Около кино

Более 40 лет исполнилось в августе легендарному фильму режиссера Татьяны Лиозновой «Семнадцать мгновений весны» (вышел на экраны в 1973 году), подарившему нам «национального героя» - разведчика Штирлица, целый сонм других популярных персонажей, ставшему поистине культовыми.
Подсчитано, что премьеру киноленты посмотрели свыше 200 миллионов зрителей. Во время показа все 12 вечеров в стране почти не было уличной преступности, резко возрастало потребление электроэнергии и снижалось потребление воды - люди сидели у телевизоров.

Сегодня трудно себе представить Штирлица в исполнении какого-либо другого актера, а не Вячеслава Васильевича Тихонова. Но на самом деле Тихонов в картину попал по счастливой случайности. Можно сказать, повезло.
На его месте мог быть, к примеру, актер Арчил Гомиашвили (зрители помнят его по роли Бендера в Гайдаевских «12 стульях»), чью кандидатуру отстаивал автор сценария «Семнадцати мгновений» Юлиан Семенов.
В киногруппе ходили разговоры и о кандидатуре Олега Стриженова. Но он в то время был занят в другом фильме, играл во МХАТе, и рассчитывать на то, что он сможет полностью на три года освободиться из театра и посвятить себя съемкам, было наивно.Лиознова раздумывала, и тут кто-то из ассистентов предложил попробовать свободного от съемок Вячеслава Тихонова. Его загримировали, приделали большие пушистые усы... Вид нового штандартенфюрера привел режиссера в ужас. Но, поработав с актером, Лиознова стала возлагать надежды на Тихонова. А так как он еще и выказывал готовность все три года безотрывно пахать на Штирлица, счастье улыбнулось именно ему.
За роль полковника Исаева Тихонов был удостоен ордена. У этой истории с награждением есть такая версия. Рассказывали, что медсестра Брежнева после премьеры «Мгновений» донесла до Генсека слухи, будто живет где-то в русской глубинке всеми забытый разведчик Исаев, который работал в гестапо под личиной Штирлица. Брежнев загорелся наградить его, приказал разыскать разведчика, спецслужбы сбились с ног, но никого не нашли, после чего Брежнев решил вручить орден Вячеславу Тихонову.Некоторые до сих пор думают, что Штирлиц существовал в жизни, хотя на самом деле это вымышленный образ.
Есть мнение, что его прототипом был советский разведчик немец Вилли Леман (агентурная кличка - Брайтенбах, кодовый номер - А201), который служил заместителем шефа германской разведки Вальтера Шелленберга, отвечал за контрразведывательное обеспечение военной промышленности рейха, имел репутацию ценного работника (даже удостоился портрета фюрера с его автографом).
Он работал на советские спецслужбы по собственной инициативе, его никто не вербовал и не шантажировал.
Неизвестна точная дата его гибели (гестапо арестовало его в декабре 1942 года). В своем фильме Лиознова не захотела показывать то, как погибает ее герой, оставив право зрителю додумать финал картины.Вообще-то в сценарии жены Штирлица не было в помине. Эту героиню предложил ввести в картину Вячеслав Тихонов, которому знакомый разведчик рассказал, как его коллегам, работавшим за рубежом, иногда привозили на свидание жен.
Сначала эту роль планировали отдать красивой ленинградской певице Марии Пахоменко. Просилась на нее и актриса Светлана Светличная.
«Я по сей день жалею, что не удалось уговорить Татьяну Лиознову дать мне роль жены Штирлица», - признается Светличная. Она сыграла в фильме Габи, влюбленную в разведчика. Одна зрительница сказала актрисе, что Габи - собирательный образ женщины, способной любить молча и преданно, как собака.Ну а женой красавца Исаева суждено было стать актрисе театра Вахтангова Элеоноре Шашковой. Ее в последний момент, за день до съемок, привели на просмотр к Лиозновой. У Шашковой не очень получалась проба до тех пор, пока на съемочной площадке не появился Тихонов. Как только он сел перед актрисой, она сыграла роль превосходно, со всей сдержанной глубиной.
Правда, после премьеры фильма профессиональные чекисты говорили, что настоящая жена разведчика не выказала бы своих чувств, как это сделала актриса, и если бы эта сцена происходила в жизни и за Штирлицем велось наблюдение, то супругов раскололи бы. Но в фильме крохотный эпизод в исполнении Шашковой не стал провальным, напротив, ее игру кинокритики признают гениальной.Любопытно, что сначала киногруппа решила снимать сцену, как полковнику Исаеву привезли не только жену, но и его малолетнего сына (которого он еще не видел). Кинопробы состоялись, и вдруг режиссер резко отказывается от ребенка, говорит, что, если в кадре будет ребенок, тогда все внимание полковника будет приковано к нему, а не к женщине. И в картине осталась молчаливая сцена двоих - пять с половиной минут без слов, только взгляды, но сколько сказано!
Русскую радистку Кэт сыграла в фильме Екатерина Градова.
Мало кто знает, что хотели взять на эту роль Ирину Алферову. Но Алферова была в отъезде в загранкомандировке, и ее кандидатура быстро отпала.
Сложности возникли при съемке сцены, когда Кэт прячется от преследователей с двумя грудничками на руках. Сначала сняли кукол, но было видно, что дети неживые. В фильме на самом деле снято шесть разных младенцев - съемки затянулись, а малыши растут быстро.
Эпизод, когда фашист требует Кэт заговорить и выставляет на холод ее ребеночка, на самом деле снимали в закрытом павильоне, было жарко и душно, и мама малыша сама просила открыть форточку. Но киногруппа этого не сделала, опасаясь за здоровье крохи.В роли Мюллера режиссерская группа видела актера Всеволода Санаева. Но он категорически отказался от предложения. Мотивировка была убедительной: «Я секретарь парторганизации «Мосфильма», фашистов не играю!»
Пробовались и другие малоизвестные актеры, пока второй режиссер картины не привел на съемочную площадку Леонида Броневого.Броневой - театральный актер. До «Семнадцати мгновений» его никто из телезрителей не знал, он снялся в парочке эпизодов, и все. И на пробах был как чистый лист, и это было хорошо, потому что, когда актер умеет сниматься, он знает, в каком ракурсе в кадре он лучше, как эффектнее повернуться, а Броневой всего этого не знал: ему дали роль, и он ее играл. И вот получилась такая запоминающаяся роль, которая его прославила.
Сам Броневой признается, что перспектива играть гадкого немца за маленький гонорар - ему пообещали 2435 рублей 70 копеек на три года, это примерно 43 рубля в месяц - совсем не радовала. Но второй режиссер сказал ему: «Ты не знаешь, что тебе принесет эта роль!» Много позже актер был вынужден признать, что роль Мюллера стала в его жизни судьбоносной.Самым неожиданным для киногруппы было приглашение в картину Леонида Куравлева. Ему предложили попробоваться на Гитлера. И это после тех образов смешных простаков, которыми запомнился зрителю актер!
«У меня действительно были пробы на Гитлера, - признается Леонид Вячеславович. - Репетировал, меня гримировали под Гитлера... Но я этого антихриста не осилил, моя природа была против».
В фильме фюрера исполнил немецкий актер. А Куравлеву Лиознова предложила роль эсэсовца Айсмана. На пробах прилепили Куравлеву горбинку на нос, сделали повязку на глаз, Лиознова поставила ему задачу, чтобы он этим одним глазом буквально прожигал своего партнера в кадре. И Куравлев в картине вполне достойно сыграл.В Германии Тихонова чуть не побили
Прогулка от гостиницы до съемочной площадки чуть было не стоила Тихонову обвинения в пропаганде фашизма. Дело в том, что на улицу он вышел в форме штандартен-фюрера СС, за что был немедленно задержан берлинцами. Те сочли его нацистом и устроили разборки. К счастью, заваруху услышали киношники и отбили артиста.Музыкальное сопровождение
Микаэл Таривердиев написал к фильму 12 песен, пригодились только две из них. Сначала записали песни в исполнении Муслима Магомаева. Потом спели «Не думай о секундах свысока» Валерий Ободзинский, Вадим Мулерман. Таривердиев предложил попробовать Валентину Толкунову. Когда Иосиф Кобзон услышал, что Лиознова хочет, чтобы он спел так, чтобы зрители его не узнали, обиделся.
Но режиссер продолжала настаивать на своем замысле, мол, спойте так, чтобы «в фильме не было близко Кобзона». Иосиф Давыдович сделал несколько десятков проб записи. Надо признать, в фильме он действительно поет каким-то не своим голосом. К тому же его имя не попало в титры - они были сделаны раньше, чем утвердили певца.«Мгновения» под колпаком КГБ
Заказчиком «Мгновений» был КГБ и лично Юрий Андропов. Шероховатости рецензировались и подчищались в ходе работы. К примеру, почти анекдотичный случай произошел с немецкой армией. Кто-то из кураторов фильма вдруг обратил внимание, что все немцы в эпизодах - евреи. «Вы какую армию показываете: немецкую или еврейскую?!» - возмутились цензоры.
Для пересъемки в срочном порядке привезли полсотни белокурых эстонских курсантов Высшей школы пограничников при КГБ.Чекисты после просмотра фильма сказали, что далеко не всегда Штирлиц действует в соответствии с установленной инструкцией. Но придуманные режиссером эпизоды, невозможные в работе разведки, цензура решила не вырезать, чтобы романтизировать образ разведчика. Фон Штирлиц должен был стать для народа идеалом.
Неточность в одежде киношных эсэсовцев заметили дотошные специалисты уже после премьеры. Серебряный галун в виде уголка на самом деле присваивался членам нацистской партии, вступившим в нее до прихода к власти. Штирлиц имел право носить атрибутику, а Мюллер - нет, потому что его приняли в партию только в 1939 году. Хотя фильм черно-белый, эсэсовские и прочие мундиры для съемок пошили цветными, с золочением и плетеными шнурами в спецателье Минобороны. Одному Тихонову потребовалось сто белых рубашек и 11 различных костюмов!КРЫЛАТЫЕ ФРАЗЫ ИЗ ФИЛЬМА

• Характер нордический. Беспощаден к врагам рейха. (Автор за кадром, из характеристик.)
• - Штирлиц! А вас я попрошу остаться. (Мюллер.)
• Запоминается последняя фраза - это Штирлиц вывел для себя, словно математическое доказательство. (Автор за кадром.)
• – Вы плохо выглядите.
  – Хорошо еще, что вообще живу. (Штирлиц, Мюллер.)
• Плейшнер шел на явку. Он теперь все время был в приподнятом настроении. (Автор за кадром).
• - Когда о нас, математиках, говорят, как о сухарях, это ложь. Ложь! В любви я Эйнштейн! (Девица в баре.)
• Не думай о секундах свысока. Наступит время, сам поймешь, наверное... (Из песни.)
• - Как ты думаешь рожать, малыш?
  - Кажется, нового способа еще не изобрели. (Штирлиц, Кэт.)

По материалам рустрана.рф, phenomenonsofhistory

После того, как были исследованы внутренности Земли и океана, не удивительно, что Люк Бессон отправляется в космос. Основные линии этой футуристической истории были рождены в его сознании еще 20 лет назад, когда Бессон был лицеистом. Название картины берет свое начало из традиционных элементов греческой алхимии-земли, воздуха, огня и воды. Четыре элемента, собранные вместе создают пятый-жизнь. В картине Бессон ставит вопрос: «Что если в другом измерении существует противоположная форма жизни-созданная не из жизненной энергии, а из темной, отвратительной сущности всего того, что зло? Энергия жизни, и эта другая, злая жизненная форма противоположны друг другу-как огонь и лед и чем больше этой жизненной энергии мы создаем, тем больше это беспокоит и сердит другую форму жизни».Снятый в студиях «Pinwood» в Англии, этот фильм рассказывает о злоключениях шофера такси будущего, который должен спасти человечество в мире странном и разноцветном, где вся надежда выжить невозможна без открытия пятого элемента. Этот фильм знаменует апофеоз карьеры-где режиссеру удалось донести свой мир публике в тесном единении с собой-потому что у него пересекаются все амбиции, как артистические, так и профессиональные. Люк Бессон обладал всеми средствами, чтобы осуществить свою мечту: он может пойти очень далеко в своем воображении. С «Никитой» (1990) и «Леоном» (1994) ему уже удалось покорить Америку, но на этот раз ставка изменила уровень. С бюджетом в 90 миллионов долларов, Брюсом Уиллисом в главной роли и одновременным выходом с самыми крупными блокбастерами, Люк Бессон надеялся осуществить то, что еще не удавалось ни одному французу: проникнуть в Голливуд, оставшись на краю системы.Фильм финансировала компания «Gaumont», а «Columbia» занималась только дистрибьюторством. Девять лет спустя после умеренного приема «Голубой бездны» (1988) на Каннском фестивале, Люк Бессон вернулся с твердым намерением заставить нас поверить в завтрашний мир. В результате получился напичканный потрясающей техникой, изощренными механизмами, дорогостоящим оборудованием, впечатляющими декорациями, шикарными костюмами, феноменальными спецэффектами, а также искрометным юмором зрелищный коммерческий фильм. Впервые теорию о четырёх элементах жизни описал древнегреческий философ Эмпедокл. Его миф был эволюционной ступенью в развитии всей цивилизации, ибо миф-это первейший язык науки, необходимая начальная стадия знания. Вселенная-единая и вечная, живая и совершенная сфера, состоящая из четырёх элементов жизни, различающихся строением молекул, но действующих как единое целое. Люк Бессон революционизировал теорию гармоничного существа, добавив к жизненно ценным его элементам нашу самую лучшую и самую неизлечимую болезнь. Пессимизм по поводу того, стоит ли вообще спасать Землю, которая сама себя убивает, перекрывает энергия надежды на силу любви, как единственно светлое, оставшееся в человеке, на то, что лишь она способна поглотить зло.Пригласив авангардного кутюрье Жан-Поля Готье, а также дизайнеров Мебиуса и Мезьеpа (французских художников комиксов, кандидатуру одного из котоpых-тогда еще иллюстpатоpа жуpнала «Heavy Metal» Мебиуса-деpжал в голове и Ридли Скотт), Люк Бессон оттолкнулся от известного пpавила Ридли Скотта-дизайн может быть сценаpием-и пpеподал уpок автоpства. Кстати, авторы уверены, что в 23 веке все так же будут существовать «Макдональдс» и «Кока-Кола». Фильм номинировался на «Оскар» за лучший монтаж звуковых эффектов. Академия фантастических фильмов, фэнтази и фильмов ужасов США номинировала картину на свой приз «Сатурн» за лучшие костюмы Жана-Поля Готье, спецэффекты, актрису второго плана (Йовович) и как лучший фантастический фильм года. Англичане вручили картине свой приз «BAFTA» за лучшие спецэффекты.Не избежал фильм номинаций на анти-приз «Razzie» за худшую новую звезду (Крис Таккер, также за роль в картине «Money talks», 1997) и худшую актрису второго плана (Йовович). Французы наградили картину призом своей киноакадемии «Сезар» за лучшую режиссуру, операторскую работу и художественное оформление, а номинировали за лучшие костюмы, монтаж, музыку, звук и как лучший фильм года. Оперную диву создал Джон Коппингер, который также работал над картинами «Возвращение джедая» (1983), где он сделал Джаббу Хутту, «Маленький будда» (1993), «Затерянные в космосе» (1998), «Мумия» (1999), «Звездные войны. Скрытая угроза» (1999). Интересно, что герой и главный злодей так никогда в фильме не встречаются и даже не разговаривают.Спецэффекты созданы компанией «Digital Domain», основаннойДжеймсом Камероном и Стэном Уинстоном. Она уже работала над картинами «Аполлон-13» (1995),«Титаник» (1997), «Пик Данте» (1997), «Армагеддон» (1998), «Бойцовский клуб» (1999), «Как Гринч украл Рождество» (2000), «Властелин колец. Братство кольца» (2001), «Машина времени» (2002). Визуальными эффектами занимался культовый мастер Марк Стэтсон («Звездный путь», 1979; «Бегущий по лезвию бритвы», 1983; «2010», 1984; «Охотники за привидениями», 1984.Божественный язык общения Лилу был изобретен Люком Бессоном, и дополнен Милой Йовович. В нем всего лишь 400 слов. А к концу съемок они даже могли сносно общаться на этом выдуманном языке. Так, например, фраза «Seddan akta gamat», сказанная Лилу, после того, как ее поцеловал Корбен, означает «никогда без моего разрешения».
По сюжету фильма Центральный парк в Нью-Йорке имеет те же размеры и находится в том же самом месте, что и ныне. Но на высоте 30 метров над землей!Время действия фильма можно узнать из эпизода, когда Корбен Даллас просыпается у себя в квартире. На стене его спальни на календаре светится дата 18 марта 2263 года (18 марта – день рождения Люка Бессона).
Также можно предположить и примерное население людей на Земле и в космосе в фильме. Надпись на летающем поезде «Макдональдс», в который врезается полицейская аэромашина, гласит: «Обслужено 65 триллионов людей».Когда Лилу восстанавливают по коду ДНК, ее минималистическая одежда в точности повторяет одежду Марии в фантастическом фильме «Метрополис» 1927 года
В эпизоде, когда президент Линдберг дает Вито Корнелиусу ровно 20 секунд для того, чтобы тот изложил свою точку зрения на появление у Земли таинственной сферы, святой отец (по хронометражу фильма) справляется с этим ровно за отведенное ему время.
Полное имя Лилу, которое она произносит в квартире у отца Вито Корнелиуса – «Leeloominaï Lekatariba Lamina-Tchaï Ekbat De Sebat»
В 1997 году этот фильм являлся самым дорогим не только в истории французской киностудии «Гомон», но и самым дорогим иностранным фильмом.Полное имя Лилу, которое она произносит в квартире у отца Вито Корнелиуса – «Leeloominaï Lekatariba Lamina-Tchaï Ekbat De Sebat»
Арию дивы Плавалагуны «Il dolce suono» из оперы Гаэтано Доницетти «Лючия ди Ламмермур» (Lucia Di Lammermoor), переходящую в вокализ на оригинальную композицию Эрика Серра, в фильме исполнила Инва Мулла, потрясающее сопрано из Албании. А имя межпланетной оперной певицы Плавалагуны в переводе с сербо-хорватского языка означает «Синяя лагуна». Бессон позаимствовал это название у хорватского курорта в Пореке, где однажды летом в детстве он отдыхал.Взрыв в главном зале «Флостон Парадиз» на момент выхода картины в прокат был самым мощным взрывом внутри помещения, когда-либо демонстрируемым в рамках художественного фильма
Фильм «Пятый элемент» открывал Каннский кинофестиваль 1997 года.
Люк Бессон взял на роли в фильме несколько известных фотомоделей. Большинство из них играют стюардесс на круизном лайнере, включая Николь Мерри и Стэйси Маккензи. А топ-модель Ева Салвэйл играла в фильме одного из мангалоров в человеческом обличье.
Команда, работающая над спецэффектами, повеселилась, когда дорисовала на каждый номерной знак летающих такси будущего Нью-Йорка фразу мелким шрифтом – «Нью-Йорк, задолбанное государство» (New York, The Fuck-You State) – которую почти не заметно при просмотре фильма.По сценарию персонажа Криса Такера звали вовсе не Руби Род, а Лок Род. Именно это имя (Локк) можно встретить и в книге, написанной по мотивам фильма
Костюмы, в которые были одеты мендочивы в фильме, сразу после окончания производства над картиной, были уничтожены. Остался один-единственный, который сейчас находится у специалиста по спецэффектам Ника Дадмана (Nick Dudman).
Многие из мангалоров, устроивших бойню на «Флостон Парадиз», носили специальные боевые защитные очки. Это было сделано с единственной целью – спрятать глаза актеров, которые были видны сквозь маски, а также сэкономить на косметике вокруг глаз и специальных контактных линзах.
Ник Дадман (Nick Dudman) создал для фильма проект веретенообразных длинноносых инопланетных существ, которые должны были собирать мусор. Но в фильме они так и не появились, а образование огромной кучи мусора в космическом порту объясняется тем, что сборщики мусора в настоящее время бастуют.Американская киноассоциация присвоила кинокартине прокатный рейтинг «PG-13» («Дети до 13 лет допускаются на фильм только с родителями») за содержащиеся в ней «продолжительные сцены насилия в фантастическом антураже» (intense sci-fi violence), «налёт сексуальности» (some sexuality) и «краткие показы обнажённого человеческого тела» (brief nudity).
Люк Бессон в многочисленных интервью заявлял, что он сам считает пятым элементом – половой акт.
В самом начале картины персонаж Гари Олдмана цитирует Ницше: «То, что тебя не убивает, делает тебя только сильнее». Брюс Уиллис в свое время записал альбом с точно таким же названием.
Число «пять» используется в картине несколько раз, в том числе и в самом названии. Во-первых, это 5 элементов. Во-вторых, Зорг останавливает бомбу ровно за 5 секунд до взрыва. В-третьих, в самом конце фильма врач, заглядывающий в отсек, где свои силы восстанавливают Корбен и Лилу, говорит, что им нужно еще 5 минут.Человек, пытавшийся ограбить Корбена у входной двери — французский режиссёр и актёр Матье Кассовиц, близкий друг Бессона.
В 2001 году по лицензии кинокомпании Gaumont по мотивам фильма была выпущена компьютерная аркада «NY Race» (разработчик Kalisto Entertainment, издатель Wanadoo Edition).
В 1998 году вышла компьютерная игра The Fifth Element в жанре 3D Action, разработанная компанией Kalisto.
Гари Олдман согласился сниматься в этом фильме, не читая сценария. Это было любезностью по отношению к Люку Бессону, с которым он подружился на съёмках «Леона».По материалам horror-movies.ru

Три холостяка захотели пожить "дикарями" на пустынном морском берегу. Но вдруг появились две бойкие девицы и заявили, будто это место издавна принадлежит им и отдыхать они будут только здесь. "Создадим неприятелю невыносимые условия!" - решила каждая из враждующих сторон. Результат - две влюбленные парочки? Сорок лет назад Генрих Оганисян экранизировал пьесу Сергея Михалкова "Дикари" и назвал фильм "Три плюс два".

Большая часть съемок велась в Крыму, кое-что снимали в Риге и совсем чуть-чуть - в Ленинграде. Отбор актеров устроили в Риге. "Я не могу сказать, сколько было претенденток на роль укротительницы Зои, - рассказывает актриса Наталья Фатеева. - Помню, что, прочитав сценарий, тут же поехала в Ригу. Пробы были на побережье. Потом мне позвонил режиссер: "Мы хотим, чтобы вы играли не Зою, а Наташу. Зою бы сыграла Лиля Алешникова". Я сказала, что роль актрисы Наташи мне не нравится, лучше я вообще не буду сниматься. И меня утвердили на Зою". Не сразу нашли актрису на роль Наташи. "Бытует мнение, что женам режиссеров в профессии легче, - говорит Наталья Кустинская, бывшая в то время женой режиссера Юрия Чулюкина ("Девчата"). - В моем случае такого не было. И в "Три плюс два" я снялась лишь по большой случайности. На пробы в Ригу меня пригласил знакомый оператор. Когда я приехала, увидела там известных актрис, манекенщиц, балерин. Отснялась и уехала в Ленинград, где играла главную роль в фильме "После свадьбы". Месяц проходит - никаких известий. Я уже и забыла о пробах, когда случайно зашла в дирекцию киностудии. Оказалось, там уже давно лежала для меня телеграмма. В тот же день вылетела в Крым на съемки". - Снимали под Судаком - в Новом Свете, - вспоминает Наталья Фатеева. - Место райское. Особый микроклимат, теплое чистое море. Но вот дороги нормальной не было. И вообще жили в трудных условиях. Воду грели на электроплитках, в тазиках мылись. Привозили ужасную еду из столовой из Судака. Пока довезут, еда превращалась непонятно во что, смотреть жутко! Но одновременно привозили виноград и потрясающий белый хлеб с корочкой. Я неосторожно ела виноград с хлебом и прибавляла в весе. Сцены в палатках снимали в Риге. Цирк - в Ленинграде. Я снималась с настоящим тигром, которого дрессировал Вальтер Запашный. Мне сказали, что тигру шесть месяцев. Смотрю, а это зрелый, довольно большой зверь. У меня - шок. Самое обидное, что вся моя храбрость - как я облокотилась на тигра, как я его гладила и даже приударяла кулаком - не вошла в фильм. Эти кадры забраковали, так как в них попала рука Запашного, который держал тигра за ошейник. - На роль хмурого физика Сундукова пробовались несколько человек, - рассказывает актер Геннадий Нилов. - Я был в паре с Татьяной Конюховой, которая хотела играть Зою. Мне сказали "спасибо" и отправили обратно в Ленинград. Долго не было вестей. Я уже решил, что сыграть не суждено, и вдруг получаю телеграмму: "Поздравляю. Не бриться. Остаться дикарем. Оганисян". Телеграмма до сих пор у меня хранится. В Судаке мы долго загорали, обрастали бородами. Вещи для съемок - красивые трусы, шорты - с трудом достали у фарцовщиков. Жили в Крыму три с половиной месяца, друг к другу притерлись, сдружились. Режиссер разрешал нам импровизировать. Несколько сцен мы с ребятами сами придумали. Например, сцену, где мой герой надевает платок и представляется Зоей. Период съемок совпал с моим медовым месяцем. Жена Галина ко мне приехала, готовила для нас. Женя Жариков (он играл красавчика дипломата) позже стал крестным моего сына Алеши. (А сам Алеша Нилов впоследствии сыграет капитана Ларина в сериале "Улицы разбитых фонарей".) - Над моей бородой все смеялись: представьте, какая борода может вырасти в 21 год! - улыбается Евгений Жариков. - Я ведь в то время был студентом ВГИКа. А за появление в шортах, которые были нашей рабочей одеждой, нас все время забирали в милицию. Тогда считалось, что ходить в шортах - неприлично, заграницей отдает. Мне, Андрею и Гене выдали справки, где написали, что мы снимаемся в картине и имеем право ходить в шортах и носить бороду. На съемках "Три плюс два" к Андрею Миронову пришла первая любовь. "Это случилось с ним, как ни удивительно, уже в достаточно зрелом возрасте, - вспоминала мама актера, актриса Мария Миронова. - Наташа Фатеева... Когда они расстались, он страдал. Эпистолярный жанр почти исчез в наши дни - и Андрей тоже в основном звонил мне. Но иногда и писал. Почти все его письма относятся к периоду любви и расставания с Наташей. Он писал о своих чувствах к ней. И как писал... Я до сих пор отношусь к этой женщине с огромной нежностью..."

• в СССР за 1963 год фильм посмотрели 35 миллионов зрителей
• Камео режиссера фильма Генриха Оганесяна — это эпизодическая роль официанта, который прислуживает за столом в ресторане, где обедают Наташа и Вадим.
• поначалу картине присвоили вторую категорию (а это значит - небольшие ставки для актеров, нелучшие кинотеатры для премьеры). Потом по результатам проката дали первую, а актерам заплатили по триста рублей премии (по тем временам - большие деньги)
• снимали два варианта картины - для широкого экрана и обычный формат
• южные съемки заканчивали в ноябре. Актерам приходилось согреваться коньяком

По материалам рустрана.рф

«Матрица» — культовая лента, снятая тогда еще братьями Вачовски, стала ярчайшим кинособытием не только конца XX века, но и всей истории кинематографа в целом.
Но есть в нем еще что-то неуловимо-привлекательное, что заставляет пересматривать его даже спустя более десятка лет после премьеры. И каждый раз находить новые секреты.

Имя Нео (Neo) — это анаграмма слова «избранный» (one).Когда Нео получает выговор за опоздание, мойщик окон стирает мыльную пену с наружной поверхности оконного стекла в кабинете начальника своим скребком. Потеки на стекле сильно напоминают бегущие сверху вниз ряды символов, при помощи которых оператор наблюдает за Матрицей.Сами же символы на экранах компьютеров состоят из перевернутых букв, чисел и японских иероглифов письма катакана.
В комнате, где Нео ждет Оракула, по телевизору показывают гигантских кроликов. Так как Нео получил в начале фильма сообщение о том, что он должен следовать за белым кроликом, это символизирует то, что он на правильном пути. Также белые кролики отсылают нас к «Алисе в Стране чудес» Льюиса Кэрролла.Актер Уилл Смит отказался от роли Нео, чтобы сняться в фильме «Дикий, дикий Запад». Об этом решении Уилл сожалеет до сих пор.

Также на роль Нео рассматривали Джонни Деппа, Брэда Питта и Вэла Килмера. Но, после того как Килмер и Питт отказались, выбор встал между Деппом и Ривзом. В результате роль досталась Киану.

Внимательный зритель сможет заметить дату на одном из мониторов в самом начале фильма — 18 февраля 1998 года. Ближе к концу картины на экране высвечивается уже иная дата — 18 сентября 1999 года. Таким образом, события, описанные в картине, проходят в течение 19 месяцев.Жан Рено был близок к тому, чтобы сыграть роль агента Смита. Но отказался от роли, вместо этого сыграв в фильме «Годзилла». Роль Морфеуса была предложена Шону Коннери, однако он отказался из-за того, что совершенно ничего не понял в сценарии.
Имя Морфеус отсылает нас к Морфею — богу сновидений в древнегреческой мифилогии. В «Матрице» корабль Морфеуса называется «Навуходоносор» — от имени царя Вавилона. По преданию, этот царь пытался разобраться в смысле своих сновидений.

Надпись на борту корабля «Mark 3.11» обозначает номер стиха Священного Писания из Евангелия от Марка: «Нечистые при виде Его падали на колени и возглашали: Ты есть наследник Божий». В словах босса Нео в начале фильма скрыт толстый намек на будущие способности Нео: «Думаете, вы особенный, мистер Андерсон? И правила писаны не для вас?» Тринити означает «троица». Поэтому номер комнаты, в которой она находится в начале фильма, — 303.А номер квартиры Нео — анаграмма слова «оne» (первый, избранный, номер один) — 101.Изначально предполагалось получить $80 миллионов на постановку фильма, однако студия Warner Brothers выделила только 10. Получив деньги, Ларри (Лана) и Энди Вачовски решили полностью вложить их в первые десять минут фильма (сцена с Кэрри-Энн Мосс). Результат настолько впечатлил студию, что оставшуюся часть денег они получили без всяких проблем.В фильме «Матрица» главные герои используют мобильный телефон Nokia 8110.За первые 45 минут фильма исполнитель Киану Ривз произносит лишь 80 строк текста, 44 из которых — вопросы. Более того, впервые озвучить больше четырех предложений подряд ему позволили только в финальной речи, перед самыми титрами.Перед началом съемок «Матрицы» ведущие актеры тренировались целых 4 месяца, изучая основы восточных единоборств. Они не ожидали таких нагрузок и были полностью уверены, что для получения практических навыков хватит и нескольких недель.До начала съемок все актеры, занятые в главных ролях, и основные члены съемочной группы в обязательном порядке должны были прочитать книгу Жана Бодрийяра «Симулякры и симуляция». Эта книга является популярной критической теорией, пытающейся объяснить, где «реальность», а где, собственно, «симулякры» и «симуляция». Из нее же в начале фильма Нео достает компьютерный диск.Из фильма намеренно убрали голубой цвет, чтобы показать насколько мрачным является мир Матрицы.В одном из интервью Энди и Ларри (Лана) Вачовски признались, что предпочли бы синюю пилюлю, будь у них выбор, как у Нео.Съемки сцен с вертолетом чуть не привели к закрытию всего проекта, так как съемочная группа нарушила сразу несколько законов, пролетев на вертолетах через закрытое для полетов воздушное пространство Сиднея. Однако впоследствии законы были изменены, чтобы продолжились съемки фильма.В сцене «Женщина в красном», в которой Морфеус проводит Нео через компьютерную симуляцию Матрицы, было задействовано множество близнецов, чтобы создать иллюзию все время повторяющейся программы.Первоначально сцену, в которой Нео уклоняется от пуль, хотели снимать по старинке, используя манекенов и различные технические устройства. Однако, после того как было израсходовано несколько километров кинопленки и множество манекенов, было принято решение прибегнуть к компьютерной графике. Для этого была специально разработана новая компьютерная программа, которая после выхода картины в прокат стала объектом мечтаний для многих режиссеров высокобюджетных картин.Фильм «Матрица» занимает 14-е место в двадцатке лучших фильмов с 1992 года, по версии Квентина Тарантино, причем Тарантино заявил, что фильм занимал 2-е место в списке, но вторая и третья части, по мнению режиссера, «разрушили мифологию картины», поэтому фильм занял лишь 14-ю строчку в рейтинге.По материалам AdMe.ru

Одри Хепберн
Актриса, умерла в возрасте 63 лет в Толошеназе, Швейцария

• Я наполовину ирландка, наполовину голландка, а родилась в Бельгии. Если бы я была собакой, у меня были бы большие проблемы.
  
• Когда я была маленькой, у родителей на меня вечно не хватало времени. Шоколад был моей единственной любовью, и он ни разу меня не предал.
• Всю жизнь мама внушала мне, что человек должен быть полезным.
• Помню, когда я заболела бронхитом во время войны, мама говорила: «Как бы я хотела напоить тебя апельсиновым соком. Как бы я хотела достать для тебя молоко и яйца». Я думала: как приятно, что ей хочется меня побаловать. Но сегодня я понимаю, что значило для нее ложиться спать, не зная, чем она будет кормить меня на следующий день.
• В детстве меня научили, что привлекать к себе внимание и устраивать спектакли — признак невоспитанности. Ровно этим я и стала зарабатывать на жизнь.
• Я не красавица. Моя мама однажды назвала меня гадким утенком. Но если мои черты рассматривать отдельно, можно найти кое-что хорошее.
• В моей жизни были периоды, когда я ненавидела себя: я считала себя слишком толстой, слишком высокой, слишком обычной или слишком уродливой.
• Сексуальность — это что-то, что скрывается внутри женщины. Сексуальность подразумевается, а не выставляется на всеобщее обозрение. Я не могу похвастать формами Софи Лорен или Джины Лоллобриджиды, но ведь сексуальность — это не только размеры. Мне не нужна спальня, чтобы доказать свою женственность. Я могу быть сексуальной, просто срывая яблоки с яблони под дождем.
• Обожаю людей, которые меня смешат. Смех — мое любимое занятие, он способен вылечить от многих болезней.
  Я никогда не хотела развода. Терпеть не могу это слово: я вся сжимаюсь, когда его произносят. Я мечтала выйти замуж раз и навсегда.
• Серьги, которые дарит вам мужчина, расскажут все, что он о вас думает.
• Люди, даже больше чем вещи, нуждаются в том, чтобы их подобрали, починили, нашли им место и простили; никогда никого не выбрасывайте.
• Обязанность каждого человека — помочь детям, которые страдают. Все остальное — просто прихоти и баловство.
• Я верю, но моя вера не имеет отношения ни к какой религии.
• Мне очень понравилась книга «Завтрак у Тиффани», но я ужасно боялась, что эта роль не для меня: для роли Холли Голайтли нужен был экстраверт, а я интроверт. Мне было непросто на съемках, я сильно похудела и часто думала о том, как плохо играю.
• Моя самая большая победа в том, что я научилась жить с самой собой, принимать свои недостатки. Я далека от того, чтобы быть тем, кем я хочу быть. Но я решила, что я не так уж плоха в конце концов.
• Мне сложно видеть себя на экране: я буквально страдаю от этого.
• В Голландии, Бельгии, а потом в Англии самые счастливые моменты моей жизни всегда были связаны с деревней. Я обожаю природу, деревья, птиц и цветы. Я не городской житель, цемент наводит на меня тоску.
• Я была бы счастлива, если бы проводила выходные одна в своей квартире. Так я заряжаю свои батарейки.
• Что-то серьезно не так с теми, кто думает, что Одри Хепберн не потеет, не икает и не чихает. Я, кстати, икаю чаще их всех вместе взятых.
• Когда тебе некому приготовить чашку чая, когда в тебе никто не нуждается, вот тогда, я думаю, жизнь и заканчивается.
• Если уж совсем начистоту, я вынуждена признаться, что я все еще читаю сказки и люблю их всей душой.
• Чтение — мое любимое занятие.
• Косметика может украсить твое лицо, но она бессильна, если внутри ты уродлива. Если только ты не ешь косметику.
• Я слышала такое определения счастья: здоровье и короткая память. Я хотела бы быть его автором, потому что это правда.
• Я верю в маникюр, в кричащую одежду, в то, что на отдыхе тоже надо наряжаться и красить губы. Я верю в розовый цвет, в то, что счастливые девушки — самые красивые и что завтра будет новый день. Еще я верю в чудеса.
• Давайте признаемся себе в том, что старый добрый шоколадный торт помогает людям жить, мне он точно помогает.
• Те, кто не верят в чудеса, не могут называться реалистами.
• Мама всегда говорила: хорошие вещи не сваливаются просто так на голову. Бог щедр, но он ожидает, что вы выполните свои обязательства первыми.
• Некоторые люди мечтают о бассейне, я — о шкафе, и не одном.
• Успех — это что-то вроде долгожданного дня рождения, во время которого ты понимаешь, что совсем не изменился.
• Женщина может быть и красивой, и умной.
• Между длинной жизнью и хорошим ужином есть небольшая разница — на ужине десерт подают последним.
• Со временем ты понимаешь, что тебе даны две руки — одна для себя, вторая для того, чтобы помогать другим.
• Я бы никогда не беспокоилась о возрасте, если бы я знала, что меня будут продолжать любить и я буду любить тоже.
• Вот когда я снимусь в 70 фильмах, а зрители будут хотеть еще, тогда я поверю в то, что я звезда.
• Только самые решительные люди успешны.
• Выбери день и наслаждайся им. Прошлое научило меня ценить настоящее и я не хочу его портить беспокойством о будущем.
• Самое важное — это стареть достойно. А это невозможно сделать, если ты не сходишь с обложек журналов.
• Как прекрасно просто быть живым.

В истории XX века можно по пальцам пересчитать литературных персонажей, которые стали международными именами нарицательными. Шерлок Холмс, Тарзан, Джеймс Бонд… И Джон Рэмбо – неудержимый суперсолдат, который один стоит целой армии. Он появился на свет в романе Дэвида Моррелла и стал всемирно известным благодаря фильму, в 1982 году покорившему кинотеатры всех капиталистических стран. Как и роман, эта картина – одновременно напряженный боевик и трогательная драма – называлась «Первая кровь» (в России – «Рэмбо: Первая кровь»).
Подобно многим голливудским историям, история «Первой крови» началась за много лет до того, как режиссер Тед Котчефф впервые крикнул: «Мотор!» Положенный в ее основу роман был опубликован в 1972 году, но и это было не начало, а лишь веха в судьбе Рэмбо. По признанию Дэвида Моррелла, он впервые задумался о «Первой крови» в 1968 году, в разгар студенческих волнений в западных странах.Канадец по происхождению, Моррелл в то время как раз получил на родине диплом бакалавра английской словесности и перебрался в США, чтобы продолжить учебу и стать магистром и доктором наук. Будучи чужаком-иностранцем, он в волнениях не участвовал, но наблюдал их вблизи, параллельно смотрел по ТВ репортажи из Вьетнама и хотел как-то поддержать антивоенных бунтарей. Поэтому он решил написать роман о солдате, который возвращается с заморской войны и привозит ее с собой, «слетая с катушек» и устраивая бойню в провинциальном городке. Моррелл задумал показать, что война – это не веселое приключение и не добродетельная борьба со злом, а кромешный ад, разрушающий души воюющих. Также он намеревался продемонстрировать читателям, как ужасна война, когда она идет не за океаном, а у них дома, на заднем дворе. Моррелл хотел, чтобы американцы хотя бы ненадолго почувствовали себя вьетнамцами.
Это был первый роман Моррелла, и работа над ним продвигалась с трудом. Пока Моррелл корпел над книгой, он стал преподавателем, и среди его студентов нашлось немало ветеранов Вьетнама. Наблюдая за их поведением и слушая их рассказы о том, что они пережили в Азии и в США, Моррелл постепенно «настраивал» главного героя, изначально основанного на Оди Мерфи – известном всей Америке ветеране Второй мировой. Мерфи доблестно сражался, вернулся с ворохом наград, стал звездой вестернов и до конца своей сравнительно недолгой жизни (он погиб в авиакатастрофе в 1971 году в возрасте 45 лет) страдал от посттравматического синдрома. Который выражался в паранойе, привязанности к легальным наркотикам, приступам неконтролируемой ярости. И Мерфи не страдал молча. Он откровенно рассказывал о том, что с ним творилось, и боролся за улучшение системы реабилитации ветеранов.
Как-то раз во время работы над романом Моррелл перечитывал стихи Артюра Рембо и размышлял о короткой, но пестрой жизни этого поэта XIX века, который участвовал в восстании Парижской коммуны и служил наемником в Индонезии (в то время голландской колонии). Жена писателя в тот день купила яблоки популярного на востоке США сорта «рэмбо» (название этого сорта восходит к шведскому слову Ramberget, которое переводится как «Воронья гора»), и Моррелл счел, что это совпадение – знак свыше. Так главный герой его книги обзавелся фамилией Рэмбо и военным позывным «Ворон». Имя Джон, в свою очередь, было не только самым популярным в англоязычных странах, но и естественным именем для одинокого солдата. Ведь в США письма девушек, не дождавшихся парней из армии и объявляющих о разрыве, называют Dear John… («Дорогой Джон…»). Впрочем, это имя герой получил лишь в сценарии – в книге он был просто Рэмбо.Когда «Первая кровь» была завершена и отдана в печать, это было жесткое и жестокое произведение. Взорвавшись как бомба от издевательств полицейских, бродяга Рэмбо убивал и виновных, и невинных. Он буквально заваливал городок трупами и погибал в финальном столкновении с шерифом Тизлом (продолжив растительную тему, Моррелл назвал этого героя в честь колючего растения, которое в России известно как ворсянка). Ветеран Кореи Тизл, впрочем, тоже в финале отправлялся в морг. Из трех основных героев выживал лишь капитан Сэм Траутмен – начальник школы спецназа, в которой готовили Рэмбо (в отличие от фильма, в книге эти герои были едва знакомы). Намек писателя был прозрачен: ветераны приходят и уходят, а «дядя Сэм», то есть американский военный истеблишмент, выживает и продолжает отправлять молодых ребят на фронт. Будь то Корея, Вьетнам или какая-нибудь другая «горячая точка».
Почему для Моррелла было важно сделать Тизла ветераном? Во-первых, он не хотел бросать тень на всех ветеранов и утверждать, что каждый из них – граната без чеки. Поэтому важно было показать разных ветеранов, с разной историей и разным поведением. Во-вторых, Моррелл в книге отмечал, что Тизл отчасти понимает и сочувствует Рэмбо – это было бы невозможно, если бы шериф сам не побывал на фронте. В-третьих, Тизл еще и завидовал поколению Рэмбо, которое привлекало к себе всеобщее внимание, тогда как ветераны Корейской войны были в 1970-х почти забыты. Именно поэтому он не давал парню поблажек, когда узнавал, что тот служил.Захватывающий сюжет, агрессивное действие и антивоенный пафос – Голливуд это сочетание влекло сильнее, чем налоговые льготы, и «Первая кровь» быстро была куплена для экранизации. Однако орешек оказался твердым. Кто только не пробовал себя в написании сценария, кто только не претендовал на режиссерское кресло, кого только не приглашали на главную роль! Проект сменил пять студий, прошел через руки двух десятков сценаристов, об исполнении роли Рэмбо задумывались все звезды 1970-х, от Роберта Де Ниро до Джона Траволты. Но всякий раз находилось непреодолимое препятствие.
Как правило, потенциальные экранизаторы «Первой крови» спотыкались о чрезмерную жестокость книги. При переносе действия из романа в фильм Рэмбо представал террористом, не заслуживающим ни сочувствия, ни сопереживания. Те же, кого это не смущало, натыкались на то, что после завершения Вьетнамской войны антивоенная пропаганда уже была неактуальна, и зрители не хотели, чтобы голливудцы бередили начавшие было заживать раны.
Наконец, в самом начале 1980-х «Первая кровь» перешла в руки ливанца Марио Кассара и венгра Эндрю Вайны, владельцев созданной несколькими годами ранее независимой студии Carolco. Они купили проект по совету канадского режиссера Теда Котчеффа, который работал над «Кровью», когда ей занималась студия Warner. К тому времени упоминания Вьетнамской войны уже не встречались в штыки, а отношение к ветеранам было лучшим, чем в конце 1960-х, когда протестующие против войны называли их «убийцами» и встречали их как преступников. Так что партнеры решили, что время «Первой крови» наконец-то пришло – уже не как антивоенного фильма, а как кино о забытом ветеране.
Предыдущей картиной Марио и Вайны была военно-спортивная драма «Победа» (сюжетный аналог нашего «Матча», только о западных военнопленных, играющих в футбол с немецкими тюремщиками), и они сразу подумали о приглашении в «Первую кровь» Сильвестра Сталлоне, который в «Победе» изображал американского вратаря (кстати, одним из членов его «команды» был сам великий Пеле).Сталлоне в то время был в трудном положении. Он оставался всемирно известным, но ни одна из его картин, за исключением «Рокки» и «Рокки 2», не добилась существенного коммерческого успеха. Он не хотел казаться актером одной роли, и он жаждал воздать должное тем, кто воевал за Америку, но не был принят страной как герой. Поэтому он очень быстро согласился сыграть Рэмбо – с условием, что ему позволят переписать сценарий и создать такого героя, какого ему будет комфортно сыграть. Продюсеры и взявшийся ставить картину Котчефф не возражали. Они помнили, что сценарий «Рокки» принес Сталлоне номинацию на «Оскар», и они хотели, чтобы Рэмбо был больше похож на Рокки, чем на безжалостного маньяка.
Взяв за основу сценарий Майкла Козолла и Уильяма Сакхайма (самый удачный из множества написанных к тому времени), Сталлоне занялся смягчением образа Рэмбо. Он настоял на том, чтобы герой фактически никого не убивал (кидание в вертолет камня и скидывание машины с дороги трудно называть убийством) и чтобы Рэмбо казался своего рода наивным большим ребенком, взрослеющим только тогда, когда ему приходится выживать и сражаться. В свою очередь, продюсеры потребовали, чтобы в картине было побольше действия и поменьше разговоров. Эксперты по международным продажам, они хотели облегчить работу будущим переводчикам и режиссерам озвучания.Изменились в новом сценарии и Траутмен с Тизлом. Первый из отстраненного начальника превратился в «отца солдатам», который не только готовил Рэмбо, но и сражался вместе с ним. Второй, напротив, почти утратил свое ветеранство, которое ни разу не упоминается в картине. Внимательные зрители, впрочем, могут заметить военные медали в его кабинете и отметить, что в финале Тизл ведет себя не как полицейский, а как снайпер. Эти изменения были нужны для того, чтобы укрепить «сторону Рэмбо» и ослабить «сторону шерифа», гарантировав, что зрители будут болеть не за тех, кто пролил первую кровь, а за того, чья кровь была пролита. Даже если он будет вести себя как преступник.
Подбирая актеров на эти роли, Котчефф отдал шерифа актеру Брайану Деннехи, бывшему морпеху (он ухитрился отслужить в тот небольшой промежуток, когда Америка не воевала, но часто рассказывал, что был во Вьетнаме). Деннехи и Сталлоне уже снимались вместе в исторической социальной драме «Кулак», но там у Деннехи была куда менее значимая роль. Американский ирландец впечатлил режиссера своей импозантной внешностью и умением находить в роли оттенки, которых не было в сценарии.Роль Траутмена изначально была поручена знаменитому Кирку Дугласу, герою «Спартака» и многих других легендарных лент. Дуглас был готов сниматься, но у него нашлись претензии к сценарию, и когда создатели фильма отказались переписывать текст под диктовку звезды, он сбежал со съемок. Пришлось срочно искать замену, и новым Траутменом стал телевизионный актер Ричард Кренна, который вошел в образ буквально с колес, начав сниматься сразу после прочтения сценария.
Также в фильме снялся Дэвид Карузо, в то время начинающий исполнитель, а в будущем звезда сериалов «Полиция Нью-Йорка» и «CSI: Место преступления – Майами». Роль у него была не слишком важная (он играл одного из полицейских), но ярко-рыжий актер сразу обращал на себя внимание, и его коллеги между собой говорили, что парень далеко пойдет, если верно разыграет свои карты.
Поскольку Сталлоне, как уже говорилось, считался прибыльной звездой, лишь когда играл Рокки, найти деньги на «Первую кровь» оказалось непросто. В конце концов Марио Кассар просто воспользовался тем, что его крестный отец (самый обычный, не криминальный) был «шишкой» в крупном европейском банке, и он взял кредит в 18 миллионов долларов, пообещав крестному, что легко «впарит» фильм иностранным дистрибьюторам, как только сможет им показать нарезку из отснятых сцен. Это было весьма самонадеянно, но для продюсера это скорее достоинство, чем недостаток.В книге действие развивалось в штате Кентукки, но создатели фильма сочли, что съемки в Канаде обойдутся дешевле, и потому место действия было перенесено в северо-западный штат Вашингтон (привет, «Сумерки»!). Съемки же проходили чуть севернее, в граничащей с Вашингтоном канадской провинции Британская Колумбия, неподалеку от Ванкувера (кстати, в тех же краях, где десятилетия спустя снимались «Сумерки»). Американский городок под названием Хоуп («Надежда») изображал канадский городок под названием Хоуп, но с надеждой в нем было плохо. Местные лесопилки закрывались одна за другой, и горожане сидели без работы. Для голливудцев, правда, это было очень даже удобно, потому что чем депрессивнее город, тем дешевле в нем снимать и тем проще договариваться с жителями и властями. В свою очередь, лесные сцены создавались в провинциальном лесопарке Британской Колумбии «Золотые уши», который получил свое название в честь двух горных отрогов.
Хотя Британская Колумбия и расположена на севере Северной Америки, она славится своим мягким и теплым климатом. В ее густонаселенных районах среднегодовая температура составляет 12 градусов Цельсия, что делает ее самым теплым уголком Канады. Поэтому продюсеры «Первой крови» надеялись, что с намеченными на зиму съемками больших проблем не будет. Однако погода, в отличие от канадцев, отказалась сотрудничать с южанами. Почти каждый день шел либо дождь, либо снег, дул промозглый ветер, и температура порой опускалась до существенного минуса, особенно во время съемок в предгорье. И если члены съемочной группы могли одеваться по погоде, то Сталлоне приходилось бегать в кадре в джинсах и футболке. Остается только гадать, как он не заработал воспаление легких.Вообще, актер на 200% отработал свой гонорар. Он страдал от холода, носил импровизированный балахон из гнилой рогожки (костюмеры подобрали эту ткань на брошенной лесопилке и потом берегли ее как зеницу ока, потому что другой такой же у них не было), карабкался по скользким скалам, пробирался по настоящим подземным пещерам и отбивался от самых настоящих крыс. Правда, не лесных, а лабораторных – декораторы покрасили белых крыс в серый цвет.
Также Сталлоне выполнил три четверти трюков своего персонажа. Актер в то время был не настолько ценен, чтобы его держали как можно дальше от рискованных съемок. Естественно, не обходилось без травм. Так, при съемке падения Рэмбо на ветки деревьев Сталлоне сломал несколько ребер, потому что приземлился не животом, а грудью. Что ж, по крайней мере ему не нужно было изображать боль и суровое отчаяние, а публика видела, что в кадре звезда, а не каскадер.Прочим создателям картины тоже порой приходилось туго. Погода и горы были равно немилосердны ко всем, а в канадских лесах было так просто заблудиться, что членам группы запрещали далеко отходить друг от друга. При этом лес был затуманенным, мокрым и каменистым – отличное место для тех, кто хочет сломать ногу или разбить голову, но не для тех, кто хочет вернуться в Голливуд живым и здоровым.
Колоритные края, где снималась «Первая кровь», позволили многое в фильме сымпровизировать на месте. Например, тот же балахон Рэмбо или сцены в пещере. Однако были у голливудцев и домашние заготовки. Прежде всего, знаменитый нож главного героя, разработанный мастером из Арканзаса Джимми Лайлом. В фильме демонстрировалось лишь несколько его функций, но в этом ноже было все, что могло пригодиться для выживания, – от спичек до отвертки. Сталлоне так нравился этот нож, что он хотел им в кадре зарезать какое-нибудь крупное дикое животное, но канадские егеря посоветовали ему не связываться даже с кроликами, которые больно кусаются. А уж про кабанов или пум и речи быть не могло. В итоге в фильм была включена сцена охоты на кабана, но собственно убийство показано не было. Во избежание проблем как с животным, так и со зрителями.
С самого начала работы над фильмом главным драматургическим камнем преткновения были финальные сцены. В книге Рэмбо погибал, и многие полагали, что он должен погибнуть и в фильме (Голливуд предпочитает, чтобы злодеи, даже трагические и симпатичные, получали по заслугам). Сталлоне, однако, настаивал, что Рэмбо должен выжить. Ведь иначе получилось бы, что у сорвавшегося ветерана нет пути назад, а это был не самый подходящий «посыл» для людей, которые и так в депрессии. К тому же актер считал, что зрители будут только рады, если герой, которому они сопереживают, отправится в тюрьму, а не на кладбище.
Так и не сумев найти решение во время съемок, Котчефф снял два варианта финала – тот, в котором Рэмбо сдается, и тот, в котором он кончает жизнь самоубийством. Обе версии были проверены на зрителях во время предварительных показов, и реакция публики наглядно продемонстрировала правоту Сталлоне. Вариант с самоубийством был зашикан, а вариант со спасением встречен аплодисментами.Когда предварительный монтаж был завершен (рабочая версия ленты продолжалась три часа, но продюсеры настояли на сокращении до удобоваримых 95 минут), наступил момент истины. Картина была снята на кредит, который надо было возвращать, – в отличие от обычных, рисковых киноинвестиций. Будет ли Carolco жить? Сможет ли она продать фильм дистрибьюторам или обанкротится?
Студия не обанкротилась. Когда продюсеры представили картину международным дистрибьюторам, те пришли в такой восторг, что просмотровый зал превратился в филиал биржи. Все потрясали чековыми книжками и наперебой предлагали все более крупные суммы за право проката в своих странах. «Первая кровь» окупилась еще до того, как вышла на экраны, и Carolco отлично заработала, продав права на каждую страну в отдельности, а «сдав» их все оптом одной крупной компании.Прокатчики, впрочем, тоже не прогадали. Снятая за 14 миллионов долларов лента (на фильм были потрачены не все кредитные средства) собрала в мире 125 миллионов долларов. И это несмотря на то, что она вышла в прокат 22 октября 1982 года – в то время, когда обычно выходят не боевики, а претенденты на «Оскар».
В отличие от «Рокки», «Первая кровь» на награды не претендовала, и критики реагировали на нее по-разному: кто-то с восторгом, а кто-то с отвращением. Однако она оказалась куда более влиятельным фильмом. «Первая кровь» установила новую постановочную планку для реалистичного боевика (в отличие от фантастического или шпионского кино), мастерски соединила экшен с сантиментами, вдохновила независимые студии самостоятельно финансировать рискованные ленты, впечатлила ценителей великолепным финальным монологом Сталлоне о тяготах ветеранской жизни… И, конечно, подарила миру Рэмбо как персонажа и как символ душевной и трогательной, но все же смертельно опасной военщины.
В сиквелах, правда, этот герой был больше опасным, чем трогательным, и Сталлоне допустил, чтобы его полноценный и сложный персонаж превратился в экшен-карикатуру. Но даже сюжеты этих картин были выстроены так, что первую кровь (фактически или фигурально) в них проливали враги Рэмбо. Ведь, несмотря на всю свою историю провокаций и агрессий, Америка предпочитает видеть себя отвечающей на удар, а не бьющей первой. И ее любимые герои должны вести себя именно так – настаивая, что первую кровь пролили противники. Даже если ответная бойня была совершенно непропорциональной.
Так что, когда Рэмбо произносит слова про «первую кровь», он, в сущности, цитирует американскую военную доктрину. И есть своя мрачная ирония в том, что в «Первой крови» жертвами непропорционального ответа становятся представители американской власти. Как говорят в таких случаях в США, «цыплята вернулись на насест»!По материалам film.ru

Поначалу фильм планировался чем-то вроде доисторической бондианы – амбициозный выпускник нью-йоркской школы искусств Эдвард Саммер сходу написал шесть сценариев и был искренне уверен, что студия оторвет их с руками.
Подготовительная работа над фильмом началась ещё в 1977 году, но из-за множества разного рода проволочек к реальным съемкам приступили не ранее 1981 года.
В Голливуде толком не понимали, что делать с фильмом про Конана – в то время спросом пользовались фэнтезийные постановки вроде «Властелина Колец» Ральфа Бакши, но то были мультфильмы. А экранизация миров Ховарда означала большие затраты на производство, даже самая приблизительная смета которого уходила за отметку в $10 млн. (в результате бюджет фильма составил $20 млн), тогда как средняя стоимость фильма в те времена равнялась $8 млн.По этой же причине в корзину вслед за сочинениями Саммера отправился и сценарий Оливера Стоуна, предполагавший постапокалиптическое будущее, армию звероподобных мутантов-клонов, завоевание планеты и прочую непозволительную роскошь докомпьютерной эпохи. По сегодняшним меркам рукопись Стоуна была очень хороша: работая над сюжетом, он прочитал каждую книгу и каждый комикс о герое, выведя в истории потенциал десятисерийной франшизы. Но на тот момент продюсеры думали иначе, и в ход пошел сценарий Джона Милиуса.
Джон Милиус: Когда я прочитал сценарий Оливера, то наконец-то понял, что кто-то действительно хочет превратить «Конана» в фильм. На самом деле, я остался не в большом восторге от сценария Стоуна – там была отличная концепция, персонажи и чувствовался дух вселенной. Но армия мутантов? Нет, это мне точно неинтересно. Тогда я в срочном порядке прекратил работу над сценарием фильма «Половина неба» и сел писать свой вариант «Конана».Будущая лента с самого начала позиционировалась масштабным блокбастером – вакансия режиссера отошла Ридли Скотту, выстрелившему в то время «Чужим», а главную роль отдали успевшему обратить на себя внимание бодибилдеру Арнольду Шварценеггеру. Роли второго плана распределили между не менее колоритными культуристами – спутников Конана было поручено играть танцовщице Сандал Бергман и серферу Джерри Лопезу, а для работы над саундтреком продюсер Дино Де Лаурентис начал присматривать модные поп-группы.
Изнурительные тренировки длились год: актерам предстояло войти в отличную физическую форму, научиться управляться с мечом, держаться на лошади и выполнять каскадерские трюки.
В фильме Арнольд Шварценеггер выполнял все трюки сам, так как не нашлось дублера со схожим телосложением. Потому, в первый же съемочный день Шварценеггер оступился и здорово ударился головой о камни (в сцене погони с волками) – поговаривают, что до летального исхода не хватило совсем чуть-чуть, а Бергман едва не потеряла палец, фехтуя с Конаном.Удивительно, но для съемок в «Конане» даже Арнольду Шварценеггеру потребовалось немало времени на то, чтобы его физическая форма соответствовала всем требованиям режиссера, поскольку к тому времени Шварценеггер уже покинул соревновательный бодибиолдинг (в 1975 году) и успел сбросить вес. Однако, в итоге это сыграло ему на руку. Так как съемки «Конана» откладывались, подготовка к фильму позволила Арнольду достаточно быстро набрать нужную форму для своего неожиданного возвращения в бодибилдинг и завоевать в 7-й раз титул «Мистер Олимпия» 1980 года.
Джон Милиус: Если бы в моем фильме были бы звезды с раздутым самомнением, то я никогда бы не сделал того, что задумал. Арнольд – великий человек. Он очень дисциплинирован и близок к Конану в реальной жизни. Шварценеггер сам создал своего героя и свою карьеру – он усиленно работал, тренировался каждый день, постоянно повторял свои реплики – он был просто одержим ими! Сандал – танцовщица, поэтому ей было совсем несложно сосредоточиться на тренировках и заниматься часами. У Джерри же была выносливость и устойчивость к трудным ситуациям – вряд ли обыкновенные актеры смогли бы также.Но претензий не было ни у кого – съемочная группа понимала, что картина просто обязана быть успешной. К тому моменту уже Миллиус был постановщиком ленты – Ридли Скотт ушел снимать «Бегущего по лезвию» в самый разгар тренировок.
Поднявшись на борт, Милиус тут же начал диктовать свои условия: нет легкому сказочному флеру, нет примодненному попсовому саундтреку – музыка в фильме должна быть величественной и эпичной. Режисер пригласил сочинять оркестровку преподавателя Бэзила Полидуриса, с переменным успехом пробовавшего свои силы в кино. Написанные им симфонии в последствии стали классикой, разойдясь на бесчисленные цитаты.
О жестком и всегда предельно неуступчивом Джоне Милиусе в Голливуде ходят разнообразные легенды. Поговаривали, что на съемках «Конана» режиссер любил ходить в военной форме и с огнестрельным оружием. Последнее неудивительно, ведь Милиус является членом Совета Директоров Национальной стрелковой ассоциации США (NRA).А для того, чтобы костюмы героев выглядели более естественно, продюсер фильма Дино Де Лаурентис запрещал актёрам снимать их в перерывах между дублями.
Однако самым сложным эпизодом на съемочной площадке, как ни странно, оказалась любовная сцена между Шварценеггером и Бергман. Мало того, что для каждого из них это было в новинку, так еще и присутствующая на площадке толпа постоянно кричала что-то вроде «Кто-нибудь, прикройте Арнольду его хозяйство!», что явно не располагало к раскрепощенности.
Джон Милиус: Многим было тяжело работать со мной на площадке из-за моего очень упертого характера. Арнольд же, напротив, использовал восточный подход к работе: «Я – река, которую надо направлять. Я должен течь туда, куда мне скажут». При этом – он никогда не терял своей индивидуальности, а оставался Арнольдом и только им. Ни одна часть меня не стала Арнольдом – я просто говорил ему, что надо делать и как. Он напоминал мне Чарлтона Хестона. Я всегда говорил Арнольду: «Посмотри на Хестона – он невероятный». И действительно, если поглядеть на карьеру Чарльза и Арнольда, то можно найти много общего.Произведенный картиной фурор моментально вывел Шварценеггера в звезды и обрек «Конана» на продолжение. Милиус с самого начала планировал трилогию, но продюсеры решили смягчить рейтинг, чтобы дать сборам продолжения вырасти – в итоге, превратив сиквел в банальную беззубую сказку.
Джон Милиус: Я думаю, что у нас все было сделано со вкусом. Да, фильм все еще выглядит жестоким, но ведь дело не в крови. Если вы хотите увидеть ее, то увидите, разумеется, но она была нужна не для того, чтобы просто шокировать публику. Насилие должно быть видимым, но никак не подсознательным. Я всю жизнь делал жестокие фильмы и не вижу в этом ничего странного. У меня есть строгий моральный кодекс, которого я всегда стараюсь придерживаться. В этой жизни есть последствия для каждого действия и каждый платит свою цену за то, что он делает.В год своего выхода «Конан-варвар» получил множество негативных отзывов в прессе. Создателей фильма обвиняли в излишней жестокости на экране и чрезмерной «кровавости» отдельных сцен. Однако зрители остались в полном восторге, а Шварценеггер получил мировую известность. Фильм получил премию «Сатурн» и 8 номинаций. Кроме того, актриса Сэндал Бергман претендовала на «Оскар» за роль второго плана.
Фильм был выпущен на видеокассете 2 октября 1982 года. Уровень продаж оказался достаточно высок; с момента своего выхода Конан-варвар оказался в списке Billboard «Videocassette Top 40» (рус. 40 лучших фильмов на видеокассетах) и держался в нём 23 недели. Также Marvel выпустила комиксы по фильму, созданные по сценарию Михаэля Флейшера.Саундтрек, написанный Бэзилом Поледурисом, получил 2-е место в списке лучших саундтреков к фильмам 1982 года по версииFilms in Review, а в 2005 году номинирован American Film Institute (AFI) на внесение в список Лучшая музыка в американских фильмах за 100 лет по версии AFI. Также фильм оказался среди номинантов в список 10 лучших американских фильмов в жанре фэнтези по версии AFI в 2008 году, а главный герой был номинирован на внесение в список 100 лучших героев и злодеев по версии AFI в 2003 году.
Учитель фехтования из Китая в одной из сцен фильма — это реальный японский учитель фехтования, тренировавший актёров.
Руны на мече Конана гласят: «Чувство вины не мучает того, кто поднимает этот меч во имя Крома».Арнольд Шварценеггер номинировался на премию «Золотая малина» 1982 года за роль в этом фильме.
По словам режиссёра Дж. Милиуса для съёмок была использована почти точная копия музейного экспоната меча ландскнехтов весом в 60 фунтов (25 кг). Многие другие предметы оружия и снаряжения в фильме были выполнены в натуральном весе и виде, а не из пластмассы.
Джерри Лопес, исполнитель роли Суботая, в обычной жизни был серфингистом и приятелем режиссёра, который сразу определил, что на роль Суботая требуется «кто-то вроде Джерри». Когда ни один из кандидатов режиссёра не устроил, Милиус предложил попробовать самого Джерри. К большому удивлению всех, включая продюсеров, полный непрофессионал Лопес хорошо справился со своей ролью. В этом ему помогло личное увлечение историями о Конане. Все же ему пришлось 6 месяцев посещать актерские курсы, которые вел Мако (исполнитель роли Акиро).Короля Озрика изначально должен был играть не Макс Фон Зюдов, но планируемый исполнитель заболел. Хотя никто не верил, что знаменитый актёр согласится на небольшую роль в таком «несерьезном» кино. Зюдов согласился благодаря уговорам старшего сына (фаната комиксов о Конане) и из чистого любопытства.

По материалам fishki.net

Надеть чёрный балахон и остроконечный колпак может каждая, но превратиться в ведьму-икону стиля – задача посложнее.

Королева Зеркал («Братья Гримм»)

Моника Белуччи украсит собой что угодно, хоть обложку, хоть фантик от конфеты. Естественно, что роль ведьмы в шикарных средневековых платьях писана специально под неё! Она вытягивает из молоденьких девушек красоту и молодость. Что, в свете неувядающей внешности самой актрисы не кажется таким уж и невозможным…
В чем её секрет? Надо родиться Моникой Белуччи. Всё.Марик («Конан-варвар»)

Полный провал в прокате и негативные отзывы критиков – это мелочи. В конце концов, работа должна приносить, в первую очередь, удовлетворение, а уж потом – остальные бонусы. А если представить, какую работу проделали костюмеры и гримеры, чтобы максимально приблизить героев к персонажам компьютерных игр… Вот ведьма в исполнении Роуз Макгоуэн совершенна в своей натуралистичной чудовищности.
Секрет непередаваемой прелести? Нужно сбрить брови.Анжелика Бушар («Мрачные тени»)

Ах, сколько раз в кинематографе обыгрывали образ блондинки в обтягивающем красном платье! Главная ведьма – Анжелика Бушар в исполнении Евы Грин – в бартонизированных «Мрачных тенях» туда же. Впрочем, это не мешает ей выглядеть развращенно, утончённо и … в общем, отлично.
В чем секрет? Запомните, а лучше запишите: Джонни Депп и Тим Бертон. И красное платье с пайетками.Беллатриса Лестрейндж (франшиза «Гарри Поттер»)

Наверное, когда Джоан Роулинг придумывала персонаж Беллатрисы, она надеялась, что когда-нибудь её сыграет Хелена Бонэм Картер. Самая одержимая ведьма (или актриса?) современности
Её секрет? Седая прядка. И волшебная палочка. Наверное.Тиа Далма/Калипсо (франшиза «Пираты Карибского моря»)

Опаснее обманутой женщины может быть только обманутая ведьма… или богиня. Тиа Далма, в теле которой была заключена богиня с разбитым сердцем, выглядит безжалостной, ведёт себя соответствующе и ещё жутко стильная.
И благодаря чему она такая милая? Благодаря дредам, однозначно.Равенна («Белоснежка и Охотник»)

Шарлиз Терон в роли злой ведьмы, ставшей королевой – все помнят сказку о Белоснежке? – это удивительный выбор. И непонятный. Обладательница «Оскара», конечно же, с ролью справилась, и ведьма у неё получилась скорее королевой, чем исчадием ада.
В чём секрет? В металлической короне. И ещё осанка, осанка должна быть королевской.Клементианна («Белоснежка: Месть гномов»)

Несколько прокоммунистический опус о социальной революции в среде гномов и простолюдинов, но Джулия Робертс в роли очень злой, очень жадной и очень бессовестной королевы удивительно органична. Она уступает, конечно, Равенне в гламурности, но во многом обходит её в истеричности.
В чём же секрет? Корсет. И затяните потуже.Алиса («Ночной дозор», но особенно «Дневной дозор»)

К Тимуру Бекмамбетову можно относиться по-разному, но утверждать, что его «Дозоры» – однозначно позоры, – как-то бессмысленно и по-снобистски. Он умеет снимать, и даже из плохого актёра способен сделать вполне адекватный персонаж. Например, Жанна Фриске – третьеразрядная певичка, но очень красивая женщина. И ведьма Алиса из неё получилась великолепная. Но только благодаря Бекмамбетову.
Секрет этой ведьмы? Много шмоток и претензия в голосе.Белая ведьма («Хроники Нарнии»)

Тильда Суинтон прекрасна. Удивительная, броская, запоминающаяся внешность, недюжинный актерский талант и умение перевоплощаться – конечно, сыграть какую-то там ведьмы для неё проще простого! Даже если эта ведьма сражается с самым настоящим демиургом. Богом, то есть.
Её секрет? Глаза, которые темнее волос.Регина («Однажды в сказке»)

Сказочные сериалы, без сомнения, украшают жизнь. А ведьмы из этих сериалов – ну, или злые королевы, кому как больше нравится – определенно добавляют малую толику той самой загадочной субстанции под кодовым именем «полный фэшн» в жизнь рядовых телезрителей. Ещё бы, ведь над костюмами рейтинговых телешоу работают десятки профессионалов.
В чём её секрет? Брови, глаза и помада. И держите губы плотно сжатыми.По материалам true-lady.ru

— Дава, а шо Гута Изральевна?
— Здрасьте, тётя Ада. Умерла, еще до войны.
— До войны? А я собралась к ней в гости…
— Таки уже и не спешите.
© Ликвидация

«Кошмар на улице Вязов» — один из самых популярных «ужастиков» 80-х годов. Всего было 9 фильмов, включая ремейк оригинальной картины, а также телесериалы и серии художественных романов и комиксов. Создателем первого фильмов является американский режиссер. Главный герой фильмов — серийный убийца Фредди Крюгер, который мистическим образом вторгается в сны подростков, пытаясь таким образом их убить и тем самым отомстить родителям этих детей, убивших его много лет назад.

Таинственный потусторонний преступник проникает во сны подростков и убивает ребят. Пережить ночную встречу с ним удается лишь одной девушке, которая пытается разобраться в происходящем. Со временем она узнает, что ее саму и ее друзей преследует дух преступника, заживо сожженного их родителями за убийства детей. Когда героиня понимает, что злодей не отступится, пока не отомстит всем своим палачам, она звонит своему парню и предлагает ему дерзкий план. После нескольких бессонных ночей девушка решается заснуть – с тем, чтобы найти маньяка и, проснувшись, вытащить его из мира снов в мир людей, где его можно будет прикончить. Для этого, однако, необходимо, чтобы ее парень сторожил ее и разбудил в нужный момент. Свои инструкции она заканчивает словами: «Делай что хочешь… Только не спи» История американского хоррора похожа на детскую страшилку про гроб на колесиках. Чем дольше развивается жанр, тем ближе к зрителям оказываются монстры и маньяки. Сперва публику пугали чудовищами из далеких краев вроде Трансильвании и Египта. Затем «любимыми» монстрами Америки стали обитатели провинциального захолустья и мотелей на отшибе. Наконец, в конце 1970-х маньяки отправились терроризировать тихие, благополучные пригороды. Казалось, ближе подобраться было уже невозможно. Однако в 1984 году режиссер Уэс Крэйвен отправил гроб на колесиках в подростковые сны. Его «ужастик», заразивший немало юных зрителей бессонницей, назывался просто и жутко: «Кошмар на улице Вязов».
Уэс Крейвен начал свою профессиональную жизнь с преподавания в колледже, однако учить молодых ребят словесности ему быстро наскучило. Монтировать для них порно Крейвену было куда интереснее, и начало 1970-х он провел в порноиндустрии как монтажер и сценарист. Затем его друг продюсер Шон Каннингем (будущий постановщик «Пятницы, 13-е»), втянувший Крейвена в порнобизнес, предложил ему поработать над малобюджетным хоррором. В детстве Уэса, выросшего в ортодоксальной баптистской семье, не пускали в кино, и потому он понятия не имел, какие бывают хорроры и как сочинять для них сценарии. Когда он признался в этом Каннингему, тот сказал, что Крейвен должен придумать историю, которая бы напугала его родителей-фундаменталистов. Так родился «Последний дом слева» (1972) – режиссерский и сценарный дебют Крейвена в жанровом кино.
«Последний дом» неплохо прошел в прокате (для кино с крошечным бюджетом), и следующие десять лет Крейвен провел, перемежая работу в жанровом и эротическом кино. Затем в 1982 году он снял комиксно-супергеройскую ленту «Болотная тварь», та ничего толком не заработала… И в жизни Крейвена началась черная полоса. После года безработицы он потерял дом и жену и подсел на кокаин. Когда режиссер наконец выбрался из наркотической депрессии, он начал работать над новым хоррорным сценарием, который должен был вернуть его в профессию. Когда речь идет о фильме, основное действие которого развивается во сне, всегда подозреваешь, что сценарист почерпнул сюжет в собственных кошмарах. Но «Кошмар на улице Вязов» был придуман наяву. Крейвен вдохновился заметкой в газете L.A. Times о юноше из семьи эмигрантов из Камбоджи, который внезапно заявил родным: его преследует ночной кошмар и он боится, что если снова заснет, то умрет. Несколько дней он в самом деле провел без сна, а когда заснул, то посреди ночи заорал и умер, не просыпаясь.
Как это ни удивительно, у подобных случаев, которые периодически приключаются с выходцами из Камбоджи, Лаоса и Таиланда, есть научное объяснение. У некоторых людей из этого региона есть генетическое отклонение, которое может внезапно нарушить работу сердца у молодого и, казалось бы, здорового человека и сразить его наповал. Этот феномен известен с незапамятных времен, и традиционно считается, что юношей убивают потусторонние монстры. Есть, например, легенда о том, что такая смерть – «заслуга» духа ревнивой женщины, и потому мужчины из народности, где эта легенда бытует, порой ложатся спать в женской одежде, чтобы обмануть призрака.
Понятно, для Крейвена легенда о кровожадном мстительном духе была куда полезнее, чем рассуждения о генах и нарушениях работы сердца. Соединив восточную легенду с миром молодежных хорроров, режиссер придумал историю о маньяке-призраке, который после гибели от рук разъяренных горожан мстит своим убийцам, истребляя во сне их детей. При этом никто из взрослых не понимает, что на самом деле происходит. Когда подростки отказываются спать, их родители думают, что это лишь подростковая блажь.
Когда Крейвен рассказал свой сюжет Каннингему, тот сказал, что маньяк, живущий в ночных кошмарах, – это идея для детской сказки, а не для подросткового хоррора. Создатель «Пятницы, 13-е» полагал, что молодежь можно напугать лишь «реальными» убийцами. Хотя и, возможно, обладающими сверхъестественными способностями. Крейвен, однако, был убежден, что набрел на отличную идею, и он продолжил ее разрабатывать, хотя никто не обещал ему за нее заплатить. К тому времени молодежный хоррор был уже хорошо разработанным жанром, и Крейвену легко было придумывать подростков, которые погибают от рук маньяка и пытаются ему противостоять. Куда сложнее было изобрести по-настоящему жуткого убийцу. Не полагаясь на собственную фантазию, Крейвен сконструировал злодея из деталей, которые, по данным психологических исследований, вызывали у людей наибольший ужас или омерзение. В частности, маньяк получил перчатку с ножами, потому что в каждом из нас живет первобытный страх перед животными когтями, а его свитер был окрашен в красный и зеленый цвета, потому что это сочетание сильнее всего раздражает человеческие глаза. Имя «Фредди Крюгер» персонаж унаследовал от хулигана, который издевался над Уэсом в детстве. Ранее Крейвен использовал это имя в «Последнем доме слева», где одного из злодеев звали Фред, а другого – Крюг.
Традиция жанра предписывала, чтобы злодей носил пугающую маску и убивал молча, однако Крейвену такие маньяки были неинтересны. Режиссер хотел, чтобы Крюгер был полноценным персонажем с репликами и мимикой, а не просто «воплощением зла». Поэтому лицо маньяка было не скрыто под маской, а обезображено огнем (родители героев фильма сожгли убийцу заживо).Если эту традицию Крейвен нарушил, то другой он следовал до последней точки. Жанр требовал символической связи взросления и взрослого поведения юных героев с угрозой их жизни, и картина была наполнена мрачной фрейдистской символикой. Так, подруга главной героини в начале фильма погибала вскоре после занятия сексом, и сцена расправы над ней внешне напоминала изнасилование. В свою очередь, главная героиня, несмотря на наличие сексапильного бойфренда, оставалась девственницей до самого конца фильма. И ее выдержка, сила воли и присутствие духа позволяли ей одержать победу над маньяком, которого, казалось бы, было невозможно победить (как убить того, кто уже мертв и кто повелевает смертоносными кошмарами?). Таким образом, картина была одновременно феминистской и консервативной. Что, в общем, типично для идеологически двойственного Голливуда 1980-х.
Как и предсказывал Каннингем, первые попытки Крейвена продать сценарий «Кошмара» провалились. Студии, занимавшиеся хоррорами, считали идею ленты слишком детской, а, например, Walt Disney предложила переписать сценарий так, чтобы он и в самом деле стал страшной сказкой для малышей. Крейвен это предложение с негодованием отверг, но лучших у него долгое время не было. В какой-то момент сценарием заинтересовалась Paramount, но она не стала его покупать, потому что уже продюсировала схожий по основной идее фантастический хоррор «Побег из сна» (1984).Наконец, сценарий «Кошмара» попал в руки Боба Шея, главы маленькой независимой дистрибьюторской компании New Line Cinema, и тот не на шутку увлекся текстом. В отличие от коллег, Шей был согласен с Крейвеном в том, что хоррор об убийце из снов многих может напугать, поскольку все зрители – как взрослые, так и дети – видели жуткие кошмары и боялись, что они сбудутся наяву. Кроме того, у Шея не было особого выбора. Его компания, только-только начавшая продюсировать кино, балансировала на грани банкротства, и спасти ее мог только малобюджетный хит. Сценарии которых, как известно, на деревьях не растут.
Так как собственных средств у New Line Cinema почти не было, «Кошмар» оплатили частные инвесторы – те из них, кто продержался до конца и не бросил проект на полпути (обычное дело в таких ситуациях). Из-за нестабильного финансирования ленты бывали недели, когда съемочная группа не получала зарплату. В итоге половину стоимости картины оплатил продюсер югославского происхождения Джордже Зечевич, который, как позднее утверждал Шей, вкладывался в кино, чтобы сделать свою любовницу звездой. Финансирование «Кошмара», впрочем, было для него сугубо бизнес-проектом. Картина обошлась в 1,1 миллиона долларов – в полтора раза дороже, чем бюджет, который был сверстан в начале работы над «Кошмаром». До «Кошмара» злодеев в молодежных хоррорах часто играли каскадеры, и, подбирая актера на главную роль, Крейвен столкнулся с тем, что никто из приходивших на пробы не знал, как изображать кровожадного маньяка. Подобно коту Леопольду, актеры не могли в должной мере разозлиться и войти в образ садиста. Свет в конце тоннеля забрезжил, лишь когда на прослушивание явился Роберт Инглунд, декадой ранее претендовавший на роль Хана Соло в «Звездных войнах». Известный по роли мягкосердечного пришельца Уилли в фантастическом мини-сериале «V» (актер искал новую работу, чтобы продержаться в промежутке между съемками мини-сериала и последовавшего за ним полноценного одноименного телесериала), Инглунд не был внешне похож на убийцу. Обычно он играл «ботаников». Однако в его лице было что-то странное и пугающее, и он был готов играть маньяка не сдерживаясь, на всю катушку. Поэтому Крейвен отдал ему роль, хотя и надеялся найти кого-то покрупнее, пострашнее и с более жуткой физиономией. До Энглунда режиссер присматривался к британцу Дэвиду Уорнеру из хоррора «Омен».Среди фильмов всех жанров хорроры менее всего нуждаются в звездах. Такие фильмы порой только выигрывают от «незасвеченных» лиц, в которых зрители видят персонажей, а не актеров. Но жанр жанром, а финансы финансами – чтобы убедить хоть кого-то вложиться в «Кошмар», Шею нужно было продемонстрировать, что в картине готовы играть известные люди. Поэтому Крейвен отдал роль матери главной героини Рони Блейкли, номинантке «Оскара» за фильм Роберта Олтмана «Нэшвилль» и бывшей жене немецкого режиссера Вима Вендерса. В свою очередь, отца главной героини, полицейского лейтенанта Томпсона, сыграл Джон Сэксон из фильма с Брюсом Ли «Выход Дракона» и ряда других популярных в США фильмов и сериалов. Выбрав квоту знаменитостей, Крейвен на основные, подростковые роли нанял начинающих актеров и дебютантов. Самым популярным из них в дальнейшем стал Джонни Депп, который в то время еще был рок-музыкантом (когда его музыкальная карьера не задалась, его друг Николас Кейдж посоветовал Деппу попробовать себя в Голливуде). Хотя «Кошмар» был его первым появлением на экране, Крейвен доверил ему ключевую роль красавчика Глена, бойфренда главной героини.
Интересно отметить, что Депп явился на прослушивание вместе со своим приятелем Джеки Эрлом Хейли. Тот не получил роль в фильме, но много лет спустя сыграл Фредди Крюгера в ремейке «Кошмара» 2010 года. Бывают же совпадения!
Чтобы принять окончательное решение по поводу роли, Крейвен посоветовался со своей дочерью-подростком и ее подружкой. Когда он разложил фотографии потенциальных Гленов, девушки сразу указали на Деппа. И хотя Крейвену не нравилось, что парень выглядит немытым, бледным и болезненным и что он курит как паровоз, режиссер вынужден был согласиться с экспертами по юношеской привлекательности. До найма Деппа основным претендентом на роль был Чарли Шин, будущий герой фильмов Оливера Стоуна, однако его услуги слишком дорого стоили (так как он был не просто начинающим актером, а сыном знаменитого актера Мартина Шина). В то время как на роль Глена режиссер подбирал сексапильного парня, главную героиню Нэнси Томпсон, на взгляд Крейвена, должна была сыграть девушка, похожая на обычную старшеклассницу, а не на фотомодель. То есть юная, свежая, но не слишком ухоженная и «симметричная». Пробы на роль были открытыми, и в них участвовали две сотни актрис, среди которых были такие будущие звезды, как Дэми Мур, Кортни Кокс и Дженнифер Грей. Но Крейвен выбрал не кого-то из них, а Хэзер Лэнгенкэмп – дебютантку, которая происходила из влиятельной семьи (ее отец был «шишкой» в американской энергетике), училась в Стэнфорде, но вдруг решила пробиться на киноэкран. И пробилась – «Кошмар» ненадолго сделал ее жанровой звездой. В отличие от Лангенкамп, Хсу Гарсия – исполнитель роли Рода, бойфренда погибающей в начале фильма подруги Нэнси по имени Тина, – был в то время бездомным выходцем из семьи кубинских беженцев. Он выдавал себя за итальянца, снимался под псевдонимом Ник Корри, нюхал героин и даже снимался под кайфом. В частности, в сценах, где Роб оказывается за решеткой. Тину изобразила Аманда Уайсс, ранее сыгравшая небольшую роль в молодежной комедии «Беспечные времена в “Риджмонт-Хай”». Позднее она засветилась в первом сезоне «Горца». Действие картины развивалось в вымышленном городе Спрингвуд в штате Огайо, но съемки «Кошмара» целиком проходили в Калифорнии, в июне-июле 1984 года. По соображениям экономии гротескные сцены гибели Тины и Глена снимались в одной и той же декорации, которую можно было переворачивать вверх ногами (для тех фрагментов, где Тина ползает по потолку и где из кровати извергается поток крови). Режиссер и оператор были закреплены на потолке в сиденьях от гоночных автомобилей с множеством ремней безопасности. Всего на съемках было пролито почти два кубометра крови. Не вся она была искусственной. Так, перчатка с лезвиями, которую носил Фредди, ранила каждого, кто ее надевал (будь то Энглунд или каскадер), потому с ней на руке нельзя было сжимать пальцы в кулак, а люди делают это почти рефлекторно. Чтобы свести порезы к минимуму, в большинстве сцен «Фредди» ходил в перчатке, лезвия которой были затуплены. Острые ножи появлялись на площадке, лишь когда злодею нужно было что-то в кадре отрезать или разрезать. Грим Фредди также поначалу был испытанием для Энглунда. Гример Дейв Миллер часами и днями «колдовал» над актером, прежде чем придумал грим, который устроил режиссера, и Энглунд использовал это время, чтобы психологически «накачивать» себя и пытаться прочувствовать обозленного на весь мир маньяка.
В сценарии, с которым Крейвен начинал съемки, Крюгер был назван «насильником детей». Но так как в то время в Калифорнии расследовалось несколько громких дел такого рода, режиссер решил дистанцировать от них картину и объявить Крюгера «убийцей детей». Касалось это, впрочем, лишь событий, предшествовавших расправе над злодеем. После смерти Фредди убивал подростков в обоих вариантах сценария. Куда более существенным изменением сюжета было перекраивание финала. Крейвен хотел, чтобы лента окончилась на позитивной ноте: Нэнси побеждает Фредди, просыпается и обнаруживает, что вся эта история была лишь ночным кошмаром и что ее друзья живы-здоровы. Роберт Шей, однако, настоял, чтобы картина завершилась возвращением Крюгера – подобно тому, как была завершена «Пятница, 13-е» и некоторые другие известные хорроры. Крейвен яростно возражал, так как не хотел превращать «Кошмар» в сиквел. И хотя в итоге он подчинился продюсеру, он отказался работать над продолжениями ленты, когда она стала хитом.
Случилось это в ноябре 1984 года – Крейвен и его подчиненные спешили, чтобы успеть выпустить фильм в сезон Хэллоуина. «Кошмар на улице Вязов» вышел в прокат 9 ноября, и он заработал внушительные 25 миллионов долларов при окончательном бюджете в 1,8 миллиона (считая производственный бюджет и прочие траты). Удивительнее всего были восторги критиков, обычно холодно принимающих молодежные хорроры. Впрочем, картина в самом деле была сильнее типичного хоррора – глубже, причудливее, изобретательнее и ярче. Особых похвал удостоились Нэнси и Фредди – стоящие друг друга противники, которые были куда интереснее, чем обычные девушки и маньяки из голливудских слэшеровУспех «Кошмара» был столь значительным, что он спас New Line Cinema от банкротства и подарил ей прозвище «Дом, который построил Фредди». Следующий фильм цикла вышел уже в 1985 году, и «Кошмар на улице Вязов» вскоре превратился в один из ключевых хоррор-сериалов западного кино. Фредди Крюгер же стал любимцем зрителей – омерзительным, но также обаятельным мерзавцем с мрачнейшим чувством юмора, который обожает играть с жертвами и издеваться над ними на словах и на деле.
Среди нескольких цитат, которые подарил Америке «Кошмар», особо выделяется «Делай что хочешь… Только не спи» (Или «Что бы ты ни делал… Ни в коем случае не засыпай»), которая сейчас обычно используется в юмористических контекстах. Хотя ничего смешного в этих словах нет. Это едва ли не самое страшное, что говорится во всем «Кошмаре». Ведь, как справедливо замечают герои в другом месте, Фредди ловит жертв в безвыходную ловушку. Если они засыпают, они оказываются в его власти. Если же они стараются не спать, то они могут умереть от бессонницы. Так что спастись от Фредди невозможно – его можно лишь победить, сразившись с ним лицом к лицу
Именно этому, причем в большей степени, чем многие другие молодежные хорроры, учит зрителей «Кошмар». Не отступать, не сдаваться, рисковать жизнью ради друзей… Кто сказал, что хорроры – это лишь пустое развлечение, которое не способно дать подросткам ничего, кроме возможности безопасно испугаться? Как и другие жанры, хорроры могут давать зрителям уроки морали и истинных ценностей. А следовать этим урокам или и нет – это уже личное дело каждого, кто любит истории о гробе на колесиках, Фредди Крюгере и других вымышленных убийцах.По материалам blockvideo.ru

— Ну, ну кой черт занес Вас на эти галеры?
— А что мне делать? Маргарита Павловна ее не одобрила, вот и верчусь. В своем немолодом уже возрасте веду иллюзорную жизнь, хожу в кино на последний сеанс, три раза был в оперетте, теперь вот на катке. Один раз водил ее на лекцию. Она пошла по доброте своей.

©, Костик и Хоботов, "Покровские ворота"

Средневековый шотландец поднимает своих соотечественников на войну с английскими оккупантами и собирает большую армию. В день решающей битвы он обращается к своим солдатам с речью и спрашивает их, готовы ли они сражаться. Внезапно некоторые воины отвечают, что лучше сбегут и выживут, чем погибнут в бою с могучим противником. Тогда герой говорит: «Верно. Деритесь, и вы можете умереть. Бегите, и вы будете жить. Какое-то время. Но через много лет, умирая в своих постелях, вы будете готовы отдать все эти годы за возможность вернуться сюда и сказать врагам, что они могут отнять у нас наши жизни, но им ни за что не отнять нашу свободу!»Блокбастерное голливудское кино редко влияет на политику. Кто в Америке будет вкладывать миллионы в кино, которое раскалывает общество и будоражит людей? Но иногда невиннейшая на первый взгляд постановка запускает грандиозные политические процессы. И именно это случилось в Шотландии в середине 1990-х – историческая голливудская эпопея стала знаменем и боевым кличем для борцов за независимость страны. Ее постановщиком был Мел Гибсон, а называлась она «Храброе сердце».
Как и многие американские интеллектуалы, сценарист Рэндалл Уоллес окончил школу, университет и отучился год в семинарии (в отличие от многих голливудцев, он глубоко религиозен), имея лишь самое беглое представление об истории Шотландии, страны своих предков. Зачем изучать то, что совершенно бесполезно? Но когда его жена забеременела и Уоллес узнал, что у них будет сын, сценарист решил побольше узнать о своих предках, чтобы было что рассказать отпрыску о происхождении их семьи. Поэтому он купил билеты на самолет и вместе с супругой улетел в Эдинбург, чтобы поближе узнать Шотландию и ее обитателей.Осматривая городские достопримечательности, Уоллес обратил внимание на статую своего однофамильца Уильяма Уоллеса, установленную в Эдинбургском замке. На прикрепленной рядом с монументом табличке не было сказано, чем средневековый воин заслужил такую честь, и сценарист поинтересовался у стража порядка: «Кто такой Уильям Уоллес?» «Наш величайший герой», – ответил охранник замка. И в этот момент драматург решил, что должен что-нибудь написать о человеке, которого боготворят в Шотландии, но мало знают в других странах.
Средневековая история – это, как известно, в основном история титулованных правителей, «помазанников Божьих». Нужно было быть совершенно уникальным простолюдином, чтобы угодить в древние хроники, на одну страницу с королями и герцогами. И мелкий землевладелец Уильям Уоллес был членом этого узкого клуба, вместе с такими знаменитостями, как Жанна д’Арк и предводитель английского крестьянского восстания Уот Тайлер.Уоллес заслужил свое место на постаменте в Эдинбурге, когда в 1297 году 2300 шотландцев под его предводительством разбили в битве при Стерлинге многократно превосходящую по численности английскую армию. Восемь лет спустя Уоллеса предали его союзники, и он был по приговору короля Эдварда I повешен, обезглавлен и четвертован (так изощренно тогда наказывали за измену). Но зажженное им пламя не потухло, и в 1328 году Англия официально признала суверенность северной соседки. С шотландской стороны договор об этом подписал король Роберт Брюс – как некоторые полагают, один из тех аристократов, по чьей вине Уоллес окончил жизнь на плахе.
Хотя Уоллес – ключевая фигура шотландской истории, о нем мало что доподлинно известно. Самый подробный средневековый источник сведений о нем – сочиненная в XV веке эпическая поэма «Деяния сэра Уильяма Уоллеса, рыцаря Элдерсли». Но кто знает, как много поэт по прозвищу Слепой Гарри присочинил для красного словца или позаимствовал из чужих вымыслов? Поэтому, когда Рэндалл Уоллес взялся писать сценарий под названием «Храброе сердце», он не чувствовал себя обязанным тщательно изучить средневековую историю и включить в текст каждую мелочь, известную об Уоллесе. Ему были куда интереснее, например, параллели жизни воина с жизнью Христа, также погибшего из-за предательства и тоже не побежденного палачами. И Уоллес решил придумать фильм, который бы напомнил подросткам о подлинных, традиционных мужских добродетелях вроде беззаветной любви к родине, свободе и справедливости и готовности умереть, не склонив головы.«Паломничество» Уоллеса в Эдинбург состоялось в 1983 году, однако он лишь в конце десятилетия решился представить свой первый киносценарий на суд продюсера Алана Лэдда (до «Сердца» Уоллес зарабатывал сочинением для ТВ). Лэдд, прославившийся тем, что в середине 1970-х был главным союзником Джорджа Лукаса в борьбе за «Звездные войны» (студия Fox не раз порывалась закрыть этот проблемный проект), с 1985 года работал топ-менеджером в MGM. Он заинтересовался «Сердцем» и вскоре предложил главную роль Мелу Гибсону, только что ставшему голливудской звездой благодаря «Смертельному оружию».
В то время Гибсон не взялся за роль Уоллеса, но выбросить сценарий из головы актер не смог. В начале 1990-х Гибсон уже стал задумываться о режиссуре, и в течение следующих лет он не раз размышлял и прикидывал, как бы поставил ту или другую сцену. Тем временем Лэдд в 1993 году перебрался из MGM в Paramount, и «Храброе сердце» стало одним из проектов, которые он смог забрать с собой.В том же 1993 году Гибсон дебютировал как постановщик с подростковой драмой «Человек без лица». Актер, не имеющий кинообразования (во время учебы в Сиднее он изучал театр, а не кино), специально выбрал простую, камерную ленту, чтобы в своем первом фильме не нырять на профессиональную глубину. Когда же эксперимент оказался удачным и «Человек» был радушно принят критиками, свежеиспеченный режиссер счел, что готов взяться за куда более масштабную ленту. Поэтому, когда Лэдд вновь к нему обратился, Гибсон объявил, что хочет работать над «Сердцем», но не как актер, а как постановщик и продюсер.
Лэдд был не против этого, и он позволил Гибсону предложить роль Уоллеса молодому актеру Джейсону Патрику из «Пропащих ребят» Джоэла Шумахера. Студия, однако, наотрез отказалась вкладываться в историческую ленту о не слишком известном средневековом персонаже без суперзвездной физиономии на постере. Гибсону не улыбалась перспектива параллельно командовать грандиозными съемками и играть в фильме главную роль, но выбора у него не было – он к тому времени насколько сроднился с проектом, что уже не мог от него отказаться или передать его другому режиссеру.Даже с участием Гибсона продюсерам удалось «раскрутить» инвесторов «лишь» на 70 миллионов долларов. Это была колоссальная сумма по меркам предыдущих киноэпох, но в 1990-х ее было едва достаточно для задуманной постановки со средневековыми костюмами, внушительными массовками и несколькими масштабными сражениями. О приглашении других суперзвезд не могло быть и речи – их многомиллионные гонорары обескровили бы бюджет. Поэтому на ключевые роли Гибсон нанял хоть и известных, но все же не суперпопулярных (и супердорогих) европейских исполнителей, многих из которых «Храброе сердце» пропихнуло в Голливуд.Так, роль английского короля Эдварда I получил Патрик МакГуэн, пожилой американо-британский актер, известный по культовому английскому сериалу 1960-х «Пленник» и хоррору Дэвида Кроненберга «Сканнеры». Будущего шотландского короля Роберта Брюса изобразил шотландец Энгус МакФадьен (в дальнейшем – злодей «Эквилибриума» и герой «Пилы 3»), лучшим другом главного героя по имени Хэмиш стал Брендан Глисон (в последующем – один из ведущих ирландских актеров), а во французскую принцессу Изабеллу перевоплотилась будущая «девушка Бонда» из «И целого мира мало» Софи Марсо (в то время одна из самых успешных молодых парижских актрис). Правда, реальная Изабелла во время действия ленты была маленькой девочкой, но фильму нужна была хотя бы одна значимая героиня, и Уоллес-сценарист не постеснялся в этом вопросе (как и во многих других) отойти от исторической правды.
Собрав в фильме преимущественно английских, ирландских и шотландских актеров, Гибсон мог не волноваться о том, чтобы его подопечные говорили с убедительным гэльским акцентом. Одной головной болью меньше в картине, которая в остальном состояла из сплошной головной боли. По признанию режиссера, он за время съемок от постоянного стресса похудел больше чем на пять килограммов, хотя не следил за диетой и ел все съедобное, что только попадалось ему на глаза.
За воссоздание средневековой Британии в «Храбром сердце» отвечала большая команда (пять одних только арт-директоров!) во главе с художником-постановщиком Томом Сандерсом. Они шли по пути, уже проторенному сценаристом. То есть тщательно штудировали исторические материалы (в частности, средневековые иллюстрации и изображения на надгробиях), но не считали себя их рабами.Так, шотландские килты и британская военная униформа вошли в моду лишь в XVII веке, но они все же были использованы в картине, чтобы зрители легко могли различить солдат противоборствующих армий (в реальных средневековых сражениях, похоже, воины просто били тех, кто казался им незнакомым). По той же причине лица некоторых шотландцев, включая главного героя, были устрашающе раскрашены в стиле древних пиктов, не пустивших в Шотландию римские войска. В реальности эта традиция ко времени Уоллеса давно умерла.
Чтобы еще более подчеркнуть разницу между богатой Англией и бедной Шотландией, костюмеры использовали разные материалы, когда придумывали и кроили костюмы персонажей. Шотландских горцев одевали в простые наряды из дешевой кожи и меха, тогда как английские аристократы щеголяли в роскошных костюмах из шелка, бархата и камчи. Эти ткани, завезенные с Ближнего Востока во время крестовых походов, во времена Уоллеса как раз вошли в придворную моду.Ранние сцены фильма в основном создавались в Шотландии. Так, родная деревня Уоллеса была сооружена у подножья горы Бен-Невис, самой высокой на Британских островах (она возвышается на 1344 метра выше уровня моря), а интерьеры замка шотландского аристократа Морнэ снимались в здании Эдинбургского городского совета. Однако основная работа над картиной проходила в Ирландии, в окрестностях Дублина и на студии Ardmore Studios в городе Бри, в 20 км от ирландской столицы. Поскольку замки на севере Европы строились по схожим планам, декораторам не нужно было прилагать особых усилий, чтобы выдать ирландские средневековые постройки за сооружения английских и шотландских архитекторов. Для превращения руин в полноценные здания голливудцы использовали надстройки из крашенного под камень латекса, чтобы не повредить древние достопримечательности.
Почему Гибсон предпочел родину своих предков родине Уоллеса? Во-первых, Ирландия предоставляла щедрые льготы для снимавших на ее территории кинематографистов. Во-вторых, местная армия была согласна предоставить тысячи солдат для съемок батальных сцен, а режиссер отчетливо понимал, что ему нужны дисциплинированные статисты, которые не превратят съемки в настоящее побоище.Имея в своем распоряжении столь значительную массовку, Гибсон мог позволить себе снять даже более масштабные побоища, чем те, в которых сражался реальный Уоллес. Битва при Стерлинге, например, также известна как «Битва на Стерлингском мосту», поскольку шотландский полководец использовал переправу англичан через реку Форт, чтобы поодиночке разгромить разделившиеся английские отряды. Гибсон со сценаристом, однако, сочли, что такое «трусливое» сражение недостойно центрального места в их фильме, и битва при Стерлинге была переосмыслена как грандиозное сражение в чистом поле, снимавшееся на равнине между Ньюбриджем и Килдэром. Всего в этой экранной битве участвовало 3000 солдат и 150 лошадей (а также несколько бутафорских, механических коней для сцен, в которых животные погибают). Съемки продолжались шесть недель, и после их завершения Гибсону и его монтажеру Стивену Розенблюму пришлось смонтировать сражение из 90 часов отснятой пленки.
Перед началом работы над батальными сценами Гибсон проштудировал классические ленты со схожими фрагментами и пришел к выводу, что мало чему может у них научиться. Сражения из старых фильмов казались ему недостаточно жесткими и энергичными, а также слишком запутанными – во время просмотра трудно было понять, кто побеждает и какие маневры проводят полководцы. Поэтому в «Сердце» он старался учитывать ошибки предшественников и снимать так, чтобы кино захватывало даже знатоков средневековых баталий.По словам Гибсона, он ни за что бы не справился с этой задачей, если бы не его первый помощник Дэвид Томблин – многоопытный британский ветеран, работавший над циклом «Индиана Джонс», сиквелами «Звездных войн», «Суперменом» и многими другими эпическими лентами. Во время съемок байопика 1982 года «Ганди» Томблин организовал сцену похорон, в которой было занято 300 тысяч статистов (этот экранный рекорд был отмечен Книгой рекордов Гиннесса). И если Гибсон в «Храбром сердце» впервые руководил толпами подчиненных, то Томблин чувствовал себя в таком проекте как рыба в воде, и ему достаточно было одного взгляда на раскадровку, чтобы определить, сколько воинов должно попасть в кадр, чтобы показаться могучей армией, но не перегрузить бюджет. Также он был безупречным составителем реестров и расписаний, и команда Гибсона сравнивала его со строгим старшиной при талантливом, но «зеленом» лейтенанте.
Помимо организации грандиозных массовок Гибсон также сражался с погодой. Хотя «Сердце» снималось летом 1994 года, погода как в Шотландии, так и в Ирландии была скорее осенней, промозглой и дождливой. Когда однажды съемки посетил Ричард Доннер, постановщик «Смертельного оружия», теплолюбивому голливудцу пришлось надеть зимнюю куртку, чтобы не замерзнуть. Обычно режиссеры стараются переждать непогоду, но Гибсон быстро понял, что северные дожди нельзя переждать – их можно только игнорировать. Благо, что если ливень не хлещет как из ведра и действие не развивается в современном городе, где на дорогах хорошо видна каждая лужа, то зрителям трудно определить, идет ли в кадре дождь.Когда Гибсон наконец победил непогоду, расправился с батальными и диалоговыми сценами и во время монтажа ужал фантасмагорическое количество отснятой пленки до трехчасовой эпопеи, ему оставалась еще одна, последняя битва – с организацией MPAA, присуждающей фильмам американские рейтинги. К счастью, MPAA не слишком придирается к блокбастерам, поскольку живет на деньги ведущих голливудских студий. Поэтому для получения рейтинга «взрослого» R вместо изначально назначенного картине «порнографического» NC-17 Гибсону достаточно было слегка подсократить боевые сцены и эпизод казни Уоллеса, дабы сделать их менее садистскими.
Когда 24 мая 1995 года «Храброе сердце» вышло в прокат, оно было встречено неоднозначно. Критики и зрители восхищались постановкой как пафосным и эпическим историческим боевиком в лучших традициях жанра, и лента была удостоена десяти номинаций на «Оскар», пять из которых превратились в статуэтки («лучший фильм», «лучшая режиссура», «лучшая операторская работа», «лучший грим» и «лучший монтаж звука»). Знатоки истории, однако, без устали клеймили байопик как собрание очевидных ляпов – начиная с того, что действие картины запускается благодаря аристократическому «праву первой ночи» (Уоллес мстит англичанам за то, что они сделали с его женой), хотя это право – давно опровергнутый историками вымысел. Длинные перечни ошибок Гибсона и Уоллеса заставили со временем признать «Сердце» самой неточной масштабной исторической лентой (если, конечно, не учитывать постмодернистские комедии вроде «Всемирной истории» Мэла Брукса).Шотландцы, однако, искренне влюбились в фильм, воспевающий их героя и проклинающий английских завоевателей. Когда Гибсон приехал на шотландскую премьеру картины в Эдинбург, его встретили с такой же страстью, с какой в Москве некогда встречали Гагарина. Как уже говорилось в начале статьи, для шотландских патриотов «Храброе сердце» стало символом борьбы за независимость, а речь Уоллеса перед битвой при Стирлинге – боевым кличем противостояния с британской короной (противостояния мирного, но несгибаемого и с годами нарастающего). И если Шотландия в ближайшее время проголосует за отделение от Великобритании, то в этом будет заслуга Гибсона, Уоллеса и их коллег.
Откуда взялись будоражащие кровь слова о жизни и свободе? Не из учебников и не из книг об Уильяме Уоллесе. Хотя эта битва подробно описана в хрониках, ни одна из них не упоминает о напутствии перед боем, и вполне вероятно, что полководец без него обошелся. Но то средневековый воин – голливудский же герой должен был сказать что-нибудь пафосное, в духе риторических изысков американских экранных генералов, и потому Уоллес-сценарист сочинил монолог, который бы заставил его самого рвануться на английские мечи и стрелы. Вот почему эта сцена получилась такой убедительной – даже самый отстраненный от зрителей временем и пространством экранный момент может их захватить, если сценарист нашел в нем точку соприкосновения со своей душой. Или со своим патриотизмом.По материалам film.ru

На что вы готовы ради любимого человека?
В мировом кинематографе есть фильмы, которые оставляют после своего просмотра ощущение легкой грусти и, одновременно с этим, твердой убежденности в том, что все происходящее вокруг не лишено некоего потаенного смысла. Одним из таких фильмов является картина «Куда приводят мечты». Она вышла на широкий экран в далеком 1998 году.

В основу картины «Куда приводят мечты» был положен одноименный роман Ричарда Мэтисона, который увидел свет в одна тысяча девятьсот семьдесят восьмом году. Книга имела невероятный успех (как, впрочем, и большинство других произведений этого писателя) и затрагивала вопросы загробной жизни. При этом сам Ричард Мэтисон неоднократно указывал, что хотя все персонажи его романа являются вымышленными, теории о существовании потустороннего мира были им взяты «не на пустом месте».

Вместе с тем, сюжет книги был значительно изменен для нужд кинематографа. Так, к примеру, отдельные персонажи, присутствующие в картине, отсутствуют в оригинальном романе (в частности, образ так называемого проводника-Перевозчика). Да и сами главные герои подверглись значительной трансформации, а их биография претерпела существенные изменения: литературные Крис и Энни – это не врач-педиатр и талантливая художница, а голливудский сценарист и женщина, сменившая несколько мест работы.Режиссером картины «Куда приводят мечты» стал Винсент Уорд. При этом данная работа стала для него, в сущности, самой известной – ни до, ни после этого фильма Уорд не снял ничего более успешного и выдающегося. По мнению режиссера, лента «Куда приводят мечты» должна была иметь совершенно особенное визуальное оформление, ведь основная часть действия происходит в фантазийном загробном мире. В этих целях едва ли не весь фильм был отснят при помощи пленки Fuji Velvia. Эта пленка не так уж и часто применяется в кинематографе, поскольку отличается очень высокой цветовой насыщенностью. Тем не менее, учитывая особенности визуального воплощения сценария, именно это ее качество было крайне важно для создателей картины.Сами съемки начались летом 1997 года и продлились в течение месяца. Они проходили преимущественно на территории Соединенных Штатов Америки и, в частности, в таких местах, как Marin County, Alameda County, Glacier National Park и некоторых других.

Обстановка ада в фильме «Куда приводят мечты» была воспроизведена на ветхом полуразрушенном и изъеденном ржавчиной авианосце Essex-класса «Oriskany». Несколькими годами спустя (а именно – в мае две тысячи шестого года), это судно было затоплено в тридцати восьми километрах от побережья Пенсаколы (штат Флорида) для создания так называемого искусственного рифа.

Кроме того, отдельные «адские» пейзажи были созданы и в закрытом плавательном бассейне, расположенном на территории Военно-морской базы Аламеды. Бассейн специально был окружен синим экраном, чтобы впоследствии можно было доработать кадры фильма посредством компьютерной графики. При этом для создания визуальных эффектов картины было привлечено сразу несколько крупных студий, в числе которых были: Manex Visual Effects (MVFX), Pacific Ocean Post, ShadowCaster, CIS Hollywood, Digital Domain, Giant Killer Robots, POP Film и ряд других.Музыкальное сопровождение к фильму первоначально было поручено Эннио Морриконе. Однако впоследствии при монтаже и озвучивании картины создатели ленты решили отказаться от услуг этого прославленного маэстро. Какого-либо объяснения подобных действий не последовало, а композитором, чьей музыке в итоге было отдано предпочтение, стал Майкл Кэмен.Мировая премьера фильма состоялась в сентябре 1998 года. Картина произвела на зрительскую аудиторию довольно сильное впечатление, хотя и не смогла в полной мере окупиться в прокате – из потраченных на ее создание 85 миллионов долларов продюсерам фильма удалось вернуть немногим больше половины.

Тем не менее, достаточно скромные кассовые успехи не помешали картине заслужить высокие оценки со стороны профессиональных знатоков киноискусства и стать лауреатом нескольких престижных наград.В частности, «Куда приводят мечты» была номинирована на Оскар и получила эту высокую премию в категории «Лучшие визуальные эффекты».

Кроме того, Гильдия художников-постановщиков США также отметила картину вручением своей премии Art Directors Guild Award за выдающиеся достижения в области кинодизайна. При этом большинство авторитетных кинокритиков отнеслись к работе Винсента Уорда крайне благосклонно. Так, к примеру, Роджер Эберт оценил фильм в три с половиной звезды из четырех возможных и отметил, что при всех своих несовершенствах он служит ярким примером того, как посредством кинематографа можно воплотить самые невероятные и сказочные образы.

Также известный литератор особенно подчеркнул профессионализм актеров, задействованных в главных ролях картины, и назвал игру Робина Уильямса и Аннабеллы Шиорры «душераздирающей». Аналогичные восторженные отзывы прозвучали и от Джеймса Берардинелли на страницах ReelViews. Он отметил, что многие фильмы дают интерпретацию рая и ада, однако никогда прежде это не удавалось сделать с такой достоверностью и оригинальностью.Когда Крис Нильсен попадает в Небесный город, среди общего количества присутствующих там людей можно заметить Питера Пена и Мэри Поппинс.

Свое название фильм Винсента Уорда получил от фразы шекспировского Гамлета «What dreams may come», которая в русском переводе звучит как «Какие сны приснятся в смертном сне, когда мы сбросим этот бренный шум…».

Вымышленная могила Криса Нильсена расположена в калифорнийском Окленде на кладбище Mount View. В фильме специально была использована реально существующая надгробная плита некоей Анны Нильсен и ее мужа.

В числе людей, находящихся в библиотеке Небесного города, присутствует родная мать режиссера Винсента Уорда.

Оригинал фильма «Куда приводят мечты», предоставленный его создателями в видео хранилище «Юниверсал Пикчерз», был утрачен летом 2008 года во время пожара.В кадрах, где Энни пишет в своем дневнике, сидя на кровати, позади нее висит картина. Это полотно – репродукция триптиха нидерландского живописца Иеронима Босха, жившего на рубеже пятнадцатого и шестнадцатого столетий, под названием «Сад земных наслаждений». В этой работе художник изобразил бытие человечества, а также сцены из райской жизни и жизни в аду.

У фильма «Куда приводят мечты» есть и альтернативный финал, который в качестве своеобразного бонуса был предложен создателями картины при выпуске специальной версии DVD. Согласно ему Крис и Энни подверглись реинкарнации. Однако Энни, в силу необходимости искупить допущенный ею ранее грех, должна будет умереть в раннем возрасте. Тем не менее, оба любящих сердца вновь соединятся на небесах.Некоторые цитаты из фильма:

• «Я понял, что мешаю тебе. Не потому, что напоминаю о чем – то, просто я не оказался здесь, с тобой, я тебя бросил».
• «У каждого свой ад — это не обязательно огонь и смола! Наш ад — это жизнь впустую!»
• «Люди считают невозможным то, чего прежде не случалось».
• «Ты недолго за ней ухаживал. Родство душ. Бывает, хоть и крайне редко. Вроде сиамских близнецов. Всегда вместе».
• «Я нашёл тебя в Аду… В Нью-Джерси найду и подавно».
• «Думай обо мне, ведь мы с тобой всегда были вместе. Мы заканчивали фразы друг друга, помнишь?»
• «Хорошие люди заканчивают в аду, потому что не могут простить себя».

Фильм «Куда приводят мечты», без сомнения, можно отнести к числу самых трогательных фильмов о любви. Он пробуждает в своем зрителе только самые искренние чувства и, одновременно с этим, заставляет задуматься – а на что мы сами способны ради того, чтобы быть вместе с любимым человеком?

По материалам fishki.net

30 лет назад на экраны американских кинотеатров вышел фильм «Терминатор». Несмотря на мизерный рекламный бюджет и отсутствие на афише громких имен, картина благодаря хорошему сарафану стала хитом, собрав почти 100 миллионов долларов в мировом прокате.
За прошедшее время основные слагаемые успеха «Терминатора», особенности его сюжета, история создания и съемок неоднократно разбирались в огромном количестве источников. Но всё же к такой знаменательной дате будет не лишним вспомнить основные вехи из истории создания одного из самых значимых фантастических фильмов всех времен.
Идея «Терминатора» пришла Джеймсу Кэмерону во сне

По утверждению Джеймса Кэмерона, идея «Терминатора» впервые пришла к нему во сне. Во время съемок в Италии злополучного сиквела «Пираний», режиссер слег с лихорадкой. В одном из вызванных жаром кошмаров ему приснилось вылезающее из огня металлическое чудовище с ножом.

«Однажды мне приснился металлический скелет, выходящий из огня — человекоподобная конструкция, неуязвимая и бездушная, одержимая единственной целью — убивать, сметая всё на своем пути. Образ был настолько объемным и реальным, что я проснулся в холодном поту. Некоторое время я не мог прийти в себя от ужаса: прошло немало времени, прежде чем я осознал, что мне ничего не угрожает».

Проснувшись, Кэмерон немедленно зарисовал свое видение. Вернувшись в США, он решил, что этот сон станет основой для его нового проекта. Проблема заключалась в том, что в то время (как, впрочем, и сейчас) на нашей планете не существовало ничего подобного. Разумеется, можно было поместить действие сюжета в будущее, но Кэмерон, у которого в режиссерском послужном списке были лишь вторые «Пираньи», со съемок которых его с треском уволили, отлично понимал, что ему никогда не удастся раздобыть нужное для этого финансирование.Потому он и придумал путешествие во времени, как способ поместить увиденное им создание в наш мир. После этого он постепенно набросал и остальной костяк сюжета. Что-то он взял из своей личной жизни: первая жена Кэмерона работала официанткой, и многие говорят, что именно она послужила прототипом Сары Коннор. Какие-то элементы выкристаллизовались под влиянием работ его любимых авторов-фантастов: Филипа К. Дика, Ларри Нивена и Харлана Эллисона. Последний, кстати, позднее судился с создателями «Терминатора», обвинив их в плагиате, и в итоге удостоился неназванной суммы денег и туманной надписи «Признание Харлану Эллисону за его работы» в титрах картины.

Кэмерон продал права на «Терминатора» за 1 доллар

Когда первый сценарий «Терминатора» был закончен, Кэмерон обратился за помощью к Гейл Энн Херд — начинающему продюсеру, с которой они когда-то договорились совместно поработать. Они составили соглашение, по результатам которого Кэмерон продавал Херд все права на «Терминатора» за 1 доллар. Взамен она обязалась найти студию, которая будет согласна профинансировать фильм, и гарантировала, что Кэмерон при любых обстоятельствах станет режиссером фильма и сможет снимать его по своему усмотрению.Пусть Херд и не удалось заинтересовать проектом ни одну из крупных студий, но, в конечном счете, ей удалось уговорить руководство Orion Pictures заняться дистрибуцией фильма. Через некоторое время был найден и основной инвестор — продюсер Джон Дейли из Hemdale Pictures, согласившийся выделить на проект 4,5 миллиона долларов.

Лэнс Хенриксен мог сыграть Терминатора

Общеизвестно, что печально знаменитый спортсмен и актер О. Джей Симпсон одно время рассматривался студией в качестве основного претендента на роль Терминатора. Различные источники приводят также большие списки из имен тех, кто еще мог заполучить эту роль. В этих списках фигурируют также имена Мела Гибсона и Юргена Прохнов. Но всё же до появления Шварценеггера основным претендентом на роль Терминатора был Лэнс Хенриксен.Изначально Кэмерон задумывал Терминатора как небольшого человека, способного затеряться в толпе – что, в общем-то, логично, учитывая его концепцию, как машины, способной скрытно проникнуть в человеческое сообщество. В этом амплуа Кэмерон видел актера Лэнса Хенриксена, с которым он подружился еще на съемках сиквела «Пираний». Кэмерон даже сделал несколько скетчей с Хенриксеном в образе Терминатора.

Известно, что в день проведения переговоров с компанией Hemdale о финансировании фильма, Кэмерон попросил Хенриксена устроить небольшое представление: после того, как Хенриксена слегка загримировали, нанеся на лицо порезы и покрыв зубы золотой фольгой, облаченный в кожаную куртку актер буквально вломился в офис компании, чем изрядно напугал всех присутствующих. Впрочем, поскольку Кэмерон добился своего и получил финансирование, то можно сделать вывод, что Хенриксен старался не зря.Однако, согласившись выделить деньги на фильм, студия немедленно захотела, чтобы роль машины-убийцы исполнял более известный актер. Естественно, что и роль Риза также должна была достаться какой-нибудь набирающей популярность звезде.В итоге один из продюсеров предложил на роль Риза кандидатуру Арнольда Шварценеггера, который на тот момент уже был достаточно известен в США. Кэмерон был категорически против того, чтобы 35-летний австрийский бодибилдер играл 22-летнего Риза, и потому, направляясь на встречу со Шварценеггером, планировал устроить скандал, лишь бы не допустить, чтобы тот сыграл роль главного героя. К счастью, сам Шверценеггер при своем не слишком серьезном отношении к проекту, больше заинтересовался ролью Терминатора. Сам же Кэмерон, увидев Шварценеггера, мигом нарисовал скетч, где тот предстал в образе машины. Наверное, нет смысла рассказывать, что было дальше.

Истоки I’ll Be Back

На момент съемок Арнольд Шварценеггер только недавно получил американское гражданство и еще не очень хорошо говорил по-английски — впрочем, некоторые говорят, что с тех пор ситуация не слишком сильно изменилась. Конечно, у Терминатора в сценарии было не слишком много фраз, но у актера всё равно возникли определенные сложности с произношением. Особые проблемы у железного Арни были при попытке выговорить культовое «I’ll Be Back». Кстати, в съемочном сценарии эта фраза звучала как «I’ll Come Back» — история умалчивает, кто именно решил изменить ее на «I’ll Be Back».

Смотришь в окно и говоришь «I’ll be back»Как бы то ни было, Шварценеггер боялся, что не сможет правильно произнести фразу и предложил Кэмерону поменять реплику на «I’ll Back», мотивировав это тем, что «I’ll Be Back» звучит слишком «по-женски». Режиссер в ответ посоветовал Арни не учить его писать сценарии. В итоге Шварценеггеру пришлось всё же постараться и проговорить фразу без всяких запинок. В дальнейшем этот навык весьма пригодился Арни.Интересный факт: в фильме голос Шварценеггера в итоге прозвучал лишь в шестнадцати репликах, состоящих из чуть более семидесяти слов (в некоторых сценах Терминатор говорил голосами других людей). С учетом 750 000 долларового гонорара актера, это составляет чуть меньше 47 000 долларов за реплику, или где-то 10 000 за слово. Для сравнения, за сиквел, в котором Шварценеггер произнес целых 700 слов, он получил гонорар в 15 миллионов долларов — или в среднем 21 000 долларов за слово. Как говорится, профессиональный рост налицо.

Бюджет Терминатора составил всего 6,5 миллионов долларов

Бюджеты голливудских фильмов в первой половине 1980-х были намного меньше нынешних и в среднем сопоставимы с современной стоимостью 30-секундной рекламы в финале Суперкубка. Но всё же бюджет «Терминатора», который в итоге составил 6,5 миллионов долларов, был, мягко говоря, совсем небольшим для такого амбициозного проекта. Съемочная группа прилагала максимальные усилия, и экономила на всем, лишь бы уложиться в имеющиеся средства. Сразу после сцены взрыва бензовоза, в сценарии Кэмерона были прописаны следующие строчки:

Герои обнимаются на фоне пламени.
Это был бы чудесный финальный кадр фильма.

Продюсер картины Джон Дэйли был аналогичного мнения. Чтобы сэкономить денег, он предложил Кэмерону так и поступить — завершить картину сценой подрыва бензовоза. Ответ режиссера был прост и лаконичен: «Fuck you! The film isn’t over yet!» Правда, позже продюсеры всё же нашли способ поквитаться с режиссером, решив ограничить рекламный бюджет картины.В своей биографии Арнольд Шварценеггер вспоминал, как однажды рано утром режиссер приказал ему сесть в микроавтобус, после чего актера высадила на пустынной улице, дав следующие указания: «Видишь вон ту легковую машину? Она подготовлена к съемкам. По моему знаку подойдешь к водительской двери, оглянешься по сторонам, выбьешь стекло, откроешь дверь и сядешь за руль, заведешь машину и уедешь».

Как оказалось, у съемочной группы просто не осталось денег, чтобы, получить разрешение властей на съемки, потому пришлось снимать сцену таким «партизанским» методом.Другой интересный случай приключился во время съемки плана с уезжающим вдаль джипом Сары Коннор. Сцену снимали в пустынной местности, где не было ни одной живой души. Однако неожиданно для всех появилась полицейская машина, хозяин которой поинтересовался у киношников, где их разрешение на съемки. Ситуацию спас один из участников съемочной группы, который сказал, что помогает сыну снять «курсовой проект» для киношколы. Страж порядка проникся ситуацией и даже оказал группе помощь. В итоге отснятый в тот день кадр стал последним кадром фильма.

Вырезанный материал

В процессе работы над фильмом его сюжет постоянно дорабатывался. Какие-то моменты были добавлены, какие-то изменены, а от каких-то полностью отказались – например, от идеи того, что для поддержания органической оболочки Терминатору надо есть; или от подсюжета с напарником Риза, погибшим во время хронопортации.Но в целом же общая концепция картины осталась прежней. Тем не менее, во время монтажа Кэмерон принял решение вырезать из картины несколько важных для сюжета сцен, решив, что лучше будет придержать эти задумки для сиквела.
Так, в одной из этих сцен Риз с Сарой решают взорвать «Сайбердайн Системз», чтобы изменить ход истории и предотвратить войну. В другом изъятом эпизоде один из рабочих находит процессор уничтоженного Терминатора, а после того, как камера отъезжает от здания, мы понимаем, что события финала разворачивались на заводе «Сайбердайн системз». Как показала практика, это режиссерское решение полностью себя оправдало.

Кэмерон стал режиссером «Чужих» благодаря «Терминатору»

«Терминатор» очень тесно связан со следующим фильмом Кэмерона — «Чужие». Можно даже сказать, что если бы не «Терминатор», то известные нам «Чужие» вряд ли бы появились на свет.

Первоначально съемки «Терминатора» должны были стартовать осенью 1983 года в Торонто. Но из-за того, что продюсер Дино Де Лаурентис воспользовался лазейкой в контракте Арнольда Шварценеггера и смог перехватить актера для съемок «Конана-разрушителя», у Кэмерона в рабочем календаре образовалась непредвиденное девятимесячное окно. Чтобы не сидеть без дела почти год, он решил воспользоваться свободным временем, написав и продав какой-нибудь сценарий.Далее была встреча Кэмерона с Уолтером Хиллом и Дэвидом Гайлером. Стороны обсуждали совершенно другой проект, но в процессе беседы кто-то упомянул «Чужого», и вскоре Кэмерон уже договорился с продюсерами о том, чтобы попробовать написать тритмент для сиквела.Тритмент весьма понравился студии, и Кэмерон получил не только разрешение написать на его основе уже полноценный сценарий, но и неофициальное обещание поста режиссера в том случае, если «Терминатор» окажется хорошим фильмом. А «Терминатор», как известно, оказался не просто хорошей, а великолепной картиной, после просмотра которой студия решила исполнить свое обещание доверить канадцу сиквел культовой картины.Интересно, кстати, что в сценарии «Чужих» андроид Бишоп, сыгранный Лэнсом Хенриксеном (режиссер вернул актеру старый должок) сообщал, что плохой робот Эш из первого фильма был построен фирмой «Сайбердайн Системз». Интересно, если бы впоследствии Кэмерон не заменил название компании, мы бы читали сегодня новости о решении студии выпустить кроссовер «Терминатор против Чужого»?

По материалам kiri2ll.livejournal

Олег Янковский был удивительным актером, тонким, интеллигентным, обаятельным и потрясающе талантливым. Он был мастером своего дела и в любой роли необычайно убедительным. Ему невозможно было не верить, и не полюбить его было тоже невозможно.
Сегодня вспоминаем слова великого актера и мудрого человека, к которым стоит прислушаться каждому.

О работе

• Играть вполноги хороший артист просто не сможет. Это не связано с возрастом. Актер обязательно должен излучать энергетику. Ты выходишь на сцену — и начинают по-другому работать селезенка, печень, нервная система.
  
• Не эпоха определяет спектакль. Играется человеческая боль, а она в любые времена остается болью. Поэтому во фраке я играю Протасова или в джинсах «Полеты во сне и наяву» — темы приблизительно одинаковые.
  
• Я давно уже для себя решил: чем шире аудитория у артиста, тем больше он должен чувствовать ответственность за то, что делает.
  
• Я просто понял, что судьба меня ведет. Если что-то не складывалось — значит, и не надо было изначально. Никогда не мечтал ни о какой роли.
  
• Моя профессия — любить! Я не представляю себя без любви. Без любви в самом высоком значении этого слова в нашем деле невозможно.

О жизни

• Никогда не думал, что это так, но с годами понял: очень важен генетический код, то, что заложено в тебя предками, даже теми, кого ты не знаешь.
  
• Я никогда не «нагружаю» окружающих своими проблемами. Я их стараюсь скрыть.
  
• Если смот*реть толь*ко вниз, то можно за*мы*чать.
  
• В те времена девушки совсем другим брали…Нет, визуальные эффекты тоже были…все девушки очень красивые были. В цене всегда были чистота и огонь внутренний.
  
• Пофигизм не способен родить ничего созидательного.
  
• Вообще, жить с женщиной — это уже героизм. Создание семьи с одним человеком и на всю жизнь — это подвиг.
  
• Много на свете красивых женщин, но разрушать семью все же не надо.

О культуре

• В культуру надо вкладывать огромные деньги. Без этого ничего не будет. Бриллиантов у нас много, но никто не хочет браться за их огранку: черпаем ковшом и отдаем за две копейки. Глупо.
  
• Россия резко перешла от рабства к мнимым свободам. Мы гадим там же, где живем. В подъездах — грязь, в лифтах — моча. Наверное, такое отношение формирует наше крепостное мышление.
  
• Радует уже то, что в зале не видно хамов в малиновых пиджаках. Сегодня в театр ходят люди хорошо одетые, как правило, с хорошими манерами.
  
• Не всякое время может сформировать героя. Бывает ведь и безвременье. Сейчас, по-моему, безвременье. Вот и героя нет.

По материалам adme.ru

— Я задницей чувствую!..
— Это он задницей чувствует, а ты, Ваня, должен чувствовать головой!
© Гений

Джоди Фостер
Актриса, продюсер, режиcсер, Лос-Анджелес, Калифорния, США, 52 года

• Я ни разу не возвращалась со съемок домой в гриме. Мать как-то сказала мне: «Когда рабочий день заканчивается, ты заканчиваешь с работой». И с этим не поспоришь.
  
• Иногда я мечтаю о простой надомной работе — чтобы проводить вечера на диване, валяться с книгой и не чувствовать никакой ответственности за то, что будет происходить завтра. Но, слава богу, я никогда не думала над этим всерьез.
  
• Почему-то люди всегда удивляются, когда узнают, что я атеистка.
  
• Религия — это наука, изучать которую нужно обязательно. Ты должен знать, из-за чего ведутся все эти войны.
  
• Жестокость очень человечна и очень понятна. Но ни то, ни другое не делает ее допустимой.
  
• Я очень часто исполняла роли жертв, это правда. Но мне кажется, что вся мировая история женщин об этом и написана.
  
• Ты плохая мать, если ты полностью зависима от своих детей и во всем пытаешься их контролировать.
  
• Меньше всего я хочу знать, о чем говорят мои дети. Потому что я прекрасно помню, о чем в их возрасте разговаривала я.
  
• В любом возрасте гораздо интереснее проводить время с тем, кто старше или младше тебя — только не со сверстниками.
  
• Ни за какие деньги не вернусь в свои двадцать. Этот возраст полон опасений и страхов. А это то, с чем не стоит жить.
  
• Наверное, это очень страшно, когда твои дети стареют у тебя на глазах.
  
• Грустно, если ты провел детство, так толком его и не увидев.
  
• Моя мать вечно опаздывала, и в детстве это по-настоящему сводило меня с ума. Так что сейчас я всегда прихожу либо вовремя, либо чуть раньше. Как видите, воспитание детям иногда можно дать совершенно случайно.
  
• Я люблю европейское кино — ведь именно на нем я и выросла.
  
• Знание того, какими именно красками пользовался художник, и понимание его места в истории культуры не способны испортить тебе впечатления от его картин.
  
• Больше всего я люблю слушать режиссеров, рассуждающих о своих фильмах.
  
• Ответственность актера перед зрителем гораздо важнее, чем зритель может себе предположить.
  
• Быть понятым — не самая важная вещь в мире. По крайней мере, этого точно не нужно ни от кого ждать.
  
• Страх — эмоция номер один, которая заставляет наш разум прикладывать невероятные усилия, чтобы избавиться от него.
  
• Побеждать лучше, чем проигрывать. Хотя бы потому, что победитель всегда крепче спит.
  
• В твоей способности говорить «нет» именно тогда, когда этого хочется тебе, заложена по-настоящему невероятная сила. Я бы даже сказала — разрушительная.
  
• «Судьба» — очень удобное слово для тех, кто никогда не принимает решений.
  
• Это потрясающая комбинация: великий страх одиночества и отчаянная необходимость в уединении. Именно такое перетягивание каната мучило меня всю жизнь.
  
• Я бы хотела научиться вдохновлять себя сама.
  
• Нормальность — это не то, к чему надо стремиться. Это то, от чего надо бежать.
  
• Меня не смущают люди, которые быстро говорят. Если ты можешь быстро говорить — значит, можешь быстро думать.
  
• Это правда, мне действительно очень нравится Лос-Анджелес. Я выросла здесь, и теперь уже ничего не могу поделать с этой любовью. Это город, где многие проблемы ты можешь решить, просто отправившись на пляж — сыграть в волейбол или что-то типа того.
  
• Если когда-нибудь я сдуюсь, то я постараюсь сделать это так, как не делал еще никто другой.
  
• Я не помню, сколько будет восемью семь. Но я могу пересказать все, что вы мне сейчас сказали.
  
• Мне кажется, женщины здорово умнеют к сорока.

— А вы помните, что вчера товарища генерала за погон укусили?
— Не согласен. Что погулять мог — да. Цыгане, тем более. Мы должны иметь некоторый гражданский отдых. Но чтобы генерала, да еще за такое место — нет! Отставить! У нас субординация и выслуга лет! За мной!
© Дикий прапор, ДМБ

Марлон Брандо
Актер, режиссер, умер в Лос-Анджелесе, Калифорния, США, в возрасте 80 лет

• У МЕНЯ ВЗГЛЯД МЕРТВОЙ СВИНЬИ.
• В РАННЕМ ДЕТСТВЕ У МЕНЯ БЫЛ НОРМАЛЬНЫЙ ДОМ: отец, мать и две сестры, Фрэнсис и Джослин. Я обожал мать, ее красоту, обаяние, легкость. Однако это продолжалось недолго. Мать стала исчезать из дому. Однажды она вернулась домой пьяная, зазвала кошек в спальню и напоила их валерьянкой. Когда, опьяневшие, они легли вокруг нее, она заснула с таким благостным выражением лица, словно находилась среди лучших друзей.
• ЕСЛИ ЧТО И ВРЕДНО ДЛЯ ЖЕЛУДКА, так это смотреть, как актеры болтают о своей личной жизни по телевизору.
• ЕДИНСТВЕННАЯ ПРИЧИНА, по которой я задержался в Голливуде, — у меня не хватает смелости отказаться от денег, которые он предлагает.
• НЕ ИЩИТЕ СВЯЗИ МЕЖДУ размером ваших гонораров и силой вашего таланта.
• ОДНАЖДЫ МЫ СНИМАЛИ СЦЕНУ В ХРАМЕ, и один из монахов попросил у меня автограф. Вот скажите мне, зачем монаху автограф?
• В ЖИЗНИ ДОЛЖНА БЫТЬ ЛЮБОВЬ, нет другой причины жить. Люди не сильно отличаются от мышей, они рождены, чтобы выполнять те же функции, — продолжать род.
• С ЖЕНЩИНАМИ Я ПОСТУПАЮ ТАК. У меня есть длинная бамбуковая палка с кожаной петлей на конце. Я забрасываю петлю им на шею, чтоб они не сбежали, но при этом не приблизились слишком близко. Это, в общем, похоже на ловлю змей.
• ЧТО-ТО МЕНЯ МОЖЕТ, КОНЕЧНО, ВЗВОЛНОВАТЬ, но это никогда не длится более семи минут, ровно семь минут — это мой предел.
• ЕДА ВСЕГДА БЫЛА МОИМ ДРУГОМ. Каждый раз когда я хотел поднять себе настроение, я открывал холодильник.
• ЕСЛИ ВСЕ В ЖИЗНИ ХОРОШО — ЖДИ ПОДВОХА. Я покрываюсь гусиной кожей, если у меня все действительно идет хорошо.
• У МЕНЯ УШЛО НЕМАЛО ВРЕМЕНИ НА ТО, чтобы осознать что я звезда. «Трамвай «Желание» был уже пару месяцев в прокате — и тут, по чуть-чуть, до меня стало доходить. Как будто я все время спал и вдруг проснулся на куче конфет.
• БЫТЬ АКТЕРОМ — ЭТО ИДТИ НА ПОВОДУ у своего нервного импульса и вести жизнь бездельника. А вот поставить крест на карьере актера — это уже признак взросления.
• НЕ ЗНАЮ, ЧЕГО ЛЮДИ ОЖИДАЮТ от меня при встрече. Кажется, они боятся, что я помочусь на ладонь и шлепну их по заднице.
• КИНОЗВЕЗДА — ЭТО ЧЕЛОВЕК, сидящий на сахарном троне под проливным дождем.
• МНЕ КАЖЕТСЯ, ЧТО САМОЕ НЕПРИЯТНОЕ ЗРЕЛИЩЕ, которое только можно себе вообразить, — это пасть верблюда изнутри. Ну еще и девушка, поедающая осьминога или кальмара.
• ЗА СВОЮ ЖИЗНЬ Я ПОЗНАКОМИЛСЯ не с одним мафиози, и все они говорили, что им очень понравился «Крестный отец», потому что я сыграл свою роль с достоинством. Мне до сих пор не позволяют оплатить ни один счет в Маленькой Италии.
• У МЕНЯ ЕСТЬ ШРАМ ТУТ, шрам там, шрам на коленке и несколько шрамов на душе.
• Я НЕНАВИЖУ РОК-Н-РОЛЛ. Он ужасен.
• У МЕНЯ НЕ ПРОСТО ЕСТЬ ПРАВО на частное пространство — для меня это предмет первой необходимости.
• ПОМНЮ, ОДНАЖДЫ, В АПРЕЛЕ, я был на Сицилии. Жаркий день, кругом цветы. Я люблю цветы, те, что пахнут. Гардении. В общем, я поехал туда один. Плюхнулся в цветочное поле. Уснул — и был счастлив.
• КАК У МНОГИХ МУЖЧИН, у меня были гомосексуальные опыты, и мне за них совсем не стыдно. Если кто-то думает, что Джек Николсон и я — любовники, пусть продолжает так думать. Мне это кажется забавным.
• ЛЕОНАРДО ДИ КАПРИО похож на девочку.
• МНЕ ВСЕ РАВНО, ТОЛСТЫЙ Я ИЛИ НЕТ. Денег я от этого меньше не зарабатываю.
• Я ОДИН ИЗ ТЕХ ЛЮДЕЙ, КОТОРЫЕ ВЕРЯТ, что если будут хорошо вести себя в этой жизни, то попадут во Францию, когда умрут.
• АПЛОДИРОВАЛИ БЫ МНЕ ЛЮДИ, будь я хорошим сантехником?

Люси Лоулесс рост и вес

Новозеландская певица и актриса, получившая известность благодаря роли Зены — королевы воинов. Она не боится жизни и предпочитает попробовать что-то сама, испытать это на себе, а не удовлетвориться чьим-то рассказом. "Каждый человек хочет посмотреть мир, поэтому я и уехала из Новой Зеландии. И теперь я знаю, что это такое: я собирала виноград в Германии, гуляла по Парижу вместе со своим будущим мужем… По-моему, это естественно, когда живешь на самом краю земли»

Рост Люси Лоулесс 1,78 м, вес 60 кг.

Люсиль Фрэнсис Райан родилась 29 марта 1968 года в Новой Зеландии, в Мон-Альберте. Она была 5 ребенком в семье и старшей из двух дочерей. До 8 лет Люси была настоящим сорванцом, ни в чём не уступая четырём старшим братьям. Начальное образование получила в школе при монастыре, где проявила интерес к актёрской игре и принимала участие в многочисленных мюзиклах и пьесах. Окончив среднюю школу в 17 лет, Люси поступила в Оклендский Университет, но проучившись один год, она бросила учёбу и вместе со своим женихом Гартом Лоулесом отправилась путешествовать по миру. Чтобы прокормить себя, пара перебивалась мелкими заработками. Вернувшись, они устроились работать на золотой прииск вблизи Калгари в Австралии. В 1988 году поженились и скоро на свет появилась дочь. В 1989 Люси выиграла конкурс красоты и стала «Миссис Новая Зеландия 1989». Рекламные ролики сделали ее заметной и скоро она получила роль в комедийном шоу, а потом была телеведущей.

С 1995 по 2001 год, Люси работала над сериалом «Зена — королева воинов», который полностью изменил ее жизнь. Она развелась с мужем, а через несколько лет стала женой продюсера сериала и родила ему сына. После завершения съемок, Люси успешно снялась в нескольких фильмах, сериалах, была ведущей телешоу, выступала в мюзиклах и записывала сольные альбомы. Сегодня, она не менее популярна, чем на пике своей карьеры.