Архитектура/Топиар/Ландшафтный дизайн

АРХИТЕКТУРА/ТОПИАР/ЛАНДШАФТНЫЙ ДИЗАЙН)

Топиар, или топиари (Topiary) – одно из старейших направлений садово-паркового искусства, которое заключается в многолетнем формировании декоративных форм из растений посредством выращивания деревьев, кустарников и полукустарников определенным образом и последующей регулярной стрижки для поддержания необходимого вида. Творения могут быть самыми разнообразными – геометрическими, абстрактными, архитектурными или изображать животных и людей.
Слово "topiary" имеет латинские и древнегреческие корни. С латинского "topiarius" переводится как "садовник", "topiaria" означает "садоводческое искусство", а латинское "topia" - "фреска с изображением ландшафта" (миниатюрный пейзаж). Древнегреческое происхождение связано со словом "τόπος" – "место". Принадлежность корней названия к столь древним цивилизациям дает понять насколько древнее само искусство декоративной стрижки деревьев.
Родоначальником топиарного искусства считается друг Юлия Цезаря и императора Августа, садовник Кней Матий, живший в I в. до н.э. и впервые представивший данный вид искусства публике. Первые письменные описания фигурной стрижки растений уходят своими корнями в Древний Рим. Римский консул Плиний Старший в своей работе "Естественная история", составленной примерно в 77 году н. э., и поэт Марк Валерий Марциал в своих эпиграммах описывали необычные подстриженные зеленые формы, увиденные в местных садах. В письмах Плиния Младшего (61–113 гг. н.э.) встречалось описание сложных фигур животных и птиц, надписей, инициалов хозяев или мастеров, создавших живое великолепие, обелисков, живых изгородей, которые украшали сады его тосканской виллы.
Несмотря на письменные свидетельства, многие историки считают, что мода на топиари пришла в Древний Рим из Персии и Древнего Египта, где люди отдавали предпочтение гармоничному сочетанию функциональности и внешней формы и активно применяли данный принцип в архитектуре и ландшафте. Тогда получили широкое распространение геометрические сады с фонтанами, прямыми дорожками, декоративными бордюрами и аккуратно подстриженными живыми изгородями и кустами.
За компанию с римскими завоевателями топиарное искусство покоряет и просторы Европы, осваивая новые зеленые ландшафты. Однако суровые средневековые времена позволяли мастерам художественной стрижки растений практиковаться в своем ремесле лишь на тех территориях, которые окружали сады монастырей и замки феодалов.
Спустя некоторое время, в эпоху Ренессанса, топиари получает новый виток в своем развитии. Тогда в Европе стали появляться роскошные сады с аккуратно подстриженными бордюрами, обрамляющими клумбы и дорожки, причудливые растительные лабиринты и целые зеленые комнаты, образованные высокими стенами из деревьев. Также были популярны растения, выполненные в форме шара, куба, пирамиды, конуса, спирали, изображающие людей, животных и другие затейливые фигуры. В Италии в те времена каждый уважаемый себя зажиточный хозяин считал своим долгом иметь изысканный сад, где обыкновенные кустарники превращались в зеленые часовни, колоннады и даже в созданных из листвы кардиналов.
К XVII столетию искусство топиар все больше развивается и набирает силу – тот век стал золотым для орнаментального садоводства. В этот период по заказу короля Людовика XIV был создан один из первых садов в формальном стиле - сад дворца Версаль, неподалеку от Парижа, автором которого стал архитектор Андрэ ле Нотр. Несмотря на то, что топиари в Версале были очень простыми: низкие изгороди, подстриженные в форме шара кроны деревьев, обелиски и т.д., у них было много подражателей, а их стиль много лет был примером для большинства европейских монархов. В Голландии же популярностью пользовались более сложные конструкции. Именно этот франко-голандский садоводческий стиль, предусматривающий создание настоящих шедевров топиарного искусства, после 1660 года распространился на территории Англии, где данное направление получило мощное развитие.
VIII век стал не самым благополучным для садово-паркового искусства топиар – в его адрес направлялись резкие протесты, папа Александр осмеивал и жестко критиковал его. Тогда произошло стремительное возвращение к естественным садовым пейзажам. Искусство фигурной стрижки подверглось гонению, многие сады в Англии даже были разрушены и сожжены. Много лет роскошные самшитовые фигуры и живые изгороди были забыты и обесценены, и только в XIX веке медленно начали проникать в сады и пейзажные парки европейцев. И, как оказалось, два совершенно непохожих стиля - фигурная стрижка топиари и естественный ландшафтный пейзаж очень даже хорошо уживаются вместе, формируя уникальные садово-парковые композиции. Конец XIX столетия стал толчком для возрождения исконно английских старых садов с фигурно подстриженными кустарниками, тисовыми изгородями и аккуратно подстриженными газонами. Так был зарожден стиль, в настоящее время считающийся исключительно британским.
Новый толчок топиарному искусству дало введение американского компактного стиля, предлагающего для создания зеленых скульптур использование проволочных каркасов. Впервые он был применен в Диснейленде примерно в 1962 году. Уолт Дисней использовал его для воссоздания героев мультфильмов по всей территории тематического парка. Этот стиль фигурной стрижки основан на создании определенной формы из проволочного каркаса, с помощью которого растения приобретают нужный вид. Данная техника позволяет мастерам воплощать в жизнь самые смелые идеи, а садоводам-любителям предоставляет прекрасную возможность самостоятельно поупражняться в топиарном искусстве. Каркасный топиари быстро приобрел большое количество поклонников и регулярно демонстрировался на различных художественных выставках, фестивалях и других мероприятиях на данную тематику.
Сегодня интерес к искусству топиар абсолютно не угас, более того, он существенно вырос и пользуется невероятной популярностью. Последние десятилетия образцы фигурной стрижки растений – обязательные гости международных выставок, посвященных ландшафтному искусству.
Садоводы выделяют два вида искусства топиари – традиционный и американский (каркасное топиари). Первый предполагает выращивание растения и последующее придание ему нужной формы. Американский вид требует использования каркаса на начальном этапе посадки. Данная техника функционирует в трех направлениях. Первое заключается в использовании каркаса, разделенного на составные части, что позволяет наполнить его внутренний объем мхом сфагнумом, постепенно скрывающим металлическую основу. В результате формируется зеленая скульптура, привлекательная на вид и ощупь. Периодически ее нужно подстригать. Во втором направлении к мху добавляется еще и торф, который будет отличной основой для выращивания других растений (вьющихся, цветущих и т.д.). Третье направление – еще проще. В данном случае рядом с проволочным каркасом высаживаются вьющиеся растения, стеблями оплетающие предложенную им основу. Фигуры с наполнителем необходимо регулярно поливать и удобрять.
Классический процесс создания зеленых скульптур и фигурных форм – трудоемкий и кропотливый, требующий многолетней неустанной работы. Выращивать будущие топиарные шедевры необходимо сызмальства, год за годом направляя их ветви и постепенно формируя крону, а затем поддерживать достигнутый результат регулярным подстриганием лишних ветвей и листьев. Самый короткий срок, за который можно вырастить небольшой топиар на анималистическую тематику, составляет 6-7 лет. Начинается создание будущего шедевра с посадки и удобрения растения стимулирующими подкормками, которые активизируют рост. На второй год можно приступить к формированию скелетных ветвей, и лишь спустя пять лет начнет обрисовываться силуэт будущего топиара. Оптимальный период для обрезки – вторая половина февраля-март, пока не началось сокодвижение. Небольшую стрижку можно проводить и во время роста побегов. Создание четких форм требует совмещения обрезки с прищипыванием быстрорастущих побегов, а также удалением мешающих правильному развитию почек.
Растения, наиболее часто используемые в топиарном искусстве, представляют собой вечнозеленые кустарники и деревья с небольшими листьями или иглами, производящие густую листву и характеризующиеся способностью к компактному или столбчатому (например, коническому) росту. Основные виды, традиционно применяемые для фигурной стрижки, включают в себя самшит вечнозелёный, тую, лавр благородный, падуб, представителей семейства миртовые, тис и бирючину.
Хотя сегодня для создания многих фигур используются проволочные каркасы, с помощью которых быстрее формируется нужная форма, традиционный вид искусства топиари считается наиболее почитаемым, поскольку нуждается в терпении и твердой руке мастера. Так используя богатый вековой опыт и различные современные технологии, можно создать непревзойденный оригинальный дизайн сада.

В этой теме размещаем картинки имеющие отношение к топиару/ландшафтному дизайну.
Под/над картинками размещаем (по возможности) письменные пояснения, которые имеют отношение к созданию или другие интересные факты связанные с местом создания, авторами и (или) сюжетом изображенного.
Размер не более 700 пикселей по горизонтали.
В одном посте публикуется 2-7 изображений.
Количество постов с работами от одного участника (в том числе подряд) не ограничено.

Принимайте поздравления!
Мира, добра, удачи и вдохновения!!

Все ландшафтные дизайны
Плод фантазии людей,
Что проникли в сущность тайны
Удивительных вещей.

В необычных очертаньях
Появившихся красот
Свет волшебного сиянья
Красоту им придаёт.

Попадаете невольно
В сказочный чудесный мир,
Где фантазии раздолье
Преподносит эликсир.

23 февраля 280 лет со дня рождения Ивана Егоровича Старова
(1745-1808), архитектора, основоположника русского классицизма.



С.С. Щукин портрет Ивана Егоровича Старова.

В 1758 г., после окончания гимназии при Московском университете, Иван Егорович поступил в архитектурный класс Петербургской Академии художеств. Первыми его учителями были Ж. Б. Валлен-Деламот и А. Ф. Кокоринов. В 1762 г. вместе с В. И. Баженовым будущий архитектор уехал в Париж, где продолжил занятия в школе профессора Шарля де Вайи. Затем с целью изучения античных памятников посетил Италию.

В 1768 г. Старов вернулся в Россию, а через год получил звание академика за проект здания Сухопутного шляхетского корпуса. В 1770 г. Иван Егорович был определён адъюнкт-профессором Академии художеств, где преподавал в 1769-1772 гг.

В 1772 г. Иван Егорович Старов был определён главным архитектором в «Комиссию о каменном строении Санкт-Петербурга и Москвы», в задачи которой, кроме вопросов связанных с работами в столицах, входило и регулирование строительства в других городах. В течение двух лет с участием архитектора решались вопросы застройки «погоревших мест» в Москве, Любиме и Порхове, и разрабатывались проекты планировки таких городов как Псков, Нарва, Великий Устюг, Воронеж.

О творческой зрелости Старова, как градостроителя свидетельствуют его проекты планировки Воронежа и Пскова в 1774 г. В этом же году Старов приступил к работе над реконструкцией Александро-Невской лавры в Петербурге. Архитектором была изменена планировка ансамбля, создана круглая в плане площадь перед въездом в лавру, выстроен большой Троицкий собор, (1778-1790), и ограда с надвратной церковью.

В 1770-1780-е гг. Старовым были созданы усадебные ансамбли близ Петербурга – в Тайцах, Сиворицах и Пелле.

В 1783-1790 гг. на левом берегу Невы, недалеко от Смольного монастыря, архитектором было возведено монументальное здание дворца для генерал-фельдмаршала князя Г. А. Потёмкина-Таврического. Перед дворцом была устроена гавань, соединённая каналом с Невой, на берегу которой находилась гранитная пристань. Позади дворца был раскинут пейзажный сад. Архитектура Таврического дворца была отмечена удивительной гармонией решения фасадов, объёмов и плана. Простота внешнего убранства лишь подчёркивала великолепие интерьеров. Старов создал классицистический тип дворца-усадьбы, применив особую композицию с основным корпусом и боковыми флигелями пристройками, вынесенными вперёд так, что между ними получался «почётный двор» — курдонёр.

В конце 1780-х гг. Старовым был выполнен проект дома Шереметевых в Москве – лучший образец его архитектурной графики. В начале 1790-х гг. архитектор много работал на Украине. С 1800 по 1808 гг. Иван Егорович стоял во главе строительного контроля при сооружении Казанского собора в Петербурге.

5 (17) апреля 1808 г. после тяжелой болезни Иван Егорович Старов скончался и был похоронен на Лазаревском кладбище Александро-Невской лавры.

Уже в первых крупных работах Старова можно отметить его композиционную изобретательность, последовательность и систематичность в разработке приёмов раннего классицизма. Влияние же барокко в работах архитектора незначительно и проявляется в том, что он не мог достигнуть полной выразительности классических форм. Постройки его всегда растянуты, а планы их сложны, как у большинства теоретиков этой эпохи. Среди лучших работ Старова - Таврический дворец, Свято-Троицкий собор в Александро-Невской лавре, Софийский собор в Софии, близ Царского Села.

Таврический дворец



Софийский собор



Софийский (Вознесенский) собор

Таврический дворец в Санкт-Петербурге



Прекраснейший Таврический дворец!
Изящная садовая ротонда,
разбег колонн и длинных галерей
поэт в архитектуре Старов сОздал.

И росписей настенных полихром,
художественные камины, печи,
простор двора и ширь - аэродром,
здесь романтичен музыкальный вечер.

Потемкинский дворец - красив фасад,
украшенный колонным барабаном.
И сени таинством влекущий сад,
гармонией чарующая странность.

Квартировал Конногвардейский полк,
а после заседала здесь Госдума,
собранья Учредительного воля -
здесь было многолюдно, тесно, шумно.

И кажется, средь портиков, колонн
легко шагает и сам князь Потемкин,
в Екатерину страстно был влюблен,
игрок и мастер таинств недомолвок.

Таврический дворец - красив ансамбль,
в нем слышится нам музыка барокко,
гармонией захвачен в плен ты сам,
в оковах красоты и теней рока.

Улекса фон Лу



Князь Потёмкин и императрица Екатерина II

♫ Придворные танцы эпохи барокко под музыку Генделя. ♫

Cкрытый текст -

 

23 февраля исполняется 340 лет со дня рождения немецкого и английского композитора эпохи барокко Георга Фридриха Генделя (1685-1759). «Гендель — величайший композитор из всех когда-либо живших. Я хотел бы преклонить колени на его могиле», — говорил Бетховен. «Он наш общий учитель», - утверждал Гайдн. «Гений Генделя велик как мир», — писал Лист. Уже при жизни он достиг вершин славы: Германия и Англия спорили за право считать его своим национальным гением; в Лондоне ему был поставлен памятник; в Париже продавался его портрет; в Англии и Франции его считали самым крупным оперным композитором, достойным соперником итальянцев, а в Италии называли «знаменитым саксонцем».

«Увидев Клода Моне в его саду, начинаешь понимать,
как такой великий садовник мог стать таким великим художником», —
напишет поэт-символист Гюстав Кан после своей поездки в Живерни.

«Лучше всего Моне раскрывает себя своим садом, который он высадил вокруг загородного дома.
Он создал его по тем же принципам, что и свои живописные полотна...
Каждый отдельный цветок вливается в общую гармонию красок», — писал Юлиус Майер-Графф.

Далеко не все знают, что Клод Моне был не только великим художником, но и великим садовником.
Однажды Моне проезжал на поезде мимо Живерни — небольшой провинции в окрестностях Вернона.
Красота спокойной живописной провинции пленила художника и влюбила в себя навеки.

И в 1883 году Моне поселился в Живерни.
Поглощенный любовью к цветам, растениям, он создает свой знаменитый сад,
который становится неиссякаемым источником сюжетов для его полотен.

Статуэтки Петра Клодта были высоко ценимы его современниками. Часть из них признана
произведениями искусства и включена в коллекции музеев, таких как Государственный Русский музей.
Скульптуры его авторства украшают Большой театр в Москве и Аничков мост в Санкт-Петербурге...

Петр Карлович Клодт родился в Петербурге (24 мая) 5 июня 1805 года в аристократической семье. Он окончил Артиллерийское училище в Петербурге. Некоторое время прослужив в чине офицера, в конце 1820-х годов вышел в отставку. Клодт решил целиком посвятить себя искусству.

Клодт не получил систематического художественного образования: в течение двух лет он учился самостоятельно, копировал современные и античные произведения искусства и работал с натуры. С 1830 года стал вольнослушателем Академии художеств.

Его упорство принесло свои дивиденды: с начала 1830-х годов большим успехом стали пользоваться его статуэтки, изображающие лошадей.

Затем последовал большой правительственный заказ на скульптурное оформление Нарвских ворот совместно с такими опытными скульпторами как С.С. Пименов и В.И. Демут-Малиновский.

В 1832 году скульптор получил новый правительственный заказ на выполнение двух скульптурных групп для украшения дворцовой пристани Адмиралтейской набережной. Клодт обратил внимание на проект перестройки Аничкова моста и предложил поставить скульптуры не на пристанях Адмиралтейской набережной или на Адмиралтейском бульваре, а перенести их на опоры Аничкова моста.

Клодт потратил на эту работу 20 лет своей жизни. Эта работа стала одной из самых известных работ скульптора.



Нарвские триумфальные врата. Кони работы П.К.Клодта



Памятник императору Николаю I на Исаакиевской площади в Санкт-Петербурге.



Конь с водничим. Эскиз первой группы Аничкового моста в Санкт-Петербурге. XIX век



Памятник И. А. Крылову в Летнем саду. Автор проекта П.К. фон Клодт

Статуи на Мосту святого Ангела в Риме

Ангел с копьём — в руках у ангела копьё, которым солдат умертвил Христа.
Надпись на скульптуре: Vulnerasti cor meum (Ты предавший сердце моё).

Ангел с крестом — в руках у ангела крест, на котором распяли Спасителя.
Надпись на скульптуре: Cuius principatus super humerum eius (Чье правление будет на плечах его).



Ангел с гвоздями — в руках у ангела гвозди, которыми был распят Христос.
Надпись на скульптуре: Aspiciant ad me quem confixerunt (И они воззрят на Него, которого пронзили).

Ангел с Терновым венцом — надпись на скульптуре: In aerumna mea dum configitur spina
(я согбен в моём страдании, в то время как шипы крепятся на мне).



Ангел с колонной бичевания — в руках у ангела фрагмент колонны,
к которой Христос был привязан во время допроса у Понтия Пилата.
Надпись на скульптуре: Tronus meus in columna (И престол мой на колонне).

Cкрытый текст -

 

♫ Child Of Sin ♫

Фонтан «Ночь»

Фонтан «Ночь» (также «Богиня Ночи») — фонтан, приобретённый и установленный Петром Ионовичем Губониным,
в парке принадлежавшем ему комплексе гостиниц в Гурзуфе в конце XIX века.
Главный элемент оформления парка, композиционный центр ландшафтной композиции ансамбля.
Памятник искусства регионального значения.
Расположен перед главным юго-западным фасадом корпуса «Парк» санатория «Гурзуфский».

Фонтан в стиле барокко представляет собой изготовленную из особой стали скульптуру древнегреческой богини ночи Нюкта,
стоящей на усеянном звёздами небесном своде в виде голубого шара, опоясанного, под некоторым углом,
золотыми знаками Зодиака и держащей в высоко поднятой руке факел.
Рядом с богиней стоят два путти с крылышками — бог сна Гипнос, и бог любви Эрос со стрелой в руке.
У ног Нюкты 4 фантастические золотые рыбы (в руках поддерживающих скульптуру фигур) изо ртов которых вверх били струи воды,
падающие в большие раковины гигантских моллюсков.
Композицию поддерживают 4 обнажённые человеческие фигуры в стиле барокко:
две кариатиды и два атланта, между которыми помещены античные маски.
Во все времена после установки фонтан являлся символом курорта, привлекая гостей Гурзуфа.

Судя по имеющимся свидетельствам, первоначально фонтан не имел собственного имени.
Утверждается, что в 1900 году его называют просто «Фонтан у 2-й гостиницы»,
в начале XX века — «Богиня Света» (встречается вариант «Свет»).
Со временем фонтан стал называться «Ночи», в некоторых источниках его называют «Богиня Ночь»

Широко распространена версия, что фонтан был приобретён Губониным в 1889 году на выставке в Вене,
берущая, по всей видимости, начало из изданной ещё в 1890 году книги доктора медицины Владимира Алексеевича Щепетова
«Гурзуф на Южном берегу Крыма и его лечебные средства»
Фонтан стал заметной достопримечательностью Южного берега Крыма.
Пионер русской цветной фотографии С. М. Прокудин-Горский не только снял его,
но и отобрал для серии почтовых карточек благотворительного выпуска общины св. Евгении в 1905 году.

Cкрытый текст -

 

♫ Богиня ♫
(навеяно воспоминаниями о пребывании на курорте с супругой в 90-х)

Взлет и падение архитектора Александра Витберга

26 января 2025 г. исполнилось 238 лет со дня рождения Александра Витберга (1787 – 1855) —
архитектора, художника, вятского ссыльного, по проектам которого в городе был построен
Александро-Невский собор, портал и ограда парадной стороны Александровского сада.



Александр Лаврентьевич Витберг. Акварель работы П. Ф. Соколова

Александр Витберг был человеком удивительной судьбы: обрусевший швед внезапно получил возможность построить самый грандиозный храм страны, но также резко лишился всего и был отправлен в ссылку, где, впрочем, невзирая на трудности, сумел оставить свой весомый след в архитектуре, искусстве, педагогике.

Шведская юность. Карл Магнус Витберг родился 15 января 1787 года в Санкт-Петербурге в шведской семье. Его отец, Лоренц (на русский манер — Лаврентий) Витберг, шведский бюргер, переехал с женой в Россию в 1779 году. Здесь он обосновался в столице и устроился на работу учителем в школе лейб-гвардии Преображенского полка. Молодой Карл начал обучение в Горном корпусе, но в 1802 году он поступил в академию художеств. С первых лет обучения у мальчика проявляется тяга к индивидуальности: он не любит копировать картины, предпочитая делать эскизы с натуры. Здесь он познакомился с Александром Лабзиным, вице-президентом Академии, а позже вступил в масонскую ложу «Умирающий сфинкс», Мастером стула которой являлся Лабзин. Витберг поражал всех своим талантом: он получил все малые и большие золотые и серебряные награды академии. После этого Витберга назначили на должность помощника мастера русской живописи профессора Г. И. Угрюмова для обучения в натурном классе.

Храм Христа Спасителя. В 1814 году был объявлен международный открытый конкурс на проект храма Христа Спасителя в Москве, задуманного Александром I ещё в 1812 году. Храм должен был увековечить великую победу в Отечественной войне, свои проекты на конкурс прислали многие видные архитекторы того времени. Собственный замысел долго вынашивал и Витберг, который на тот момент не только был 28-летним начинающим художником, но даже толком не занимался зодчеством.

«Восторженный, эксцентрический и преданный мистицизму артист читает манифест, читает вызовы — и бросает все свои занятия. Дни и ночи бродит он по улицам Петербурга, мучимый неотступной мыслию, она сильнее его, он запирается в своей комнате, берет карандаш и работает. Ни одному человеку не доверил артист своего замысла. После нескольких месяцев труда он едет в Москву изучать город, окрестности и снова работает, месяцы целые скрываясь от глаз и скрывая свой проект… Недели прошли, прежде чем император занялся планами. Это были сорок дней в пустыне, дни искуса, сомнений и мучительного ожидания», - .Александр Герцен «Былое и думы» .

На выставке «исполненный религиозной поэзии» проект никому неизвестного молодого архитектора Витберга (который, кстати, даже не был православным человеком на тот момент) поразил русского царя Александра I и выиграл первый приз. Сам монарх пригласил Карла к себе и после презентации проекта храма сказал: «Я чрезвычайно доволен вашим проектом. Вы отгадали моё желание, удовлетворили моей мысли об этом храме. Я желал, чтобы он был не одна куча камней, как обыкновенные здания, но был одушевлён какой-либо религиозной идеей, но я не ожидал получить какое-либо удовлетворение, не ждал, чтобы кто-то был одушевлён ею и потому скрывал своё желание. И вот я рассматривал до 20 проектов, в числе которых есть весьма хорошие, но все вещи самые обыкновенные, Вы же заставили камни говорить». В тот же день проект был утвержден и Витберг назначен архитектором храма, а также директором комиссии по строительству.

Всё, как всегда. Следует заметить, что перед началом строительства Витберг самостоятельно произвел точный экономический расчет и составил смету строительства, причем он подсчитал средства очень экономно и спланировал их рациональное освоение. Первые шаги в создании храма действительно были очень удачными: удалось нанять большее, чем планировалось, число рабочих за ту же цену, наладить поставку строительных материалов. Однако позднее началось злоупотребление и расхищение средств. Семь лет строительство протекало вяло, а под конец и совсем остановилось. Выяснилось, что миллион рублей из денег, выделенных на возведение храма, расхищен.

После смерти Александра I императором стал Николай I. По официальной версии, из-за ненадёжности почвы работы остановили. Руководители строительства, в том числе и Витберг, были обвинены в растратах и хищениях и отданы под суд. Судебное разбирательство затянулось, в 1835 году суд постановил оштрафовать обвиняемых на миллион рублей. За злоупотребление доверием императора Витберг был сослан на неопределенный период в Вятку. У него конфисковали имущество, одновременно во время суда над Витбергом умерли его первая жена и отец. Многие современники считали наказание несправедливым: Герцен, например, полагал, что Витберга просто подставили матерые коррупционеры и нечистые на руку сановники. Казначей комиссии сооружения храма Христа Спасителя В. Берг указывал, что Витберг «оказался виноватым, будучи человеком редкой, высокой честности, который, конечно, не посягнул бы ни на одну казённую (да и никакую) копейку».

Ссылка в город Вятка.К чести вятского общества нужно сказать, что оно с уважением относилось к ссыльному архитектору, сумело оценить его талант и дало возможности для самореализации. В 1836 году Витбергу предложили составить проект ворот и решетки городского сада, названного в честь посетившего Вятку в 1824 году императора Александра I и открытого в день его рождения 30 августа 1835 года. Это единственное сооружение Витберга, к счастью, и сейчас украшает городской сад.

В 1824 г. в память пребывания императора горожане задумали соорудить храм в честь Святого Благоверного князя Александра Невского. Было решено строить храм посреди обширной Семеновской площади. Типовой проект, предложенный губернатором К. Я. Тюфяевым, был отвергнут вятским обществом. В итоге приняли решение строить храм большего размера и по особому, оригинальному авторскому плану. Городской голова В. К. Аршаулов внес на рассмотрение думы карандашный рисунок архитектора Витберга. Этот эскиз был единодушно и с восторгом одобрен. Попросили Витберга переложить рисунок в детальный проект. Идея о сооружении нового храма в память императора Александра была принята Витбергом с большим воодушевлением, архитектор по праву считал покойного государя своим другом и покровителем. 28 октября 1839 года Витберг сообщил комитету, что чертежи плана, фасада и разреза храма готовы. Комитет рассмотрел эти чертежи и 8 марта благодарил архитектора в самых лестных выражениях за его труды.
В сооружении храма проявился весь гений зодчего, все его нераскрытые и невоплощенные до тех пор способности архитектора и художника: огромное строение, высотой в 50 метров, гордо поднимало над городом и его окрестностями массивный 18-метровый купол. Сквозь многочисленные окна барабана в богато украшенный интерьер лились потоки света, создавая ощущение ликующей радости — радости жизни и творчества. Собор явился подлинным украшением города. Современники и потомки так и называли его по имени автора — Витберговским.

Вид на Дом Витберга зимой. г. Киров. 2015 г. Фото: Дмитрий Порошин.

Смерть пришла к Витбергу в Петербурге 12 января 1855 года. Он похоронен на Волковом кладбище. Надгробие утрачено в советские годы.

Зодчий Витберг создал красоту.
Его чувств открылась глубина,
Будто выплеснул свою мечту,
Любовались солнце и луна.

К сожаленью эта красота
Уничтожена была глупцами.
Но история её жива,
Миражом живёт под небесами.

Тот, кто это чудо создавал
Часть души оставил в его стенах.
И когда от взрыва храм упал,
У смотревших кровь застыла в венах.

Стёрли красоту с лица земли
И кому не нравилась она,
Этого понять и не могли,
Удивлялись солнце и луна.

Много лет прошло с тех пор,
В чертежах остался образ храма.
Но невольно люди обращают взор
На то место, где случилась драма.