ

3. Милан - "Ла Скала" - "Ласкала"

4. Суфлёр

5. Баядера - оперетта, Баядерка- балет

Театр!.. Любите ли вы театр так, как я люблю его,
то есть всеми силами души вашей, со всем энтузиазмом,
со всем исступлением, к которому только способна пылкая молодость,
жадная и страстная до впечатлений изящного?
Или, лучше сказать, можете ли вы не любить театра больше всего на свете, кроме блага и истины?
И в самом деле, не сосредоточиваются ли в нем все чары,
все обаяния, все обольщения изящных искусств?
Не есть ли он исключительно самовластный властелин наших чувств,
готовый во всякое время и при всяких обстоятельствах возбуждать и волновать их,
как воздымает ураган песчаные метели в безбрежных степях Аравии?..
Какое из всех искусств владеет такими могущественными
средствами поражать душу впечатлениями и играть ею самовластно...
© Белинский



Люди думали, что она играет только те два-три часа, что находится на сцене;
они не знали, что олицетворяемый ею персонаж подспудно жил в ней весь день;
и когда она, казалось бы, увлеченно с кем-нибудь беседовала,
и когда занималась каким-нибудь делом.
Джулии часто казалось, что в ней сочетаются два лица: популярная актриса,
всеобщая любимица, женщина, которая одевается лучше всех в Лондоне,
но это — лишь иллюзия, и героиня, которую она изображает каждый вечер,
и это — её истинная субстанция.


И вот что самое странное: заглянув в своё сердце,
она увидела, что возмущается нанесённой её обидой
не Джулия Лэмберт — женщина; той было всё равно.
Её уязвила обида, нанесённая Джулии Лэмберт — актрисе.
© Моэм

Малый театр

Государственный академический Малый театр России - драматический театр в Москве. Один из старейших театров России, сыгравший выдающуюся роль в развитии русской национальной культуры. Малый театр называется так только из-за меньшего по сравнению с Большим размером здания. А его история началась также в 1756 году.

История

Стены Малого театра видели на своем веку немало событий, ведь это один из самых первых театров страны. Он сыграл большую роль в формировании театрального искусства России и являлся своеобразным ориентиром для других подобных организаций.

У истоков Малого театра была студенческая труппа, созданная в 1756 году по указу императрицы Елизаветы Петровны при Московском университете. Уже в 1787 году это аматорское объединение превратилось в Большой Петровский театр, который открылся премьерой спектакля «Женитьба Фигаро». После войны с Наполеоном в 1812 году здание театра было разрушено, и только в 1824 году архитектор А.Ф.Элькинский полностью перестроил дом купца Варгина, который располагался на Театральной площади, под театр. С тех пор он и получил свое современное название.

Для зрителей театр открылся премьерой увертюры А.Н.Верстовского 26 октября 1824 года. Он практически сразу завоевал любовь и признание зрителей, ведь в Малом театре работали талантливые артисты, а на сцене ставили практически все – от драм до комедийных водевилей. Большой вклад в развитие театра внес А.Н.Островский. Он создал 48 пьес, написанных специально для Малого театра, из которых несколько до сих пор присутствуют в его репертуаре. С 1988 года и по сегодняшний день театром руководит Ю.М.Соломин, который выбрал абсолютно правильный вектор развития и радует гостей Малого театра интересными постановками.

Малый театр в наши дни

Современный Малый театр является одним из главных культурных объектов Москвы. Режиссеры, которые ставят здесь свои постановки, сохраняют традиции прошлых лет, выработанные своими предшественниками, но также не отвергают и свежие идеи.
За каждый новый сезон театр выпускает по четыре-пять новых постановок и часто уезжает на гастроли в другие страны. Так, жители Японии, Словакии, Монголии, Франции, Польши, Германии, Чехии, Греции, Болгарии, Израиля и др. уже получили возможность познакомиться со спектаклями Малого театра. Кроме того, театр регулярно организовывает фестиваль «Островский в доме Островского», на котором театры из других городов России показывают свои постановки по пьесам классика.

Прима Малого театра Элина Быстрицкая

"ВСЕ РАВНО ОН ЦВЕТНОЙ, И Я ЕГО ЛЮБЛЮ…
Я ЛЮБЛЮ ЭТОТ ТЕАТР. Я ЛЮБЛЮ ЭТОТ ДОМ СО ВСЕМИ ЕГО НЕОЖИДАННОСТЯМИ, СТРАННОСТЯМИ… ВДРУГ КТО-ТО ПО КОРИДОРУ БЕЖИТ, ОПОЗДАЛ КУДА-ТО… Я ЛЮБЛЮ ЭТУ РАБОТУ, Я ЛЮБЛЮ ЭТИ РЕПЕТИЦИИ, Я ЛЮБЛЮ РАЗБОР, НАЧАЛО, ЗАСТОЛЬНЫЕ РЕПЕТИЦИИ, ВЫХОД НА СЦЕНУ, НАЧИНАНИЕ ХОДИТЬ - ВСЕ ЭТО… Я ОЧЕНЬ ЛЮБЛЮ…"
(Элина Быстрицкая)

Не будь успеха в кино, Элина Авраамовна так и не решилась бы прийти в Малый театр. В 1958 году осуществилась ее давняя мечта — она была принята в труппу знаменитого Малого театра. Ее дебютом была роль леди Уиндермиер («Веер леди Уиндермиер» О.Уайльда, 1959г.), позже в 1965 году она сыграла в этой пьесе и миссис Эрлин. Она была «уайльдовской», точно почувствовав его горьковатую иронию, сумев раскрыть искренность чувств своей героини. Лишь много лет спустя пришло понимание того, какая высокая похвала содержалась в скромных словах старейшей актрисы театра АА.Яблочкиной о ней, дебютантке: «Я все поняла, что она говорит и делает». Слава киноактрисы осталась за порогом. Предстояло опять — уже на новом этапе — держать экзамен на артистическую зрелость. Еще здравствовали и работали «старики» Малого театра, перед которыми она благоговела. С великой Верой Николаевной Пашенной и Еленой Николаевной Гоголевой молодая актриса играла в спектакле «Остров Афродиты» А.Парниса. Помогало общение с такими выдающимися партнерами, как: Михаил Царев, Елена Гоголева, Николай Анненков, Михаил Жаров, Елена Шатрова и многими другими. Ей довелось работать с замечательными режиссерами: Борисом Бабочкиным, Леонидом Варпаховским, Петром Фоменко, Виктором Комиссаржевским, Борисом Львовым-Анохиным и другими. Она никогда не считала зазорным учиться у них. И в этом ее счастливый дар, совпавший с природным актерским дарованием.

Работы Быстрицкой в театре всегда отличают пластическая точность, завершенность формы, умение в совершенстве владеть словом, а присущая ей артистическая воля позволяет быть бесспорно и неувядаемо красивой на сцене. Она обладает особым даром - даром сценической красоты, при этом наделяя героинь своим умом, своим интеллектом. Какие бы роли в русском и западном репертуаре ни играла Быстрицкая, ее героини - яркие, незаурядные личности. Среди них: Лидия («Бешеные деньги») и Глафира («Волки и овцы») А.Н.Островского, горьковские Юлия Филипповна («Дачники»), Софья Марковна («Старик»), Пелагея («Фома Гордеев»), баронесса Штраль («Маскарад» М.ЮЛермонтова), Анна Петровна («Иванов» А.П.Чехова), герцогиня Мальборо («Стакан воды» Э.Скриба), Паула Клотильда Клаузен («Перед заходом солнца» Г.Гауптмана), Ксения Ивановна («Палата») и Мартынова («Главная роль») в пьесах С.Алешина, Панова («Любовь Яровая» К.Тренева), Мария («Выбор» Ю.Бондарева), Мэри («Долгий день уходит в ночь» Ю.О´Нила), Отрадина и Кручинина («Без вины виноватые» А.Н.Островского), Москалева («Дядюшкин сон» Ф. М Достоевского) и другие.

Неожиданно прозвучала у актрисы роль Юлии Филипповны в «Дачниках», созданная в соавторстве с замечательным актером и режиссером Борисом Бабочкиным. Эта роль стала одной из вершин творчества актрисы.

Мир театра знает понятие «большие актрисы», Быстрицкая в их числе. Природа наделила ее не только талантом, но силой духа, сохранить себя и свой дар при всех испытаниях судьбы. Быстрицкой всегда необходим режиссер не только понимающий и ценящий силу ее таланта, но и готовый пойти ей навстречу. Эта встреча с режиссером и партнером Владимиром Андреевым состоялась на спектакле, с символическим для Элины Быстрицкой названием «Перекресток» Л.Зорина на сцене театра им.М.Н.Ермоловой. Когда на сцене Быстрицкая, зрительный зал ощущает особое дыхание... Время не властно над ней. Она по-прежнему красива, особой - царственной красотой. Э.Быстрицкая настраивает весь спектакль по своему камертону, наполняя его непредсказуемостью и виртуозностью актерских проявлений, меняя и смешивая краски, настроения, оттенки поведения, доказав еще раз сколько новых возможностей таит в себе талант.

Викторина 1
1 - А - Актёры.
2 - Б - Сочтёмся.
3 - В - Щепка.
4 - Б - “Золотой болт”.
5 - А - Великая босоножка.
6 - Б - Пачка.
7 - В - Капустник.
8 - Б - Пробьются сами.
9 - Б - Талия.
10 - Б - Поёт
11 - Б - Бреется.
12 - Г - Аплодисменты.

Викторина 2

1. Достоевский
2. Конан Дойл
3. Хемингуэй
4. Чехов
5. Стругацкие
6. Зощенко
7. Маркес
8. Даниэль Дефо
9. Уэллс
10. Паланик
11. Оруэлл
12. Кафка
13. Воннегут

Викторина 3

1. Балкон
2. БАЛЕТ
3. Милан - "Ласкала" - "Ла Скала"
4. Суфлёр
5. Баядера - оперетта, Баядерка- балет

Комический актер

Ах, друг мой, молодость тебе нужна,
Когда ты падаешь в бою, слабея;
Когда спасти не может седина
И вешаются девочки на шею;
Когда на состязанье беговом
Ты должен первым добежать до цели;
Когда на шумном пире молодом
Ты ночь проводишь в танцах и веселье.
Но руку в струны лиры запустить,
С которой неразлучен ты все время,
И не утратить изложенья нить
В тобой самим свободно взятой теме,
Как раз тут в пользу зрелые лета,
А изреченье, будто старец хилый
К концу впадает в детство, — клевета,
Но все мы дети до самой могилы.
Директор

Довольно болтовни салонной.
Не нам любезности плести.
Чем зря отвешивать поклоны,
Могли б мы к путному прийти.
Кто ждет в бездействии наитий,
Прождет их до скончанья дней.
В поэзии греметь хотите?
По-свойски расправляйтесь с ней.
Я вам сказал, что нам во благо.
Вы и варите вашу брагу.
Без разговоров за котел!
День проморгали, день прошел, —
Упущенного не вернете.
Ловите на ходу, в работе
Удобный случай за хохол.
Смотрите, на немецкой сцене
Резвятся кто во что горазд.
Скажите, — бутафор вам даст
Все нужные приспособленья.
Потребуется верхний свет, —
Вы жгите, сколько вам угодно.
В стихии огненной, и водной,
И прочих недостатка нет.
В дощатом этом — балагане
Вы можете, как в мирозданье,
Пройдя все ярусы подряд,
Сойти с небес сквозь землю в ад.

горячо любимый мною И.В.Гёте. Фауст. перевод Б.Л.Пастернака.

Театр "Современник"

История

Московский театр "Современник" основан группой молодых актеров в 1956 году. В послевоенной истории страны, в годы разоблачения культа личности он стал первым театром, рожденным свободным творческим объединением группы единомышленников и сумевшим отстоять себя как целостный художественный коллектив.
Основатели театра - Олег Ефремов, Галина Волчек, Игорь Кваша, Лилия Толмачева, Евгений Евстигнеев, Олег Табаков и другие, присоединившиеся к ним, были недавними выпускниками Школы-студии Московского Художественного театра. "Современник" родился в годы, когда театр отделяла от жизни невидимая, но глухая стена, когда косность театральной системы практически мумифицировала наследие основателей МХАТ. Именно в протесте против этой "мертвечины", для того, чтобы в новых условиях, осваивая и развивая метод К.С. Станиславского, доказать жизнеспособность психологического театра, молодые актеры создали свой театр.

Во главу своих художественных устремлений создатели "Современника" ставили актерский ансамбль, подлинное проникновение во внутренний мир героев, в психологию человека, они стремились вернуть на сцену живого человека. В их героях зрители узнавали самих себя. Впервые за долгие годы на сцену пришли подлинные люди со своими ежедневными проблемами, горестями и надеждами. Программное устремление молодого театра - говорить с современниками языком современности - было понято и поддержано публикой. Очень скоро "Современник" стал любимым театром молодежи и интеллигенции.
Основой репертуара "Современника" всегда были произведения, созданные современными авторами. Но не все пьесы, написанные специально для театра, смогли появиться на его сцене, но в первые десять лет жизни "Современник" старался быть театром, который говорит со своим зрителем с помощью пьес драматургов, отражающих в своем творчестве реалии и проблемы современного мира. Театр хотел выговориться в отпущенное ему время, как бы предчувствуя, что это время может пройти.
Уже на первом спектакле молодого театра - "Вечно живые" Виктора Розова - зрители и критика обратили внимание на сильный актерский потенциал вчерашних студентов. Имена Олега Ефремова, Галины Волчек, Евгения Евстигнеева, Лилии Толмачевой, Олега Табакова, Игоря Кваши стали широко известны. Почти в каждой новой работе театр открывал новые возможности молодой труппы. Руководитель театра Олег Ефремов стимулировал в актерах занятия режиссурой, поощрял самостоятельные работы, привлекал близких по духу молодых режиссеров.

К исходу 60-х Московский театр "Современник" был сложившимся художественным организмом, с ярко выраженными творческими и гражданскими устремлениями, с сильной талантливой труппой. Театр много ездил по стране, и везде, где бы ни появлялись афиши "Современника", залы были заполнены до отказа. Спектакли "Современника": "Вечно живые", "В день свадьбы", Традиционный сбор" Виктора Розова, "Пять вечеров", "Старшая сестра", "Назначение" Александра Володина, "Голый король" Евгения Шварца, "Без креста!" по Владимиру Тендрякову, "Двое на качелях" Уильяма Гибсона, "Всегда в продаже" Василия Аксенова, "Обыкновенная история" по Ивану Гончарову, "Баллада о невеселом кабачке" Эдварда Олби, "На дне" М. Горького и многие другие стали театральной легендой.
Кризис наступил в 70-ом. Уже с конца шестидесятых годов "оттепель" стала сменяться холодным дыханием нового времени.
Работать театру стало трудно. Впрочем, ему и раньше не было легко, не все замыслы были осуществлены и в годы "оттепели", но тогда коллектив был един, и это помогало держать круговую оборону против произвола цензуры. В семидесятом же произошел раскол. Приняв приглашение возглавить МХАТ, ушел из театра его основатель и руководитель Олег Ефремов. За ним труппу покинула значительная часть ведущих актеров. Театр оказался обескровлен, лишен репертуара, к тому же перед ним стояла проблема смены поколений.
Уход Ефремова многие восприняли как конец "Современника". Особенно мысль о конце пришлась по душе прессе, которая, под аккомпанемент рассуждений об исторической исчерпанности миссии "Современника", многое сделала, чтобы внушить эту мысль зрителю.
Таким, в самых общих чертах было положение театра, когда в 1972 году труппа проголосовала за то, чтобы художественное руководство театров приняла на себя Галина Волчек.
Вопреки прогнозом театр не умер. Но восстановить разрушенное было нелегко.
В труппу пришли новые актеры и среди них Марина Неёлова, Валентин Гафт, Лия Ахеджакова, Авангард Леонтьев.
Упорно работает над современной темой режиссер Галина Волчек. Она привлекает к сотрудничеству с театром одного из крупнейших мастеров современной прозы Чингиза Айтматова. Спектакль по пьесе Ч. Айтматова и К.Мухамеджанова "Восхождение на Фудзияму", поставленный Галиной Волчек в 1973 году, показал, что театр не растерялся, что он верен своим художественным и гражданским принципам, что "Современник" жив! Сегодня с этим уже никто не спорит.

Этапной для театра стала и следующая работа Галины Волчек "Эшелон" по пьесе Михаила Рощина, написанная специально для конкретных исполнителей ролей.
В афише театра рядом с уже хорошо известными именами Виктора Розова и Александра Володина появились имена новых авторов "Современника" - Михаила Рощина, Александра Вампилова, Аллы Соколовой, Василия Шукшина, Александра Галина и других.
Шаг за шагом, привлекая и открывая новые имена, театр формирует репертуар, стараясь идти в ногу со временем. Он внимательно следит за современным литературным процессом. В 70-е годы возобновляется творческая дружба театра с писателем Константином Симоновым. Театр включает в репертуар сценические редакции его повестей "Из записок Лопатина" и "Мы не увидимся с тобой". Особенно был увлечен адаптацией литературных произведений для театра режиссер Валерий Фокин. Он перенес на сцену повесть Бориса Васильева "Не стреляйте в белых лебедей" и повесть Григория Бакланова "Навеки девятнадцатилетние". Эта линия в репертуар театра будет продолжена.
Крупнейшей победой в освоении литературного материала средствами театра стал поставленный в 1989 году Галиной Волчек спектакль "Крутой маршрут" по автобиографической книге Евгении Гинзбург. Его значение никак не исчерпывается решением проблем сценической адаптации прозы, в этом спектакле выразилось зрелость художественного почерка всего коллектива и его гражданских, человеческих убеждений. Спектакль "Крутой маршрут", получивший международное признание во время гастролей "Современника" в США, Германии, Финляндии, убедительно продемонстрировал творческое состояние театра на современном этапе.
Творческое сотрудничество Галины Волчек и Александра Гетмана (автора переложения для сцены), начатое на "Крутом маршруте", успешно продолжилось спустя десять лет - в репертуаре "Современника" появился спектакль "Три товарища", мгновенно и по праву ставший одной из визитных карточек театра.

"Современник", как уже было сказано, одну из главных своих задач видел в необходимости говорить со зрителем на языке современности. Из более чем ста спектаклей, поставленных на сцене театра за все годы его существования, почти две трети написаны авторами специально для "Современника" и впервые увидели свет рампы именно на его сцене. Отсюда началось шествие пьес Людмилы Петрушевской, Александра Галина, Владимира Гуркина, Николая Коляды и многих других по многим сценам нашей страны и за рубежом.
Оставаясь верным современности, театр ищет ее теперь и в классике, сквозь призму которой стремится увидеть живую, сегодняшнюю проблему.
Галина Волчек обращается к пьесам А.П.Чехова. Еще в 1976 году в ее постановке появляется "Вишневый сад", а спустя шесть лет "Три сестры". В 1991 году Г.Волчек осуществила постановку пьесы Леонида Андреева "Анфиса", почти неизвестной в нашей стране, но во многом созвучной чеховской поэтике. В репертуаре театра - великая комедия Н.В.Гоголя "Ревизор", театр ставит Г.Ибсена и Л.Пиранделло, У.Шекспира и А. де Мюссе. Игорь Кваша поставил пьесу "Кабала святош" и специально для молодого поколения актеров - "Дни Турбиных". И в последние годы "Современник" очень часто обращается к классическому репертуару - в 1997 году Галина Волчек выпускает новую редакцию чеховского "Вишневого сада", на афише появляется ее постановка "Пигмалиона" Бернарда Шоу, Валерий Фокин ставит спектакль "Карамазовы и ад" по мотивам позднего Достоевского, приглашенный из Литвы режиссер Римас Туминас предлагает зрителю "Современника" свое решение трагедии Фридриха Шиллера "Мария Стюарт" - спектакль "Играем... Шиллера!".
Отчетливо понимая, что современный театр - единое пространство, "Современник" всегда проявлял пристальный интерес к зарубежной драматургии. Еще в первые годы становления здесь поставили пьесу Эдуардо де Филиппо "Никто", близкую неореалистической эстетике, "Пятую колонну" Эрнеста Хемингуэя, ставили здесь пьесы и "молодых рассерженных англичан" Джона Осборна и Арнольда Уэскера. Но наибольший успех в 60-е годы выпал на долю спектакля по пьесе американца Уильяма Гибсона "Двое на качелях".


Особую страницу составили две пьесы американского драматурга Эдварда Олби - "Баллада о невеселом кабачке" (1967) и "Кто боится Вирджинии Вульф?" (1984). Обе они стали событиями театральной жизни и надолго остались в репертуаре театра.
Работа над зарубежными произведениями продолжается: в репертуар театра вошли новые для нашего зрителя имена американских драматургов Теннесси Уильямса и Ариэла Дорфмана, израильского автора Йосефа Бар-Йосефа, итальянца Ренато Майнарди.
За пять десятилетий своей истории театр "Современник" много гастролировал. Он был в Сибири и в Средней Азии, на Дальнем Востоке и Закавказье, В Прибалтике и на Урале. Он побывал во всех страна Восточной Европы, а с недавнего времени в Италии, Германии, США, Швейцарии, Финляндии. Особое место в гастрольной судьбе "Современника" занимают поистине триумфальные гастроли в Нью-Йорке на Бродвее, состоявшиеся в 1996 и 1997 годах. Впервые после знаменитого тура Московского Художественного театра, который состоялся в 1924 году, русская труппа играла на Бродвее. "Три сестры" и "Вишневый сад" А.П.Чехова и "Крутой маршрут" Евгении Гинзбург были приняты американским зрителем с огромным успехом. Свидетельством чему стало награждение театра общенациональной премией США в области драматического искусства "Drama desk award". Эта награда присуждается без малого сорок лет. И впервые за столь долгую историю премии ею был отмечен театр из-за рубежа - "Современник".
Как и любой театр, " Современник" знал взлеты и падения, пережил полосу кризиса и мгновения триумфа. Но в какой бы трудной ситуации ни оказывался театр, он всегда чувствовал поддержку своего зрителя, его заинтересованное, дружеское внимание. Пожалуй, именно эта поддержка, эта вера зрителей в свой театр и помогла "Современнику" выстоять.
"Современник" выстоял. В его труппе рядом с основателями театра Галиной Волчек, Лилей Толмачевой, Игорем Квашой и мастерами старшего поколения Ниной Дорошиной, Людмилой Ивановой, Геннадием Фроловым блистательно работают Лия Ахеджакова, Марина Неёлова, Валентин Гафт, Авангард Леонтьев. В театре сформировались и стали серьезными актерами Елена Яковлева, Елена Миллиоти, Елена Козелькова, Тамара Дегтярева, Галина Петрова, Марина Хазова, Сергей Гармаш, Михаил Жигалов, Василий Мищенко, Валерий Хлевинский, Валерий Шальных. Рядом с ними большие, ответственные роли играют молодые - Мария Аниканова, Ольга Дроздова, Екатерина Семенова, Чулпан Хаматова, Илья Древнов, Максим Разуваев, Александр Хованский, Сергей Юшкевич ...
Уже более сорока пяти лет ведет "Современник" Галина Борисовна Волчек - режиссер и актриса, с именем которой связаны многие победы театра. Но, думается, главная победа Галины Волчек состоит в том, что все эти годы ежедневно она трудилась над тем, чтобы реализовать мечту основателей "Современника" - создать ансамбль единомышленников.
Это широкое понятие, и оно включает в себя общие творческие, этические и гражданские устремления. "Современник" родился как протест против засилья лжи в искусстве, и в жизни. Стойкую преданность зрителей он завоевал умением слышать и выражать время и ценить правду.

Олег Ефремов один из основателей театра "Современник".

Сразу после войны Олег пошел сдавать экзамены в Школу-студию МХАТ. Желающих поступить на актерский факультет было неимоверное количество, но 18-летний юноша, не красавец, умудрился покорить приемную комиссию и пройти по конкурсу с первого раза. Ефремову повезло попасть на курс выдающегося театрального режиссера, лауреата четырех Сталинских премий Михаила Кедрова и не менее знаменитого актера и режиссера, лауреата двух Сталинских премий Василия Топоркова.
Со всей юношеской пылкостью первокурсник Ефремов влюбился в учение Станиславского, да так сильно, что вместе с друзьями поклялся ему в вечной верности. Для пущей серьезности будущие актеры скрепили клятву собственной кровью. И Олег Николаевич был ей верен до конца своих дней.
Молодой человек ушел в учебу с головой, мечтая о МХАТе. Амбициозный студент писал в дневнике, что станет главным режиссером знаменитого театра, но после окончания Школы-студии его не взяли туда даже статистом. Это был полный провал. Но Ефремов не отчаялся и поступил на службу в Центральный детский театр.

В ЦДТ молодому актеру сразу дали главную роль. Он вышел на сцену в образе Володи Чернышева в постановке «Ее друзья» Виктора Розова и полюбился зрителям с первого спектакля. Ефремов играл так искренне, что никто не видел в нем актера, а только живого настоящего школьника, при том, что рост у Олега был отнюдь не детским – 180 см.
Вскоре ЦДТ стал одним из самых популярных театров Москвы. Ефремов сыграл на его сцене больше 20 ролей. Актеру одинаково блестяще удавалось перевоплощаться в Самозванца в «Борисе Годунове» и Иванушку-дурачка в «Коньке-горбунке». А в 1955 году Олег Ефремов сам поставил музыкальную комедию Михаила Львовского и Вадима Коростылева «Димка-невидимка». Режиссерский дебют удался знаменитому к тому времени актеру блестяще.
Метод Станиславского, которому Ефремов в студенчестве клялся в вечной верности, вскоре стал немоден в театральных кругах, но, верный обещанию, актер нашел себе единомышленников среди учеников Школы-студии МХАТ. Окончив училище, Ефремов остался в нем преподавателем, и студенты его очень любили. Из них он и собрал первую труппу будущего театра «Современник».

"Современник" полностью оправдывал свое название. Театр поднимал самые актуальные проблемы. На его сцене играли пьесы современных авторов, среди которых были Александр Галич, Василий Аксенов и опальный Александр Солженицын. Это было честное, живое общение со зрителем. В театре не было даже занавеса.
Ефремов, будучи режиссером «Современника», оставался и его актером, задавал тон и определял стиль театра, а остальные коллеги ему подражали. В 1970 году Олега пригласили художественным руководителем в МХАТ. Амбициозная мечта, зафиксированная в молодости на бумаге, стала реальностью. Поговаривали, что должность Ефремову досталась не без протекции Екатерины Фурцевой.

Министра культуры не зря называли «железной леди СССР», она лично поручилась перед горкомом партии за человека, которого взяли на карандаш за злоупотребление алкоголем. По воспоминаниям Олега Табакова, минимум дважды Ефремов обязан Екатерине Алексеевне своим спасением перед власть имущими.
Правда, реальность оказалась совсем не такой, какой представлялась. Ефремова позвали в разваливающийся МХАТ в качестве, по сути, кризисного менеджера. Труппе «Современника» он предложил в полном составе перейти на новые подмостки, но согласился только Евгений Евстигнеев. Со временем новому худруку удалось восстановить былую славу театра и переманить туда Александра Калягина, Иннокентия Смоктуновского, а потом и Татьяну Доронину.

Викторина 3

1. Балкон
2. БАЛЕТ
3. Милан - "Ласкала" - "Ла Скала"
4. Суфлёр
5. Баядера - оперетта, Баядерка- балет

9 сайтов, где можно легально смотреть драму, оперу и балет российских и европейских театров

Современные европейские постановки, «золото» советской классики, спектакли театра Вахтангова, Мариинского и Ленкома и бродвейские мюзиклы — интернет-издание «Бумага» выбрало девять сайтов, где можно легально смотреть драму, оперу и балет, в том числе бесплатно.

Проект «Культура.рф»
Ссылка

На сайте проекта «Культура.рф», который создан министерством культуры, можно бесплатно посмотреть более 650 спектаклей российских театров. На портале собраны записи как классических постановок (начиная с 1970 года), так и современных: от театра-студии под руководством Олега Табакова и «Современника» до Бурятского драматического и Каменск-Уральского театров.

Помимо традиционных драматических спектаклей, на платформе представлены моноспектакли, телеспектакли, балет, опера, оперетта, мюзиклы и аудиоспектакли. Например, «Евгений Онегин» из Мариинского театра 1984 года и «Кармен-сюита» из Большого театра 1978 года.

Видеоархив Мариинского театра
Ссылка

Мариинский театр на своем официальном сайте бесплатно проводит прямые трансляции некоторых постановок и выкладывает на ютьюб-канале некоторые записи оперы, сольных концертов и балета. Выложенные постановки сняты на профессиональные камеры с разных ракурсов. На канале театра полные версии постановок распределены по двум плейлистам: 234 сезон и 235 сезон. Отрывки некоторых записей можно найти и на сайте среди анонсов и трейлеров.

Среди доступных постановок — балет «Ромео и Джульетта» с музыкой Сергея Прокофьева, опера «Коста» с музыкой Христофора Плиева и концерт Национального эстонского симфонического оркестра.

Проект Onlineтеатр
Ссылка

Onlineтеатр — это сервис регулярных платных трансляций с московских площадок, организованный совместно с Россотрудничеством. Большую часть своих постановок там транслируют Театр Сатиры, Театр Маяковского, Театр Вахтангова и Ленком. Трансляции идут в HD и снимаются с нескольких камер: зритель может переключаться между ними и выбирать удобный план.

Чтобы посмотреть постановку, нужно заплатить от 300 до 400 рублей в зависимости от спектакля. К тому же есть возможность отправить заявку на просмотр определенной постановки вышеперечисленных театров. Если Onlineтеатр собирает достаточное количество заявок, он организует трансляцию. Отчисления с собранных средств идут в театры, где проходит постановка.

Телеканал «Культура»
Ссылка

На официальном сайте телеканала «Культура» публикуют постановки российских театров, записанные специально для телевидения. На данный момент там можно бесплатно посмотреть более 50 спектаклей из МХТ имени Горького, МХТ имени Чехова, Ленкома и «Сатирикона».

Среди спектаклей — «На дне» театра-студии под руководством Олега Табакова, «Маленькая девочка» Театра Ленсовета, «Безумный день, или Женитьба Фигаро» Ленкома, а также «Служанки» Театра Романа Витюка.

Ютуб-канал Moscow Theatres
Ссылка

Ютьюб-канал Moscow Theatres учрежден московским департаментом СМИ и рекламы в 2012 году как «Золотая коллекция спектаклей». Последние два года он не обновлялся, но на нем собрано около 100 постановок из «Мастерской Петра Фоменко», Ленкома, Театра имени Моссовета, «Современника», Театра имени Маяковского и других. Записью и монтажом занимались профессиональные операторы и монтажеры, отобранные по конкурсу департаментом.

Самыми популярными постановками на канале остаются «Tout Paye, или Всё оплачено» Ленкома, «Хомо эректус» Театра Сатиры, а также «Сон Гафта, пересказанный Виктюком» «Современника».

The Opera Platform
Ссылка

The Opera Platform — это бесплатная онлайн-платформа, которая учреждена в рамках программы поддержки культуры в европейских проектах European Union’s Creative Europe. Она объединяет несколько театров Англии, Франции, Германии и других стран, проводит трансляции их постановок и выкладывает видео премьер с английскими субтитрами на ограниченное время (до месяца).

Например, сейчас там можно посмотреть «Мертвый город» из берлинского театра «Комише опер», «Травиату» Норвежской национальной оперы, а также «Медею» московского Музыкального театра имени Станиславского. На ютьюб-канале проекта можно смотреть отрывки из некоторых опер. Туда также выкладывают премьеры, но удаляют по истечении некоторого времени.

Digital Theatre
Ссылка

На сайте проекта Digital Theatre публикуют британские постановки Королевского шекспировского театра, Королевского биржевого театра, Палас-театра и других. Посмотреть их можно ть их можно только после подписки, которая стоит 9,99 евро в месяц. Без подписки отдельные спектакли можно посмотреть за 7,99 евро: доступ открывается на два дня.

Для просмотра доступны «Гамлет» с Паапой Эссьеду в главной роли (он получил премию Иэна Чарлсона за эту роль), «Суровое испытание» с Ричардом Армитиджем, а также «Много шума из ничего» с Дэвидом Теннантом.

Globe Player
Ссылка

Globe Player TV публикует постановки европейских театров. Он также работает по системе подписки: там можно посмотреть отдельное видео за 4,99 евро или купить подписку на месяц за 12,99 евро.

Среди постановок — «Доктор Фаустус», поставленный по одноименному роману, шекспировские «Двенадцать ночей» и «Юлий Цезарь».

Broadway HD
Ссылка

Бродвейский театр транслирует свои шоу и мюзиклы на сайте и сохраняет их записи. Месяц подписки стоит 8,99 евро, а год — 99,99 евро. К тому же в первый раз можно использовать пробный период на несколько дней.

На сайте можно посмотреть лучшие бродвейские шоу от Диснея, осовремененный мюзикл «Фальцеты» и классическую «Оклахому».

Театр им. Моссовета

Театр им. Моссовета - один из старейших театров Москвы, Государственный академический театр имени Моссовета был создан в 1923 году литератором и режиссером С. И. Прокофьевым как театр Московского губернского совета профсоюзов. В дальнейшем с 1925 по 1940 годы им руководил известный актер и режиссер Е. О. Любимов-Ланской.

С 1940 по 1977 годы труппу театра (с 1938 года театр носит имя Московского совета) возглавлял Юрий Александрович Завадский — актер и режиссер, ученик К. С. Станиславского и Е. Б. Вахтангова, сформировавший один из самых интересных творческих коллективов страны. На его сцене блистали прославленные, всенародно любимые актеры: Вера Марецкая, Николай Мордвинов, Фаина Раневская, Любовь Орлова, Ростислав Плятт, Леонид Марков, Людмила Шапошникова, Борис Иванов, Георгий Жженов, Геннадий Бортников и др. В 1964 году за выдающиеся художественные достижения театру был присвоен статус Академического.

Новый этап жизни коллектива начался в 1970-е годы, когда в труппу пришел Павел Осипович Хомский — известный режиссер, имевший огромный опыт работы в театрах страны. В 1985 году он становится главным режиссером, а затем и художественным руководителем театра. Сохраняя традиции, театр ищет новые художественные пути и формы активного общения со зрителями. Для показа экспериментальных постановок и спектаклей «малой формы» в середине 1960-х годов был создан «Театр в фойе», в 1978 году - «Малая сцена». В 1990 г. спектаклем «Калигула» Петра Фоменко с Олегом Меньшиковым в главной роли открылась сцена «Под крышей».

На двух сценах театра («Основной» — 1100 мест и сценой «Под крышей» - 200 мест) идут спектакли по произведениям классиков отечественной и мировой драматургии, а также молодых авторов, поставленные режиссерами разных творческих школ и направлений: Павлом Хомским, Юрием Ереминым, Андреем Кончаловским, Ниной Чусовой, Виктором Шамировым, Андреем Житинкиным, Павлом Сафоновым и другими.

На сцене театра играют популярные и любимые артисты: Сергей Юрский, Маргарита Терехова, Анатолий Адоскин, Георгий Тараторкин, Ольга Остроумова, Валентин Гафт, Михаил Козаков, Евгений Стеблов, Валентина Талызина, Александр Филиппенко, Александр Леньков, Нина Дробышева, Ольга Кабо, Александр Домогаров, Гоша Куценко, Евгения Крюкова, Валерий Яременко, Александр Яцко, Екатерина Гусева, Маргарита Шубина, Гедиминас Таранда и другие замечательные мастера сцены.

Коллектив с большим успехом гастролирует во многих городах России, СНГ, Польши, Болгарии, Финляндии, Франции, США и других зарубежных странах, так же театр со своим репертуаром неоднократно участвовал в престижных отечественных и зарубежных театральных фестивалях.
В репертуаре театра 25 спектаклей по произведениям отечественной и мировой драматургии, представляющих широкий спектр жанров и эстетических направлений, интересных зрителям всех возрастных категорий.

Театр имени Е. Б. Вахтангова

Государственный академический театр имени Евгения Багратионовича Вахтангова - драматический театр в Москве. Был образован в 1913 году как Студенческая драматическая студия, руководил которой Евгений Вахтангов. Официальной датой открытия 3-й студии Московского Художественного театра (МХАТ) считается 13 ноября 1921 года, в этот день был показан спектакль «Чудо святого Антония». В 1926-м студия была переименована в Театр имени Евгения Вахтангова - по имени его основателя и первого руководителя. В 1956 году театру присвоили статус академического. С 2007-го руководителем театра является Римас Туминас.

История

История Театра имени Евг. Вахтангова началась задолго до его рождения. В конце 1913 года группа совсем молодых московских студентов организовала Студенческую драматическую студию, решив заниматься театральным художеством по системе Станиславского. Руководить занятиями согласился Евгений Багратионович Вахтангов, тридцатилетний артист также режиссер Художественного театра, уже составивший себе репутацию избранного педагога по «системе» Станиславского.
Начать решили разом со спектакля - выбрали пьесу Б. Зайцева «Усадьба Ланиных», написанную в мягких, чеховских тонах. Места своего у Студии никак не было, собирались каждый сутки в новоиспеченом помещении: то в крошечной комнатке студиек, то в снятой на один вечер гостиной какой-нибудь частной квартиры. Все казалось романтичным. Спустя три луны, 26 марта 1914 года, «Усадьбу Ланиных» играли в Охотничьем клубе.

Играли, впрочем, неуверенно, робко, некоторых исполнителей просто никак не было слышно. Но неуспеха своей счастливые артисты даже никак не заметили - отправились в ресторан отмечать премьеру, потом совместно с Вахтанговым всю ночь бродили по Москве, но утром, купив свежие газеты, хохотали над разгромными рецензиями.
После такого позора дирекция Художественного театра запретила Вахтангову какую-либо работу на стороне, и Студия решила «уйти в подполье». Осенью 1914 года Студия уже обосновалась в небольшой квартире в Мансуровском переулке на Остоженке (тогда и стали называть ее - «Мансуровской»).

Связь Вахтангова со Студией была подобна любви - с ревностью, бесконечным выяснением отношений, нетерпимостью, трагическим разрывом и новым соединением. Самым страшным днем для него был тот, когда в 1919 году из Студии ушли двенадцать одаренных студийцев. Вахтангов был убит, ведь это уже был его дом.
С 1917 года, выйдя из «подполья», бывшая Мансуровская стала называться «Московская драматическая студия Е. Б. Вахтангова». Пришла молодежь из других студий, объявили прием на первый курс школы - так появились Б. Щукин и Ц. Мансурова, за ними - Р. Симонов, А. Ремизова, М. Синельникова, Е. Алексеева.

Репетиции продолжались. Восстановили в новом составе показанное еще в 1918 году «Чудо святого Антония» Метерлинка, летом Вахтангов поставил чеховскую «Свадьбу».
13 сентября 1920 года Студия Е. Б. Вахтангова была принята в семью Художественного театра под именем его Третьей студии. 29 января 1921 года показали премьеру второго варианта «Чуда святого Антония».
13 ноября 1921 года, открылся постоянный театр Третьей студии МХТ по адресу: «Арбат, 26» (там, где Театр им. Евг. Вахтангова находится и сегодня). Особняк Берга Студия выхлопотала для себя еще предыдущим летом и за прошедшее время сделала в нем основательный ремонт. В честь открытия давали «Чудо святого Антония». Этот день и стали считать днем рождения вахтанговского театра.

В 1922 году ушел из жизни тридцатидевятилетний Е.Б. Вахтангов. Спектакли Вахтангова положили начало определенному направлению в театральном искусстве, получившему название "вахтанговское". В гармоничном сочетании глубокого реалистического вскрытия драматургического материала и яркой, праздничной, не чурающейся условности театральной формы спектакля - доминирующая тенденция вахтанговского искусства. "Нет праздника - нет спектакля", - говорил Вахтангов. В тяготении Вахтангова к острой форме, к гротеску, к метафорическому решению спектакля выражалась активная позиция художника - гражданина, убежденного, что "новое искусство должно наиболее глубоко выражать свое отношение к изображаемой действительности". Девиз Вахтангова, вынесенный в заголовок его знаменитой статьи "С художника спросится!", стал определяющим для всей творческой жизни театра, носящего его имя.
После смерти Вахтангова в 1922-1939 управление театром осуществлялось художественным активом, куда входили ученики и последователи режиссёра. В 1938 году главным режиссером был назначен Р.Н.Симонов. Воплотив мечту Вахтангова о непрерывности творческого воспитания актера ("школа-студия-театр"), он создал такой актерский ансамбль, которому по силам решение самых сложных творческих задач. Сын Р.Н.Симонова Евгений Симонов возглавлял театр, будучи его главным режиссером, с 1968 по 1987 год. В 1987 году художественным руководителем театра избран его ведущий артист Михаил Ульянов, прославивший вахтанговскую сцену и российский кинематограф замечательными творениями актерского мастерства.

В разные годы здесь работали режиссёры: Р. Стуруа, А.Ф. Кац, Р.Г. Виктюк, П.Н. Фоменко, А.Я. Шапиро, В.В. Ланской, Черняховский.
Большой вклад в становление и развитие искусства театра Вахтангова внесли актёры: Р.Н. Симонов, Мансурова, Захава, Щукин, Завадский, А.Д. Попов, А.Д. Дикий, Н.П. Охлопков, М.Ф. Астангов, Н.О. Гриценко, А.Л. Абрикосов, Ю.П. Любимов, Л.В. Целиковская, Ю.К. Борисова, М.А. Вертинская, Ю.В. Волынцев, И.П. Купченко, В.С. Лановой, С.В. Маковецкий, Л.В. Максакова, Ульянов, В.А. Этуш, В.А. Шалевич, Ю.В. Яковлев, Е.В. Князев, Ю.И. Рутберг, В.А. Симонов и др. При театре работает Театральное училище имени Щукина. С 1931 существует музей, основателем которого была жена Вахтангова - Н.М. Вахтангова.
Современное здание театра Вахтангова построено в 1946-1947 (архитектор П.В. Абросимов). Ранее здесь был жилой особняк конца XIX - начала XX вв., принадлежавший В.П. Бергу. В зале особняка был устроен зрительный зал, где и состоялось открытие театра. В начале Великой Отечественной войны в здание попала бомба и оно оказалось почти полностью разрушенным.

Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова расположен в историческом центре Москвы, в самом её сердце, в середине Старого Арбата. Начиная с 2008 года театр ежегодно и планомерно проводит переоборудование сценического оснащения, в результате которого сегодняшний световой и звуковой комплексы Большой сцены театра являются одними из лучших в России. Летом 2011 года произведен серьезный ремонт зрительного зала театра (среди прочего: положен новый дубовый паркет, заново обтянуты зрительские кресла, отреставрировано декоративное убранство).
Театр Вахтангова – это сочетание яркой формы и глубокого содержания, это жанровое разнообразие, от классической трагедии до озорного водевиля; это прекрасная труппа, в составе которой известные в России и за ее пределами актеры.

Театр Вахтангова – это завоеванные сердца миллионов зрителей России, Парижа, Лондона, Вены, Венеции, Афин, Стокгольма, Праги, Варшавы, Берлина, Будапешта, Мадрида и многих других зарубежных городов.
За плечами вахтанговского театра уже 90 лет. В молодом задоре его артистов и режиссеров (ветеранов и новобранцев), в стремлении разобраться в сложных нравственных проблемах, пробуждая в непростое сегодняшнее время добрые зрительские чувства, в многокрасочной театральности и заключен секрет творческого долголетия театра.

Московский драматический театр им. М. Н. Ермоловой

История

Театр имени М. Н. Ермоловой располагается в старинном здании, в основе фасадной части которого — один из самых крупных особняков на Тверской улице, построенных в 1830-х годах. С некоторыми изменениями двухэтажный дом с мезонином в центре просуществовал до 1897 года, когда купец Постников перестроил его, превратив в торговый пассаж и расположив гостиницу в верхних этажах. Здесь с 1931 по 1938 года размещался ГосТИМ (театр имени Вс. Э. Мейерхольда). В стенах этого здания рождалась знаменитая постановка «Дамы с камелиями». На этой сцене играли молодые Игорь Ильинский, Эраст Гарин, Зинаида Райх, Мария Бабанова, Лев Свердлин, Максим Штраух? Здесь 7 и 8 января 1938 года прошли два последних спектакля ГосТИМа: «Дама с камелиями» и «Ревизор».

Если бы стены умели говорить, то, конечно же, поведали сегодняшним своим хозяевам и их гостям-зрителям немало интересных историй, открыли бы многие тайны, ответили на многочисленные вопросы. Они — свидетели творческих побед и сценических удач, горестей и радостей Театра имени М. Н. Ермоловой, история которого ведет свой отсчет с далекого 1925 года, когда выпускники студии при Малом театре под руководством Е. К. Лешковской, С. В. Айдарова и Н. Ф. Костромского организовали передвижной театр. Влюбленность молодых людей в творчество великой русской актрисы Марии Николаевны Ермоловой подсказала решение связать свои скромные сценические опыты с ее именем. На это было дано ее личное благословение.
Сегодня в центре одного из нижних фойе театра находится портрет кисти Серова: на нем в багетовой раме — Мария Ермолова. Ее имя — легенда. Ее творчество — страницы великой истории русского актерского мастерства. Она — символ величия Актера. И пусть за окнами проносятся бури и ветра перемен, Она, строгая и внимательная, сегодня, как и десятки лет назад, всматривается в лица тех, кто приходит на спектакли театра, носящего ее имя?

Родившийся в эпоху бурного развития театральных студий, Театр имени М. Н. Ермоловой прошел путь, обычный для молодых коллективов тех лет: вначале — школа, затем — передвижной театр и, наконец, стационар. Молодой театральный коллектив очень скоро завоевал признание зрителей и критики, работая на клубных площадках Москвы и Московской области, гастролируя по стране. О творческих поисках в первые годы существования Ермоловского театра свидетельствовал разнообразный репертуар, в котором можно найти все, от легкого водевиля и пустенькой мелодрамы до известных классических произведений и современных пьес историко-революционного содержания. С успехом шли музыкальная комедия «Фраскита» и мелодрама «Альбина Мегурская», «Коварство и любовь» Ф. Шиллера и «Леон Кутюрье» по «Рассказу о простой вещи» Б. Лавренева? Уже в первых работах интересно раскрывалось творческое дарование молодых ермоловцев: А. Дзыги, Э. Урусовой, М. Унковского, В. Лекарева, А. Рутковской, Н. Макшеева, Т. Смирновой, М. Борейши и других.

В это же время один из ведущих актеров Театра Революции, талантливый и своеобразный режиссер, ученик Ф. Ф. Комиссаржевского и Вс. Э. Мейерхольда Макс Абрамович Терешкович организовал театр-студию им. А. В. Луначарского. Ермоловцы «умели играть», но не имели платформы, а во главе луначарцев стоял настоящий художественный руководитель, знающий, какими путями вести театр. В 1933 году два коллектива объединились и получили постоянное помещение на Спартаковской улице. Макс Терешкович, встав во главе театра, говорил: «Мы кладем в основу нашей творческой практики методы системы Станиславского. Не режиссерские трюки и ухищрения, не головоломные ребусы художественного оформления, а живой актер определяет успех спектакля. Не отказываясь от новых приемов сценической интерпретации, мы главный упор делаем на работу актера». Уже первые спектакли — «Бедность не порок» и «Последняя жертва» А. Островского, «Бойцы» Б. Ромашова, «Чудесный сплав» В. Киршона — показали несомненный рост молодого коллектива. Один из первых шагов Терешковича в театре —приглашение Марии Осиповны Кнебель, ученицы К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, актрисы МХАТа, на долгие годы связавшей свою судьбу с судьбой Ермоловского театра. Ее приход в начале 30-х — годы расцвета студии, творческого союза Кнебель и Терешковича. Творческое содружество М. А. Терешковича и М. О. Кнебель способствовало не только созданию ярких, содержательных спектаклей, но и выработке общих методологических принципов работы актера и режиссера над ролью.

По поводу их первой совместной постановки — спектакля «Искусство интриги» Э. Скриба — газета «Правда» писала: «Маленький театр» наглядно показал, как вырос хороший театральный вкус, как даже театр, не обладающий большим количеством ярких выдающихся дарований, может дать зрелище увлекательное, занимательное и подлинно культурное".
Большим успехом также пользовались «Дальняя дорога» А. Арбузова в постановке М. О. Кнебель и «Мачеха» по О. де Бальзаку (постановщики М. О. Кнебель и М. А. Терешкович). Оценивая эти спектакли, критика тех лет отмечала, что, несмотря на свою молодость, Театр имени Ермоловой может быть причислен к значительным явлениям советской культуры. Его работы свидетельствовали о больших творческих возможностях коллектива.

Продолжая линию освоения русской и зарубежной классики, театр обратился к творчеству М. Горького. Постановка его пьесы «Последние», осуществленная М. О. Кнебель, стала примером глубокого, вдумчивого и яркого прочтения классических произведений. В это же время М. А. Терешкович приступил к постановке пьесы В. Билль-Белоцерковского «Шторм». Однако смерть не позволила ему закончить эту работу, и ее продолжил A. M. Азарин, назначенный главным режиссером театра в марте 1937 года. Год, принесший стране и ее людям много горя, стал определяющим для становления молодого театра.
Летом 37-го по воле властей — официально, но в первую очередь благодаря усилиям М. О. Кнебель, ермоловская труппа объединилась с коллективом Студии под руководством народного артиста СССР Н. П. Хмелева.
В жизни порой все происходит театральнее, чем на сцене. Азарина хоронили в день открытия нового — после слияния — Театра имени Ермоловой в новом помещении на Пушкинской улице, и спектакль, поставленный М. О. Кнебель, назывался «Последние». Художественным руководителем театра был назначен Хмелев.

В первые дни после объединения, обращаясь к творческому коллективу, Н. П. Хмелев говорил: «Я хочу искусства такой искренности, какая бывает у человека, когда он остается в комнате наедине с самим собой или с самым близким другом. Я хочу спектакля, в котором ничто не заслоняло бы актера, где с предельной глубиной и правдой раскрывался бы внутренний мир человека-артиста?»
Хмелев, продолжая и развивая начатое его предшественниками, своей задачей так же ставил создание ТЕАТРА АКТЕРА, поскольку считал, что «в драматическом искусстве центральной фигурой является актер. Все должно быть подчинено актеру — режиссер, художник, так как только актер доносит до зрителя правду жизни, сложившиеся переживания человека?». Возможно, что его актерские работы во МХАТе сами по себе были великолепным источником постижения мастерства.

Надо отметить, что Хмелев, искренне увлеченный театральными поисками К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, приносил в театр идеи уже разработанные или только появляющиеся — те идеи, которые оформились в принципы знаменитой «системы». Все это помогало поиску новых форм в работе, будоражило воображение и не давало повернуться к штампу, наигрышу. Именно в этом направлении шли творческие поиски при завершении работы над «Штормом». Эти же принципы определили характер первых постановок, осуществленных под руководством Н. П. Хмелева. Спектакли «Дети солнца» М. Горького, «Бедная невеста» А. Островского, «Как вам это понравится» В. Шекспира, являясь программными по своему существу, в то же время свидетельствовали о том, что коллектив располагает незаурядными актерскими индивидуальностями.
Война заставила ермоловцев покинуть Москву. Театр выехал в Махачкалу, затем был эвакуирован в Черемхово и позднее переведен в Орехово-Зуево. Но даже в эти суровые дни напряженная творческая работа не прекращалась. Оказавшись вдали от Н. П. Хмелева (осенью 1941 года он был назначен художественным руководителем МХАТа), коллектив сосредоточил свое внимание на воплощении героико-патриотической темы, которая нашла яркое выражение в спектаклях «Русские люди» и «Парень из нашего города» К. Симонова, «Надежда Дурова» К. Липскерова и А. Кочеткова и других. После возвращения в Москвы в 1944 году театр обращается к пьесе Л. Левина и И. Меттера «Наш корреспондент», рассказывающей о мужестве защитников Ленинграда.

Еще в 1939 году Н. П. Хмелев пригласил в театр А. М. Лобанова для постановки пьесы Дж. Пристли «Время и семья Конвей». «Возвышенность мыслей и чувств! И четкость их проявления, то есть слияние поэтического и конкретно-бытового» — вот что было основным принципом в искусстве как для Н. П. Хмелева, так и для А. М. Лобанова. Однако сразу же выяснилось, что метод работы этого режиссера принципиально отличался от того, к которому привыкли ученики Хмелева. Лобанов заставлял артистов все внутренние проблемы решать самим, и, приходя на репетиции, они приносили и выставляли на его суд все, что нарабатывали. «Едва придя в театр, Лобанов с настойчивостью, вообще не свойственной ему ни в чем, кроме непосредственной режиссерской работы, начал истреблять то, что он считал рудиментами нашего студийного прошлого, взяв курс на профессионализацию коллектива. Он резко сократил сроки работы над спектаклем, он перестал нас учить и опекать на каждом шагу» — вспоминал Всеволод Якут. При всех различиях в методе работы Лобанов, как и Хмелев, уводил актеров от «правды вообще», искал конкретную правду данного автора и данного характера.

После смерти Н. П. Хмелева (1945) в 1946 году Андрей Михайлович становится главным режиссером Театра имени М. Н. Ермоловой. Поставленные им спектакли стали настоящим прорывом в советском театре второй половины 40-х годов и первой половины 50-х, о них заговорила театральная Москва. Лобановская эпоха стала расцветом Театра имени М. Н. Ермоловой. В спектаклях А. М. Лобанова бился живой пульс времени, в них всегда присутствовало предельно острое чувство современности, присущее их создателю, истинному гражданину свое страны, своей эпохи. Эта нерасторжимая связь с современностью проявлялась не только в сценическом прочтении пьес, отражающих сегодняшний день, — «Старые друзья» Л. Малюгина, «Далеко от Сталинграда» А. Сурова, «Люди с чистой совестью» П. Вершигоры, «Спутники» В. Пановой, «Счастье» П. Павленко — но и в постановках произведений классической драматургии: «Бешеные деньги» А. Островского, «Укрощение укротителя» Б. Флетчера? Она проявлялась в истолковании их философского и социального смысла, в создании живой атмосферы времени, в свежем новаторском решении образов. Николай Павлович Хмелев заложил основы в творческую работу актеров, Андрей Михайлович Лобанов развил их, укрепив блеском своего режиссерского таланта, который выразился в спектаклях, в игре замечательных актеров ермоловской труппы, чьи имена составили славу театра: Вс. Якута, И. Соловьёва, Л. Галлиса, В. Лекарева, Ф. Корчагина, Л. Орданской, Э. Кирилловой, Е. Кононенко, О. Николаевой, Д. Фивейского… 40-50-е годы ХХ века определили особое место Ермоловского театра на культурной карте Москвы. Это был театр интеллигенции, у него был свой голос, негромкий, но внятный, было особое благородство тона, был даже свой репертуар, что в пору всеобщей унификации можно считать своеобразным подвигом. Роковой стала для А. М. Лобанова постановка драмы Леонида Зорина «Гости» в 1954 году. Спектакль был запрещен после первого же представления. Желание говорить спектаклями со сцены правду мало кому тогда нравилось. Драматург оказался в больнице, пережил шквал убийственной критики, обрушившейся со страниц центральной прессы. Режиссер же потерял театр, долго болел и через 5 лет ушел из жизни?

1957 по 1970 год Театр имени М. Н. Ермоловой возглавляли разные, по-своему интересные режиссеры. Высокая профессиональная культура, чуткость в восприятии нового были присущи Л. В. Барпаховскому, спектакли которого, как правило, жили долго. Это подтвердила и одна из лучших его работ на сцене ермоловцев — спектакль «Обоз второго разряда» Д. Давурина. Больше десяти лет с успехом шла трагикомедия Эдуардо де Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник», поставленная А. Б. Шатриным. Много сил вложил в становление театра В. Г. Комиссаржевский, пришедший в Ермоловский театр со Студией Н. П. Хмелева и создавший на его сцене ряд ярких спектаклей, отмеченных крупными актерскими удачами. В. Г. Комиссаржевский поставил спектакль «Пушкин» по пьесе А. Глобы. Живой и близкий образ великого русского поэта, созданный Вс. Якутом, привлек интерес самых широких кругов зрителей и обеспечил спектаклю долгую сценическую жизнь. Среди наиболее крупных работ В. Г. Комиссаржевского был и спектакль «Лейтенант Шмидт», о котором журнал «Театр» писал: «Удачен отбор исторических документов, убедительны принципы их сочетания со стихами Б. Пастернака. Точен выбор актера — исполнителя заглавной роли. Петр Петрович Шмидт, может быть, самая значительная и талантливая среди недавних ролей В. Андреева».

В 1970 году главным режиссером Театра имени М. Н. Ермоловой становится ученик А. М. Лобанова и А. А. Гончарова Владимир Алексеевич Андреев. В афише рядом с именами А. Островского, Ж. Ануя, Э. де Филиппо, К. Симонова, Ф. Дюрренматта появились имена молодых авторов — Д. Балеева, Э. Володарского, О. Кучкиной… И. И. Соловьев поставил спектакль «Грамматика любви» по произведениям И. Бунина, который вновь появится в репертуаре театра спустя десятилетия (новая редакция Германа Энтина 1991 года). Ермоловцам принадлежит честь открытия драматурга Александра Вампилова: именно на сцене Театра имени М. Н. Ермоловой впервые были сыграны спектакли по произведениям одного из самых интересных авторов второй половины XX века. Постановки его пьес «Старший сын» (1972), «Прошлым летом в Чулимске» (1974), «Стечение обстоятельств» (1977), «Утиная охота» (1979) определили целое десятилетие жизни театра, стремившегося разобраться вместе с автором и с пришедшими на спектакль зрителями в истоках человеческих мыслей и чувств, в том, что такое любовь и как она рождается, как человек перестает быть творцом или, наоборот, начинает ощущать себя хозяином своей судьбы. «Дом, где разбиваются сердца» Б. Шоу, «Батальоны просят огня» Ю. Бондарева, «Василиса Мелентьева» А. Островского, «Дядя Баня» А. Чехова… Все было в этих спектаклях: и пристальный интерес к исследованию глубин человеческой души, к миру личности, наполненность внутренним содержанием, точные характеристики и тщательная отделка рисунка роли, яркие актерские работы, воссоздание подлинной жизни, преломленной через призму театра. На сцене продолжали играть замечательные актеры старшего поколения, появились новые имена: А. Шейнин, Т. Щукина, Т. Шумова, А. Жарков, С. Любшин. ..

В 1985 году В. А. Андреев был приглашен в Малый театр, и художественным руководителем ермоловцев стал Валерий Фокин. Он привел в труппу О. Меньшикова, В. Проскурина, Т. Догилеву? Его первая постановка в театре, «Говори» А. Буравского (по произведениям В. Овечкина, 1985), открыто публицистический спектакль, стал общественным событием сезона. Новая драматургия, остро полемический характер, яркие режиссерские решения, блистательные актерские работы, спектакли «Спортивные сцены 1981 года» Э. Радзинского (1986), «Приглашение на казнь» по В. Набокову (1989) дали повод заговорить о театре как об уловившем ветер перемен, отражающем современность. Но, поддавшись всеобщему безумству перестройки, попав в вихрь общественных катаклизмов, Театр имени М. Н. Ермоловой не устоял и на рубеже 90-х годов ХХ века разделился на две части: Московский Международный театральный Центр имени Ермоловой и Театр имени Ермоловой.
В 1990 году В. А. Андреев вернулся, чтобы возглавить часть коллектива. Возникла острая необходимость обновления репертуара. Сначала стали возникать камерные спектакли на малой сцене — «Грамматика любви» И. Бунина, «Роковык яйца» М. Булгакова, «Кроткая» Ф. Достоевского, «Пропавший сюжет» Л. Зорина? Пьесы именно этого драматурга, с чьим именем столь тесно была связана судьба А. М. Лобанова, оказались необходимы театру на новом, переходном этапе жизни.
В 1990 году была закрыта для ремонта Большая сцена, на долгие три года лишив актеров и режиссеров возможности работать для большой аудитории. В 1993 году она открылась спектаклем по пьесе А. Островского «Бедность не порок».

В 1996 году постановка Владимира Андреева «Мария Стюарт» Ф. Шиллера ознаменовала символическое объединение двух трупп: на ермоловской сцене впервые за семь лет вместе играли артисты Театрального Центра и Театра Ермоловой С. Головина, Н. Потапова, А. Шейнин, В. Еремичев, В. Саракваша, В. Павлов, В. Молоков, Б. Дергун, Л. Борисов? Время учит понимать и прощать, и в 2000 году единая труппа, носящая гордое имя великой русской актрисы Марии Николаевны Ермоловой, вспоминая нелегкий, но прекрасный творческий путь, праздновала 75-летний юбилей своего театра. Сегодня в доме по адресу Тверская улица, дом 5, три сцены: Малый и Большой залы и сценическая площадка в Музее. В репертуаре — спектакли по произведениям русских и зарубежных классиков, современных авторов. В каждом из них есть замечательные актерские работы, в создаваемых образах отражается жизнь человеческого духа. Театр борется за человека, отрицая все, что унижает его достоинство, утверждая доброту, человеческую правду, правду жизни. «А правда, — говорил А. М. Лобанов, — это постоянный поиск ее». Сегодня рядом со старшим поколением ермоловцев работают молодые артисты. Преемственность поколений — это то, чем всегда был силен театр. Главным в творчестве ермоловцев остается самый обычный человек со всеми его слабостями и пороками, с его конфликтами, страданиями и счастьем. Остается то, о чем всегда рассказывал театр: добро и зло, любовь и ненависть, власть и судьба.

На втором этаже Театра имени М. Н. Ермоловой находится музей афиши, костюмы, фотографии? Умные лица талантливых людей. Проходишь мимо, вглядываешься в фотографии, читаешь старые программки, афиши — и словно слышишь в фойе шаги тех, кто создавал историю этого театра, чьи имена стали легендой, кто жил и умирал на сцене во имя прекрасного и вечного искусства. И становится грустно от того, что нельзя заглянуть за занавес времени, чтобы хоть одним глазком посмотреть спектакли, ставшие легендой. Но всегда остается возможность представить себе, как это было. Бережное отношение к своей истории и верность творческим принципам в работе сегодняшних ермоловцев — это не просто дань уважения, памяти, но и стимул к покорению новых высот искусства, средство выжить и не потеряться в трудные времена, не всегда благоприятные для какой бы то ни было сценической деятельности.
Есть имена, значение которых яснее проступает с каждым прожитым годом: Хмелев, Лобанов? Меняется жизнь, меняются поколения, создаются новые спектакли, совершаются новые открытия. Но неизменной остается память. Без прошлого нет настоящего. На пустом месте ничто самоценное возникнуть не может. Поэтому так внимательно глаза Ермоловой на портрете Серова провожают каждого, кто идет по фойе театра. Эти глаза видели то, чем можно гордиться и от чего хотелось бы отречься. Она — символ подлинного искусства, завещанного будущему. И каким оно будет, как мы распорядимся драгоценным даром — зависит только от нас.

Театр - это сказка, магия и грезы,
Счастливых и разбитых душ горенье,
Театр - это праздник, это слезы,
Нескончаемый восторг и удивленье.
Театр - события ушедших лет,
Дней настоящих бытие,
Театр - это жизни свет,
Раздумье и наслажденье мое.




Вы любите театр? Так, как люблю его я?!?

27 марта все театральные деятели мира отмечают свой профессиональный праздник
День театра
Театр. Сюда люди идут, чтобы отдохнуть, пережить новые эмоции,
получить массу удовольствия от игры чувств, эмоций, жестов, интонаций, мимики и энергетики актеров.
Учереждён этот день был в 1961 году. Инициаторами проведения Всемирного дня театра стали участники
конгресса Международного института театра при ЮНЕСКО.
Существует версия, что первая театральная игра состоялась в 2500 году до н.э. в Египте.
В ней главным сюжетом служила египетская мифология, поэтому связь между театром и религией была очень прочной.
Со временем постановки и игры превратились в настоящее искусство, в котором преобладали трагические и комедийные формы.
День Театра, посвященный великому искусству, является праздником не только для актеров и лицедеев, но и для зрителей.
Именно для них в честь торжества проводятся самые лучшие спектакли и премьеры.
Предлагаю поговорить о театре.
Часто ли посещаете? Следите за премьерами?
Нет ли каких-нибудь традиций, связанных с театром?
Может быть у кого-то найдутся стихи или любимые отрывки из произведений о театре?
В общем - всё о театре.