🎨«Ванвителлианская художественная галерея»

РОКÁЙЛЬ - Это Красиво !



Две купели с рокальными мотивами. Нимфенбургская фарфоровая мануфактура. 1760
Фотография: Wikimedia Commons / Public domain Рокайль — это декоративный элемент или орнаментальный мотив в архитектуре, который выглядит как стилизованная раковина или камешек. Иногда так называют стиль рококо. Слово «рокайль» происходит от французского rocaille, что переводится как «обломок камня, щебень, осколок раковины». От него же образовалось название «рококо». Орнаменты в виде раковин наиболее характерны для рококо — стиля, который был популярен в Европе в первой половине XVIII века. Он возник во Франции и особенно ярко проявился в живописи и декоративно-прикладном искусстве. Рококо отражало настроения аристократии перед Великой французской революцией: было романтическим, игривым, театрализованным. Авторы Большой российской энциклопедии отмечают, что рококо отличалось «лег*костью, шут*ли*востью и эле*гант*ностью фри*воль*но*го тол*ка, тя*го*те*нием к ка*мер*но*сти и ин*тим*но*сти». Впервые слово «рокайль» использовал ювелир и рисовальщик-орнаменталист Жан Мондон — сын в 1736 году. Он выпустил альбом гравюр «Первая книга форм рокайль и картель». Картелями называли узор, который напоминал рулон бумаги с надорванным краем. Ученые считают, что рокайлем раньше также могли называть любой выпуклый рисунок. Во второй половине XVIII века это слово часто употребляли в ироническом смысле как синоним слова «обезьянничанье». Такие примеры можно встретить в текстах философа эпохи Просвещения Жан-Жака Руссо, который негативно относился к стилистическим тенденциям начала столетия. Ученые связывают возникновение узоров и декора в виде раковин с павильонами с морскими мотивами, популярными в предыдущую эпоху барокко. Их стилизовали под царство древнеримского бога воды Нептуна, а стены украшали лепниной в виде раковин — символов божества. Рокайли отличались от похожих элементов периода Возрождения тем, что по форме напоминали сложный завиток и не были симметричными. Исследователи отмечали, что важным свойством этих элементов была их атектоничность — несвязанность с функциональными частями здания, декоративность. Рокайли встречались только как украшения. В России рокайли активно использовали во время позднего елизаветинского барокко, примерно в 1750-е годы. Этим элементом декорировали здания зодчие Франческо Бартоломео Растрелли, Дмитрий Ухтомский, Савва Чевакинский. Также рокайли украшают Екатерининский дворец в Царском Селе, над которым работал Растрелли. Во дворце ракушки встречаются, например, в позолоченном оформлении зеркал.

Японское искусство

Кейши Сакураи окончил Токийский университет искусств в 1999 году
по специальности Нихонга ( японская живопись ).

Для создания своих картин Кейши использует натуральные минеральные пигменты, каменную краску, натуральный камень и мездровый клей на японской бумаге.
Работы Кейси, изображающие сцены из Японии, Европы, Азии, вызывают нежное чувство безмятежности; зрители, рассматривая его работы, испытывают блаженное чувство умиротворения.
В настоящее время Кейши живет и работает в Токио.

Основные достижения

Cкрытый текст -

 

2002 — Yuga no Kai / Премия президента Японской ассоциации реабилитации
2003 — Выставка биеннале в Кавагоэ / Почетное упоминание
2004 — Sesshu no Sato / Главный приз
2004 — Конкурс Maeda Seison / Главный приз
2009 — Выставка Four Seasons Drawing Onomichi / Серебряный приз
2019 — Премия японской живописи Музея искусств Seed Yamatane
В настоящее время выпускники Японского института искусств.

Постоянные коллекции
— Министерство юстиции — Город Окаяма Соджа, Город Накацугава, Город Кавагоэ, Город Ономити, Япония
— Художественный музей Синсю Такато, Япония
— Художественный музей Сато Сакура, Япония

В японском стиле
Картины он написал
Очень красиво.

Гюстав Кайботт (фр. Gustave Caillebotte; 1848—1894) — французский коллекционер
и художник, представитель импрессионизма. Один из «отцов филателии».



Автопортрет

Гюстав Кайботт получил солидное состояние, что позволило ему заниматься живописью, не заботясь о продаже своих работ. У него также появилась возможность участвовать в финансировании выставок импрессионистов и поддерживать его коллег и друзей-художников (в том числе Клода Моне, Огюста Ренуара, Камиля Писарро и др.), покупая их работы, оплачивая аренду студии ( Клода Моне).
Длительное время репутация Кайботта как мецената была значительно выше, чем его репутация художника. Через семьдесят лет после его смерти историки искусства начали пересматривать его художественное наследие.

Кайботт завершил юридическое образование в 1868 году в лицее Людовика Великого и получил лицензию на практическую деятельность в 1870 году. Вскоре после этого он принял участие во франко-прусской войне. После войны Кайботт посещал студию художника Леона Бонна, где изучал живопись. В 1873 году Кайботт поступил в школу изящных искусств, но, по-видимому, учился в ней недостаточно серьёзно. В это же время Кайботт встретился и познакомился с несколькими художниками, работавшими вне рамок официальных французских академий, в том числе с Эдгаром Дега и Джузеппе де Ниттисом, и посетил первую выставку импрессионистов в 1874 году (но не участвовал в ней).

Дождливый день в Батиньольском квартале

Кайботт писал в стиле реализма. Как и его предшественники Жан-Франсуа Милле и Гюстав Курбе, а также его современник Дега, Кайботт хотел изображать реальность такой, как она есть и как он её видит, надеясь таким образом уменьшить присущую живописи драматичность. Он также разделял приверженность импрессионистов в передаче реальности. Кайботт писал много семейных сцен, интерьеров, и пейзажей в Йере, но наиболее известными его картинами стали полотна, посвящённые Парижу, как, например, «Паркетчики» (1875), «Мост Европы» (1876) и «Дождливый день в Батиньольском квартале» (1877). Эти полотна вызывали споры из-за их незамысловатого, зачастую очень простого сюжета и преувеличенно углублённой перспективы. Наклонная поверхность, общая для этих картин, является характерной чертой творчества Кайботта, возникшая под влиянием японской графики и новой технологии фотографии.

Фардье, 1880 г.



Мост Европы 1876 г.



Сад в Пти-Женвилье зимой, около 1894 г.



Восходящая дорога

Выполненная в 1881 году, данная работа является бесспорным шедевром в карьере Кайботта. Картина, изображающая модную буржуазную пару, прогуливающуюся по зеленой деревенской дорожке, представляет собой сложный синтез, состоящий из двух компонентов творчества художника. Это городские образы, которые автор создавал с 1870 года, и пейзажи садов следующего десятилетия. Уходящая вдаль дорожка разделяет картину на две части: архитектурное строение слева и дикая растительность справа.